Пересмотр! Том 1. Даже не начал Тришин Никита

История «Пересмотра!»

Один из самых распространенных советов, что дают писатели своим возможным будущим коллегам – заведите дневник как можно раньше. Мне эта идея никогда не нравилась, ибо моя жизнь никогда не казалась чем-то особо насыщенным, что стоит мгновенно и как можно раньше задокументировать. Но не зря же советуют? Я возвращался к этой мысли на протяжении нескольких лет. Пока, где-то в начале 2013 года, не пришло озарение.

Что, если объединить свою биографию с отзывами на фильмы, просмотренными в кинотеатре? Как бы и формальные временные рамки, и данные о моей унылой жизнь будут разбавлены тем, что действительно интересно – кино. Загоревшись идеей, я написал где-то 5-10 страниц текста о примерно столько же фильмах. Ради этого пересматривал «Би Муви» и «Повелителя Стихий», например. Но это коснулось не всех лент – о каком-нибудь «Большом путешествии» и «Тачках» писал чисто по памяти, ибо и так их не один раз видел и не находил смысла освежать воспоминания.

Не знаю, во что эти записи вылились, если бы они сохранились до наших дней. Будучи крайне наивным, я считал, что все мои творческие потуги можно спокойно хранить на одной флэшке. Помимо той писанины, там были и другие, более ценные вещи, касающиеся записей и на поприще художественной литературы. Все они пропали, когда я неудачно наклонил ноутбук и воткнутая в него флэшка погнулась. Увы, ничего достать из неё впоследствии не удалось.

Как бы я не жалел о потерянных трудах, не могу не признать, что у случившегося есть и положительная сторона. Если бы они сохранились, то, скорей всего, сейчас я бы не писал это. Изначально «Пересмотр!» не подразумевал автобиографические вставки – они пришли сами собой, когда рубрика естественно развивалась с каждым выпуском, тем самым впитав суть, что была у текста с потерянной флэшки. Разве что идея с хронологией оказалась утрачена.

Первые два выпуска были лишь рецензиями на замену моих более неудачных текстов на КиноПоиске. Удалить свой уже одобренный для публикации материал оттуда можно, только если ты написал ещё один на ту же вещь. Причем лишь ограниченное число раз. Правда, иногда мне шли на встречу и модераторы сами удаляли предыдущие рецензии, тем самым не меняя число возможных удалений.

Кроме КиноПоиска я отправил эти тексты в свой любящий пыль и стагнацию блог на Тамблр. Там уже появилось название «Пересмотр!». Цели выдумать что-то оригинальное не было. Даже завёл для текстов группу ВКонтакте. Но она быстро исчезла, так как появилась новая перспектива. Увидев мои потуги, двое друзей, с которыми я тогда, грубо говоря, писал подкасты, а по сути просто общался в Skype, предложили объединить усилия и создать сайт, где мы могли бы полностью удовлетворить свои амбиции в плане написания текстов.

За эти пять лет, что я с хромающей периодичностью пишу «Пересмотр!», произошло многое. Рубрика начала обретать своё направление и идею только с третьего выпуска. Впоследствии мне приходилось очень долго и яростно отстаивать её перед коллегами. Одно время рубрика переехала на специально созданный подсайт, чтобы её выпуски не «засоряли» остальные материалы. Но почти полгода спустя «Пересмотр!» вернулся на основной сайт, а идея переезда стала считаться неудачной.

Довести «Пересмотр!» до сотого выпуска было своего рода достижением и относительно простым способом создать достаточно материала, чтобы он был объемом с полноценный роман. Но – парадокс – в тоже время я и близко не написал обо всём, чём хотел. Ещё столько фильмов не затронуто… Даже из тех, о которых я думал написать ещё во времена первых выпусков! Я вот ещё на почти десятилетие отстаю с Pixar и не сделал ни одного текста о моей второй любимой студии. А уж про сериалы вообще молчу. Всё это, как ни странно, ещё впереди. Потому том получил название «Даже не начал».

В начале 2019 года я ушёл из «Перетрения» из-за достигших предела творческих разногласий и элементарной нехватки времени по причине (приготовьтесь смеяться) того, что у меня появилась девушка. Но к концу года мы нашли общий язык и я сменил расписание с еженедельного на раз в две недели. Так я снова стал публиковать новые выпуски с января 2020-го. Собственно, в этом сборнике и представлены все выпуски за 2016, 2017, 2018 и 2020 год.

Это путешествие слишком ценно для меня. Я не только развиваю свой аналитический и писательский навык, но и переосмысливаю собственную историю. Ведь кино с сериалами и есть моя жизнь. Спасибо, что участвуете в этом путешествии со мной.

В каком порядке читать?

В любом. Разумеется, идеальным способом было бы читать с первого по последний – бывает, что я порой даю не самые очевидные отсылки к предыдущим выпускам, да и сами они порой привязаны к определенному инфоповоду на момент выхода. Для лучшей ориентации в том, что в какое время написано, перед каждым текстом есть дата публикации.

Но я также понимаю, что для кого-то чтение ста с лишним случайных рецензий может стать достаточно унылым и тягомотным опытом. Так что в конце книги я выделил несколько списков с регулярными темами, проходящими через несколько выпусков. Можете начинать с любой наиболее интересной – а там авось и до остальных руки дойдут. Полные названия я в основном писать не буду, отдав предпочтения пояснениям, как фильм/сериал относится к серии.

#1 – Трон: Наследие (2010)

Опубликовано 27 марта 2016 года

Не сказать, что «Трон: Наследие» – шедевр. По правде говоря, его и хорошим фильмом можно назвать лишь с натяжкой. Но где ещё вы найдете такое визуально выверенное кино, пиршество для глаз из некой смеси киберпанка и нео-нуара? Правильно, нигде. И в первую очередь фильм подкупает своей уникальностью.

Впрочем, ещё до попадания в мир Системы нам есть на что посмотреть. Хотя бы на… как бы подобрать выражение получше… малоудачное омоложение лица Джеффа Бриджеса. В открывающей сцене его герой, Флинн, рассказывает сыну о мире Системы и тех, кто там главные – а именно он сам, его копия КЛУ и Трон. Спустя 20 лет эти знания мальцу пригодятся. Ведь, по воле случая, ему придется испытать все прелести жизни внутри компьютерного мира, что долгие годы развивался сам по себе и держал его папу в заточении.

Последовавшая нарезка новостей о исчезновении героя Бриджеса ничего особенного из себя не представляет. А то, что в последнем репортаже так и вовсе открыто ссылаются на сынишку, настораживает. Создается ощущение, что сценаристы не очень-то уважают своего зрителя, раз настолько разжёвывают, что именно мы должны чувствовать и думать. Но не беспокойтесь: потом лента редко будет объяснять, что в ней происходит.

Доходит до смешного – узнать, как же в финале произошло то, что произошло, можно лишь из интервью с режиссером, но никак не из самой картины. Вспоминается комментарий Джорджа Лукаса к четвертому эпизоду Звездных войн, где он объяснял, что такое парсеки и почему чем их меньше – тем лучше. Позже он добавляет, будто ему казалось, что из самого фильма всё понятно. Нет, Джордж, ты даже подсказки не оставил.

Тем не менее – папа исчез, и юный Сэм Флинн уезжает на велосипеде непонятно куда, и тут же ночь сменяет день, а мальчишке уже 27. Едет он теперь на мотоцикле и роль его исполняет Гаррет Хедлунд. И, может, он и слегка сдержан в своей игре, но харизмы у него не отнять. Чего только стоит сцена, где его застает на крыше охранник, а он ему лишь разводит руками: мол, на самом деле это здание компании, которая принадлежит мне, потому я твой начальник и делаю что хочу. Таких малозаметных, но приятных моментов в его игре хватает.

На самом деле все актеры молодцы, как и играющий за двоих Бриджес, так и зашедший на минутку Киллиан Мерфи. Разве что Майкл Шин расстраивает кривляньями, но его тут немного. Самая интересная роль досталась Оливии Уайлд – её Кворра может показаться лишь ещё одной крутой экшен-героиней, но при этом она наивная и неловкая как ребенок. Такое сочетание сюжетно обосновано, хоть ему уделено не так много экранного времени, как хотелось. Героиня явно заслуживает большего, особенно благодаря тому, с какой самоотдачей её играет Уайлд.

Весь фильм пропитан недосказанностью. Взять хотя бы героя из названия – где сам Трон? Как выясняется, тут его зовут Ринзлер и он главный приспешник злодея, КЛУ. О каком-либо развитии персонажа мечтать не приходится – он всё время в маске и почти беспрекословно выполняет то, что ему велено. Когда в конце происходит метаморфоза героя, то она продиктована по большому счету ничем. Ей богу, в видеоигре Kingdom Hearts: Dream Drop Distance, где можно пару часиков побегать в том числе и в мире «Трона: Наследие», Трону уделено больше внимания, чем в фильме. А ведь там он лишь один из множества второстепенных персонажей.

Забавно, что нам так и не показали напрямую лицо Трона в нашем времени, но омоложенное лицо Брюса Бокслайтнера, что играл этого героя ещё в «Троне» 1982 года, можно увидеть во флэшбеках. Правда, разглядеть его не получится – оно вдалеке, а сами флэшбеки покрыты сеткой из множества шестиугольников, как пчелиные соты. Причем сделано это не просто так – как можно заметить, в архитектуре Системы шестиугольники не редкость, и тем самым на фоне истории о зарождении нового порядка в этом мире они вполне уместны.

Очевидно, что режиссер-дебютант Джозеф Косински прежде всего уделял внимание визуальной части своего творения. И, вероятно, для такого фильма это – лучший из подходов. Когда вокруг сплошная компьютерная графика, приятно знать, что и костюмы, и некоторые декорации самые что ни на есть настоящие. Люди ради того, чтоб пол в логове Флинна в Системе светился, оставили под ним еще три метра пространства. Все эти неоновые огни, вечная ночь, плавные линии – слов нет. Не фильм, а арт-инсталляция.

Вишенкой на торте оказывается то, что фильм крайне приятен не только для глаз, но и на слух. Дело не столько в прекрасном подборе звуков и правильной их компоновке, сколько в потрясающей музыке от Daft Punk. Двое французов не думали халтурить, этот саундтрек можно спокойно ставить на полку с их остальными, не менее прекрасными, альбомами. Благодаря им «Трон: Наследие» можно смотреть хоть с закрытыми глазами и всё равно не пожалеть о потраченном времени.

Конечно, было бы неплохо, если нам показали побольше гонок на мотоциклах и поменьше неловких отношений отец-сын, а от здешнего злодейского плана не хотелось краснеть. Но я готов переживать эти, по сути, малозначительные минусы снова и снова, дабы насладится тем визуальным и аудиальным деликатесом, коим является «Трон: Наследие».

8 из 10

#2 – Астерикс против Цезаря (1985)

Опубликовано 27 марта 2016 года

Бывают фильмы, которые сами по себе не назовешь откровенно ужасными. Но они так проваливаются по всем фронтам там, где множество схожих произведений были удачными, что при первом просмотре ты не можешь сдержать гнева и готов рвать и метать. Такая у меня была ситуация с мультфильмом «Астерикс против Цезаря» 1985 года. Повторный просмотр дается куда легче, но былая обида не прошла.

Вот есть здоровенный обалдуй Обеликс. Он влюбился в только приехавшую красавицу-племянницу вождя деревни. Сама по себе ситуация неловкая. Причем как для Обеликса, так и для зрителя, что вынужден наблюдать за исходящими из неё несмешными шутками. Позже её и точно так же до противного идеально нарисованного жениха похищает новичок из римской армии, не знающий, что с деревней, где все пьют волшебный эликсир для получения немыслимой силы, лучше не связываться. Узнав о таком безобразии, командир посылает его отвезти пленных в самую дальнюю римскую провинцию. Астерикс и Обеликс, конечно, отправляются на выручку.

И тут начинается самое веселье. Если, конечно, под весельем подразумевать торжество отсутствия логики. Чего стоит только один факт, что ради спасения пленных Астерикс и Обеликс записываются в римские легионеры. Не понарошку, а на самом деле. Самим добраться до порта и там договорится с каким-нибудь торговым судном, конечно, невозможно – абсолютно необходимо записаться в армию твоего главного врага, лишь бы добраться до этой дальней провинции. При этом их принимают без вопросов, а подготовка перед походом занимает всего пару дней. Повторю: подготовка галлов и прочих покоренных народов в службе легионера заняла всего пару дней. Даже для фарсовой комедии, свойственной историям про Астерикса, это слишком.

Ладно со всем этим маразмом, если бы лента была смешной. Ничего подобного. Поначалу классические избиения выглядят еще более-менее забавно, но потом нам их попросту перестают показывать. Видны только реакции второстепенных персонажей – и вот они ни разу не смешат, а только раздражают вымученностью. Если на всю картину и найдется хотя бы парочка смешных шуток, то таковые попросту погребены под тонной клинически несмешного материала. Даже классическая для этой серии фильмов шутка о перевирании истории (в данном случае о том, что на самом деле из-за Обеликса римский Колизей мощно обвалился) потенциально могла вызвать улыбку, но её подача настолько бестолковая, что плакать хочется.

Дело не сколько в том, что у мультфильма нет чувства комедийного ритма. У него просто нет ритма. Нигде и ни в чем. Анимация то плавная и в целом неплохая, то рваная и откровенно дешёвая. Сцены то крайне фарсовые, то даже слегка пугающие своей серьезностью для детского мультфильма. Нет никакого чувства меры, нет сколь-нибудь интересного сюжета, не за кого переживать и хоть чем-то интересоваться.

Самое обидное тут то, что они сотворили с Астериксом. Как вы можете заметить, его имя есть в названии, но при этом ему досталось не так уж и много экранного времени (Цезарю, впрочем, тоже – количество его сцен можно сосчитать на пальцах). Но что с ним произошло? Он не проявляет характера, в отдельных моментах начинает нелепо и неприятно спешить, а в самом конце одиноко и грустно сидит на ветке, пока вся деревня, как всегда бывает в историях про двух галлов, наслаждается трапезой. Что? Почему? В фильме не было показано ни одной причины, что бы он не был за столом вместе со всеми.

Весь мультфильм – одно сплошное недоразумение, недостойное ни просмотра, ни тем более пересмотра.

2 из 10

#3 – Лило и Стич (2002)

Опубликовано 31 марта 2016 года

Будучи ребенком нулевых, я регулярно и по много смотрел телевизор. Не так уж редка ситуация, когда я по много раз видел отрывки одного и того же фильма, но никогда не смотрел его полностью. Тем не менее, цельная картина произведения в голове всё равно выстраивалась. Я думал, что с «Лило и Стич» у меня такая же ситуация. Но оказалось, что до сих пор я видел лишь примерно половину сцен. Всё же будем считать это за пересмотр, а то иначе я не смогу тут об этом писать.

Как ни странно, но у меня к фильму были даже завышенные ожидания. Дело в том, что его сценаристы и режиссеры Крис Сандерс и Дин ДеБлуа впоследствии подарили нам вполне хорошего «Как приручить дракона». А позже, разделившись, ДеБлуа сделал отличный сиквел «Дракона», а Сандерс – не менее прекрасную «Семейку Крудс». Да и сам пришелец Стич стал культовым персонажем.

В Японии, например, его обожают наравне с Чебурашкой (оно и не удивительно – они одинакового размера и одинаково умилительны). Так что, в каком-то смысле, недавний полноценный просмотр меня даже слегка разочаровал, хотя сама картина все ещё нравится. Но обо всём по порядку.

Начинается «Лило и Стич» даже слишком здорово. Межгалактическая тюрьма, суд над безумным ученым и его генно-модифицированным существом, дерзкий побег с помощью слюней – готов поспорить, в 2002 от Диснея такого вообще никто не ожидал. Даже на не особо хорошо встроенную трехмерную графику космических кораблей не обращаешь внимание – все-таки они тогда только учились такие трюки проворачивать в двухмерной анимации. Да и из-за «Футурамы» подобное кажется привычным.

Позже, в результате случайности, Стич (озвученный режиссером и автором персонажа Крисом Сандерсом) отправляется на родную для нас с вами планету, а если точнее – на один из Гавайских островов. Там мы знакомимся с Лило (Дейви Чейз) – юной гавайкой, испытывающей определенные трудности в общении со сверстниками в связи с проблемами в семье и просто необычным взглядом на мир. Понятное дело, что она – идеальная хозяйка для Стича. Ведь ему, как в таких фильмах заведено, придется весь хронометраж перевоспитываться из машины разрушения в добропорядочного гражданина.

У картины с юмором хорошо, но есть определенные проблемы с комедийным ритмом. Например, есть монтаж сцен, где старшая сестра и опекунша Лило Нани (Тиа Каррере) ищет себе работу, а сама Лило учит Стича быть как Элвис, потому что он – добропорядочный гражданин. Разумеется, каждая новая попытка получить работу срывается по нелепому стечению обстоятельств, напрямую связанных со Стичем. Откровенно слабых шуток здесь нет, но так же тут нет ничего, что искупало бы шаблонность и предсказуемость нарезки. Будучи куда более сильным произведением в драматических сценах, в комедийном плане фильм может откровенно провисать, а то и вовсе скатиться в чисто детскую гиперактивность. Что скорее раздражает, чем развлекает.

Кстати, о Нани – она лучший персонаж картины. Ты сразу же пропитываешься сочувствием к её далеко не простой ситуации, а такому характеру и силе воли вполне можно позавидовать. Она тут не главная скрипка, но играет роль этакого гвоздя, на котором завязаны все ниточки, что представляют «Лило и Стич». Стоит его вынуть – всё тут же разлетится и развалится.

Разве что можно пожаловаться, что в середине ленты, когда она в ресторане видит замаскированного, но явно пришельца (тем более с одним гигантским глазом), то и бровью не дернула. А вот стоило его же увидеть ближе к концу – и тут это подается как серьезный момент. Опять же, это скорее камень в огород ритма. Здорово, что картина не воспринимает себя слишком всерьез, не стесняясь в свой нарисованный мир вставлять реальную фотографию Элвиса и настоящие кадры из фильма про гигантского паука. Но надо балансировать между историей с персонажами, для которых их мир является реальностью, и подмигиваниями зрителю. Увы, это не всегда получается, отчего диссонанса не избежать.

Также слегка обидно, что финальные разборки с пришельцами получились довольно схематичными. В них хватало всяких откровенных глупостей вроде того, что как бы сверхопасное существо сажают в некую прозрачную капсулу, которую они даже поленились положить в сам корабль, лишь прицепив сзади космолёта. И да, Стич оттуда сбегает на раз-два. Даже для такой картины это слишком нелепо.

Но, хэй, всё-таки мы говорим о фильме про милейшего маньяка-пришельца, познающего жизнь и семейные ценности на Гавайях. Такой концепт просто не может не симпатизировать. В конце концов, фильм за свои 80 минут приносит немало удовольствия, хоть и с определенными оговорками.

И вообще – это 42-ой фильм анимационной студии Диснея. А 42, как известно, является ответом на вопрос о жизни, вселенной и всего остального.

7 из 10

#4 – Джордж Карлин: Вы все больны (1999)

Опубликовано 6 апреля 2016 года

Несколько лет назад я наткнулся на один из многих кинообзоров от BadComedian`а. Сам ролик мне не понравился (что ещё ожидать от человека, который уже в своем нике сообщает, что он плохой шутник?), но меня заинтересовал двухсекундный отрывок из него, где некий уже немолодой дядька говорил очень интересные вещи. К счастью, в описании было указано, что это отрывок из выступления Джорджа Карлина «Вы все больны».

До этого я уже видел три стэнд-ап выступления – два от Эдди Мёрфи и одно от Мартина Лоуренса. Последнее примечательно тем, что оно имеет самый жесткий рейтинг американской киноассоциации – NC-17, что исключительно привлекало мелкого меня. Но именно Карлину принадлежит заслуга того, что я полюбил стенд-ап.

Это было что-то абсолютно новое, с чем я никогда не сталкивался. Столько желчи – но толковой, и, что самое важное, смешной желчи. Все жалобы, как их охарактеризовал сам выступающий, скорее походят на протест – настолько агрессивно они звучат. Если бы у Задорнова хватало смелости, то он, вероятно, тоже мог так выдавать свой материал, но увы. И вообще меня не туда понесло.

Как впоследствии выяснилось, часть этого выступления я слышал ещё раньше – а именно в отчаянной документалке Питера Джозефа «Дух Времени». Монолог о том, что всемогущий бог не преминет бросить вас в ад за нарушение его правил, но он любит вас и ему почему-то всё время нужны деньги, звучит в том фильме где-то в начале. Примечательно, что заканчивается «Дух Времени» тоже выступлением стенд-ап комика, а именно монологом Билла Хикса о том, что вся жизнь – всего лишь аттракцион. Казалось бы, если ты за свои деньги делаешь серьезную ленту о заблуждениях современного мира (какой бы сомнительной она в итоге ни вышла) и обмане вокруг американцев в частности, то зачем добавлять в закадр отрывки из, собственно, комедийных выступлений? Даже говорить не буду, что в каждой шутке есть доля шутки.

Мне уже сложно представить свою жизнь, если бы я не сделал этого открытия. Не знаю, насколько эти все выступления повлияли на моё мировоззрение, но хоть какой-то след да оставили. Я не назвал бы это выступление любимым среди всех работ Карлина, но, уверен, вы уже догадались, почему именно «Вы все больны» упомянуто в названии этого материала.

Единственное что слегка обидно за русскую озвучку. Это был один из первых опытов озвучания у студии RUMBLE, и потому она не так хороша, как их последующие работы. Но зато с переводом вроде бы никаких проблем нет.

Если вы все ещё не смотрели это выступление – что вы тут всё ещё делаете? А если вы сознательно решили его не смотреть, то… ладно. Кто я такой, чтобы вас заставлять?

…Неженки.

9 из 10

#5 – Бионикл 2: Легенды Метру Нуи (2004)

Опубликовано 13 апреля 2016 года

С 2001 по 2010 год существовала серия конструкторов LEGO, внесшая немалый вклад в развитие компании и не давшая ей загнуться, несмотря на плачевное финансовое состояние. Изначально она была лишь подразделом серии Technic, но довольно быстро отделилась в самостоятельную линейку. Речь, конечно, о BIONICLE.

Я люблю BIONICLE, это крупная часть моего детства. У меня были сами фигурки-конструкторы, я играл в видеоигры по ним, и, о чём сейчас и речь, смотрел фильмы. Причём ещё в далеком 2004-ом, когда у нас можно было купить только пиратские DVD, бывшие лишь репликой западных дисков с впихнутой непонятно как русской аудиодорожкой. В диске с «Бионикл 2: Легенды Метру Нуи» эта дорожка была запихнута так глубоко, что мы её с папой и братом с полчаса искали. Но сам фильм полностью так и не посмотрели.

Позже, в году этак в 2006-2007, у нас не только монструозно развился пиратский рынок, но и стали появляться первые лицензионные носители. Благодаря дикому везению мне удалось добыть второй и третий фильм по Биониклам без пиратства и с дополнительными материалами. Третью часть я особо много не смотрел, а вот вторую пересматривал и пересматривал, пока диск не перестал воспроизводиться с определенного момента ближе к концу фильма. К несчастью брата, которого я так и не уговорил посмотреть картину, его подсказка о том, что стоит протереть диск снизу, сработала на отлично и я снова сел смотреть «Легенды Метру Нуи».

Увы, в детстве я был плохим хозяином для своих вещей, и к 2011 году этот диск пропал. Не знаю, что с ним стало. Но зато у меня остались впечатления о красивом, динамичном, интересном мультфильме с крутой музыкой по полюбившейся мне вселенной. Но чем старше я становился, тем больше сомнений вкрадывалось по поводу этих воспоминаний.

Я не люблю высказывания из разряда «мне этот фильм в детстве нравился, поэтому не хочу его пересматривать – вдруг разонравится». Я считаю это крайне глупой и трусливой позицией. Переосмысление само по себе – вещь крайне полезная. Ей не то что нельзя пренебрегать, а даже нужно хвататься за любую возможность воспользоваться. Тем более, что вы все ещё можете обожать этот фильм вопреки логике. Так что почему бы и не пересмотреть?

В моём случае недавний пересмотр был катастрофой. Но катастрофой ожидаемой. Всё же я, по понятным причинам, хорошо помнил фильм. В нём тонна проблем, от скудного и бестолкового повествования до нелепостей вроде малого количества кадров в секунду на отдельных сценах. Я понимаю, для трехмерной анимации 2004 года, тем более выходящей сразу на видео, всё выглядит относительно неплохо. Плюс сроки производства были сжатые, отчего создатели рисковали не успеть доделать фильм к сроку. В видеоигровой индустрии и сейчас такие проблемы не редкость. Но наблюдать подобное в кинематографе как минимум странно и непривычно.

Не знаю, стоит ли размусоливать проблемы скомканности сюжета или бедности проработки окружения – подобное типично для Direct-to-video релизов. Так на чём же заострить внимание? Давайте на персонажах. Они неинтересны. Ни на йоту. Вроде как и разумной речью обладают, но складывается ощущение, будто кто-то решил, что раз они выглядят как роботы, то и интерес вызывать должны такой же, как прочие механизмы, будь то холодильник или блендер. Разве что с главным героем себя легко ассоциировать, да и только потому, что он лох и неудачник. А в конце становится героем и лидером, иначе никак.

Самый интересный персонаж в фильме – это злодей Макута. И то только потому, что его мало, выглядит он круче всех и обладает божественно потрясающим голосом (по крайней мере, в дубляже). Единственное, что как было для меня хорошо, так и осталось – музыка Нэйтана Фёрста. Относительно недавно вы могли слышать его в фильме «Need for Speed: Жажда скорости». Пробился в высшую лигу парень. Молодец, заслужил.

Мне всё ещё нравится визуальный стиль фильма и, повторюсь, вселенная BIONICLE в целом. Но я не могу отрицать, что «Легенды Метру Нуи» – откровенно слабо сделанная лента, существующая прежде всего как побочная продукция к игрушкам и по сути никому не нужная. Я не испытывал негативные эмоции при пересмотре. Но только из-за того, что когда-то обожал этот фильм.

4 из 10

#6 – В диких условиях (2007)

Опубликовано 20 апреля 2016 года

Без шести дней пять лет назад я уже писал рецензию на «В диких условиях», успешно опубликованную на КиноПоиске. Мне тогда было 14 лет и это был один из моих самых первых письменных потугов на поле кинокритики. Неважно, что количество положительных оценок там превышает отрицательные – та рецензия была лишь бессвязной чушью. Но оно и понятно. Важно отметить, что я тогда попросту влюбился в фильм и поставил ему те самые, заветные «10 из 10».

Сильно ли изменилось моё мнение теперь? На самом деле, не особо, хотя одна важная вещь произошла – я больше не могу сказать, что люблю ленту. Не поймите превратно – она мне все ещё очень нравится. Но есть определенные вещи, что показались странными и не слишком уместными.

История основана на реальных событиях, рассказывая о пареньке Крисе, который, после окончания колледжа, послал всё лесом и начал бродяжничать. Его мечтой стала жизнь в лоне природы на Аляске. В финальных титрах есть надпись, что создатели фильма благодарят реальную семью этого парня за содействие в создании киноленты. И вот отсюда вопрос – а обязательно ли говорить столько нелицеприятного о его родителях?

Я понимаю, надо же обосновать, что главный герой не особо-то и заботится о них, даже ни разу не написав письмеца за время путешествия. Но неужели нельзя было придумать более деликатный способ показать обоснование такого поведения, чем заставить его сестру закадровым голосом объяснять зрителю, какие предки плохие? При этом она ещё потом негодует, что он и ей не пишет. А ведь сестру он вроде как любит больше всех остальных людей на земле, что делает множественный негатив к родителям только более бесполезным.

Ещё одна не совсем ясная мне вещь – монтаж. По большей части он тяготеет к документальной манере. Даже есть пара типичных для таких лент разговоров на камеру (тут, конечно, это просто беседы с самим собой, никаких ломаний четвертой стены). Но при этом фильм не чурается и сцен-фантазий, хоть последних раз, два и обчёлся. Используя методы как из художественного, так и из документального кино. С одной стороны мы получаем интересный симбиоз, а с другой – не чувствуется должного баланса между элементами. Вроде бы и отлично придумано, но реализация слегка подкачала.

К примеру, когда в конце нам напрямую дают мораль о том, что всё-таки стоит общаться с людьми, я всё ещё не могу понять, зачем нам показывают крупный план открытой книги, а потом выхватывают с её страницы слово «люди» и всё увеличивают и увеличивают его. Как бы понятно – найти иной ответ на вопрос свободы и взаимодействия с человеческими существами, чем приведший в глушь Аляски, главный герой мог в своих же любимых книгах. Но конкретно этот прием никак идее не помогает, и без него средств для выражений этой мысли хватает.

Тем не менее – это действительно отличный фильм. Прежде всего благодаря актерам – Эмиль Хирш в главной роли по настоящему блистает. Поразительно, как он органично смотрится во всех трансформациях Криса за время путешествия. Также было очень приятно наблюдать за Винсом Воном и Заком Галифианакисом. У последнего роль малюсенькая, но стоит отметить, что он тут появился ещё до прославившего его «Мальчишника в Вегасе». А Вону даже дали возможность продемонстрировать своё актерское мастерство. И он ничуть не подвел.

Однако больше всех меня впечатлила Кристен Стюарт, хоть и не своим исполнением роли (играла она, ну, нормально), а красотой. Полагаю, тут дело в том, что на её лице регулярно была небольшая часть волос – такие детали внешности я безумно обожаю, так что подобное заявление стоит считать излишне субъективным. Я его упоминаю чисто потому, что оно реально повлияло на удовольствие от фильма.

Также здесь очень умно расставлены сцены – в фильме чередуются жизнь Криса в «волшебном» автобусе на Аляске, история прибытия туда и флэшбеки, поясняющие мотивацию к путешествию. Таким образом, мы получаем по кусочкам информацию на три темы равномерно, что дает четкую картину восприятия истории в мозгу. Конечно, само путешествие получает больше всего времени. Всё-таки оно было очень насыщенным и самым интересным в этой истории. Но благодаря такому построению сцен весь сюжет воспринимается более цельно и органично. Возможно, даже лучше, чем если это было чисто в хронологическом порядке.

Вишенкой на торте «В диких условиях» оказывается музыка. Что песни с вокалом Эдди Веддера, что музыка Майкла Брука великолепно вписываются в ленту и прекрасно переслушиваются вне её.

Так что да, мне все ещё сильно симпатизирует картина – концовка все ещё за душу берет. Просто теперь немного меньше, чем раньше. Но зато сейчас я гораздо лучше осознаю, чем именно «В диких условиях» мне так нравятся.

9 из 10

#7 – Повелитель стихий (2010)

Опубликовано 27 апреля 2016 года

Давным-давно, ещё в далеком 2006-ом, я, как обычно в то время, смотрел всё подряд, что предлагал канал Nickelodeon. Закончилась очередная серия «Ох уж этих деток», и тут внезапно начали показывать нечто совершенно иное. Взглянув на экран телевизора, мой брат сказал, что это вроде как аниме. Я тогда даже не знал, что это за слово такое, но почему-то был склонен с ним не согласиться – это же Nickelodeon, там никогда не было никаких аниме.

И был прав. Несмотря на стиль рисунка, схожий с японской анимацией, это был мультсериал от американских авторов Майкла Данте ДиМартино и Брайана Кониецко «Аватар: Легенда об Аанге». Я не мог не полюбить его. Эти двадцать серий, разумеется, не были идеальны, но на тот момент из мультсериалов я почти не видел ничего лучше.

Потом, год спустя, я внезапно обнаружил в эфире и второй сезон, который также был прекрасен. К моменту выхода третьего сезона на западе у меня уже был постоянный доступ в интернет, поэтому его появление не стало такой же мощной новостью, как раньше. Тем не менее, из-за нулевого опыта скачивания видео из сети я ждал выхода серий на всё том же любимом канале. Ведь 2010-е ещё не наступили и он не успел стать полным отстоем. Из-за разницы во времени с Москвой у нас премьеры последних серий шли уже за полночь, но меня это не останавливало. А на следующий день я не упускал возможности посмотреть повтор той же серии уже днём.

С каждым годом моего существования и каждым новым пересмотром, включая то чудесное лето, когда мы вместе с моим другом детства на даче взахлеб посмотрели все 61 серию, я всё сильнее осознавал, насколько же сильно люблю это шоу. Процесс происходит до сих пор – я всё ещё вспоминаю новые детали оттуда, о которых не задумывался или не замечал раньше. Анализируя свои мысли и поведение, пришел к одному удивительному выводу: нет ни одного произведения искусства, которое повлияло на меня, мои мысли и мировоззрение так же сильно, как «Аватар: Легенда об Аанге».

Когда стало известно о предстоящей игровой полнометражной адаптации – черт возьми я был заинтересован. Помню, как на роль принца Зуко приглашали лучшего на свете кумира девочек-подростков Джесси МакКартни, но он отказался из-за занятости в музыкальном турне. Помню, как люди возмущались, что на роль людей с темной кожей брали каких-то белых, а на роль белых магов огня – каких-то индусов. Помню, как благодаря присланной видеозаписи с демонстрацией восточных единоборств на главную роль взяли вообще какого-то левого паренька… Словом, я следил за производством настолько пристально, насколько мог.

В кино пошёл вместе с братом и его тогда ещё девушкой. Они в тот день научили меня великой мудрости, что с помощью сумки или портфеля можно проносить в кинозал любую купленную ранее тобой еду, даже если это запрещается правилами кинотеатра. Стоит упомянуть, что «Аватар» Джеймса Кэмерона сделал этому фильму сразу две подножки: не дал использовать слово «Аватар» в названии и, из-за спровоцированной им модой на стереоизображение, фильму наспех прикрутили 3D, которое было очень низкокачественным. Экран дико темный, эффект объема работал лишь на спецэффектах магии, и то очень топорно – за всем этим толком саму киноленту не рассмотреть. Поход в кинотеатр был клёвый, а фильм… Я так и не понял, какой он. Но потом решил, что вроде бы так себе. Не то чтобы я сильно разочаровался в этом не пойми что. Ведь, в конце концов, оригинальный мультсериал у меня никто не отнимал.

Спустя два-три года я пересмотрел фильм на экране своей PSP – и взаправду насладился им. Конечно, он плохой, но я получал какое-то странное удовольствие лишь от одного факта, что это картина – реальная попытка перевести на большой экран мой любимый сериал. Впрочем, оценка фильму на КиноПоиске снизилась с 5 до 4 из 10. Так что не подумайте, будто я совсем чокнулся.

И вот сейчас только что пересмотрел картину с лицензионного Blu-ray за 200 рублей. Который, кроме годных дополнительных материалов, представляет собой любопытную коллекционную ценность – он был выпущен на территории России «Юниверсал Пикчез Рус», а не «Новым Диском», как все последующие его ревизии на DVD и Blu-ray. Хоть из-за вышеописанного я не жалею об этом приобретении в своей коллекции, но, к сожалению, это никак не мешает фильму быть плохим. По многим причинам.

Так как рыба гниет с головы, то с неё и начнем. А именно, как нам первым делом сообщают финальные титры, с продюсера, сценариста и режиссера М. Найта Шьямалана. Не знаю, как с первым, а со вторым и третьим он проделал откровенно слабую работу. Сценарий «Повелителя Стихий» – не что иное, как выдержка из первого сезона «Легенды об Аанге» со слабой примесью отсебятины. Причем выдержка бестолковая. Я мог бы написать огромную аналитическую статью, сравнивая моменты в фильме и сериале, подробно объясняя на каждом из них, почему он – всего лишь перевирание и/или неправильно поданный материал из оригинала, но не хочу загружать текст ещё сильнее. С таким же успехом господин Шьямалан мог вырвать дерево из земли, перевернуть корнями вверх и снова закопать, надеясь, что оно продолжит расти.

Да и всё новое, что он принёс, по большей части нельзя назвать хорошими идеями. Например:

• Лишить магов огня возможности создавать пламя из ничего. Что?

• Чтобы генерировать магию, нужно долго и непонятно как двигаться. Причём вместо мгновенных движений из восточных единоборств, как в сериале, они стали больше походить на танец. Зачем?

• В конце главный герой, дабы прекратить атаку людей Огня, поднимает огромную волну, а не объединяется с Духом Воды в этакую водяную Годзиллу. Почему? Это же выглядело бы так круто! Но тут хотя бы можно понять – более затратно по бюджету. Но, ради всего святого, для такого можно было бы и постараться.

Последнее, что я скажу, сравнивая фильм и мультсериал, будет о непоследовательности подхода Шьямалана к сериалу. Скажем, среди фанатов популярно мнение, что «Буря» – лучшая серия первого сезона, если не всего сериала (и это если учесть, что второй и третий сезон заметно лучше первого). Но на неё сценаристу особо дела нет, хоть при этом он уделяет немало внимания сюжету из «Синей маски». Та серия, конечно, помогает лучше разобраться в персонаже принца людей Огня Зуко, злодея поневоле. Но в той же «Буре» он раскрывается сильнее, и там есть такое потрясающее сопоставление его судьбы с главным героем, юным Аватаром Аангом, что не включить его в фильм – попросту грех. Это определенно стоило сделать, даже ценой полного игнорирования «Синей Маски».

От М. Найта же протекают остальные проблемы. Вроде бы люди старались, шили костюмы, делали спецэффекты и декорации. Но складывается ощущение, что режиссер не справился со своей главной задачей, заключающейся в координировании действий всех остальных, кто работает над фильмом.

И ведь не сказать, что всё потеряно. Да, фильм до нелепого «мрачен и реалистичен», ничто толком не вызывает интереса, даже экшн не дает собой насладится, настолько всё грустно. Но при этом тут есть одна вполне хорошая сцена с толковым диалогом между улыбающимися людьми. Для всего остального содержания фильма подобное – нонсенс.

Актеры в основном вызывают равнодушие – кому-то не хватает опыта игры, а кто-то просто не хочет выжимать из героев большее, что дает сценарий. А даёт он, судя по всему, мало чего – разговоры между персонажами в абсолютном большинстве мало похожи на то, как люди (и дети в частности) разговаривают на самом деле. При этом среди актерского состава есть те, кто реально старается, будь то Дев Патель с обожженным лицом Зуко или даже Ноа Рингер, тот самый пацан из присланной видеозаписи.

Ещё из хорошего можно увидеть пару действительно остроумных находок (особенно в плане того, как в конце люди огня штурмуют город-крепость на Северном Полюсе) и несколько ненамеренно смешных моментов. Но и того, и того могло быть и побольше. Даже музыка Джейсона Ньютона Хауарда, которого я люблю за «Темного рыцаря», скорее разочаровывает. Здесь разве что неплохой получилась главная тема – в остальном музыка скорее посредственная. И хоть я и сказал, что завязал со сравнениями, но не могу молчать: композиции Джереми Цуккермана из оригинала гораздо, гораздо лучше.

Я мог бы расстроиться, сказать, мол, как же так, мой любимый мультик испортили, детство изнасиловали, все дела… Но ещё тогда, в год премьеры фильма, я понял очень важную вещь, потому повторюсь – сам сериал у нас никто не отнимал.

Так что посмотрите «Аватар: Легенда об Аанге». А если уже смотрели – пересмотрите.

4 из 10

P.S. На самом деле рыба необязательно гниёт с головы, но аналогия слишком хорошая, чтобы от неё отказаться.

#8 – Холодное сердце (2013)

Опубликовано 4 мая 2016 года

Я не пошел на «Холодное Сердце» в кино, потому что… это же мультик про принцесс, да? Я не маленькая девочка и никогда ей не был. Этот факт казался достаточной аргументацией, чтобы не пылать интересом к фильму. Но время шло, и любопытство начало брать своё – куча восторженных отзывов, сумасбродство по одной песне, рекорды сборов по миру и прочее явно говорили, что как минимум нечто достойное для просмотра здесь есть. У нас даже были повторные сеансы на весенних каникулах, но как-то у меня не получалось выкроить время для них, хоть на тот момент уже реально хотелось посмотреть.

В итоге я впервые оценил картину лишь летом, когда и происходит действие фильма. Если сказать о моих первых впечатлениях максимально кратко, то лучше всего подойдет фраза «я не был к этому готов». Даже не помню, как всё произошло. Фильм моментально пролетел через моё сознание и я понял, что влюбился. Да, в этот мультик с принцессами и говорящим снеговиком.

Когда мне стало 18, что моя тётя подарила мне на день рождения? Правильно, 3D Blu-ray с «Холодным Сердцем». Я, конечно, был безумно рад, но меня до сих пор в дрожь бросает от одного факта, что на свое совершеннолетие одним из главных подарков оказались именно эти два диска в одной коробочке. Вторым диском, как нетрудно догадаться, был с двумерной версией фильма и скудными дополнительными материалами.

По итогам в 2014 году я посмотрел этот фильм 5 раз, пробуя все вариации – 3D и 2D, с русскими и английскими субтитрами, даже родителям показывал. Да, я на полном серьезе показывал «Холодное Сердце» своему папе. И ему вроде даже понравилось. Еще два раза пришлось на 2015, включая чудную ночь с 31 декабря на 1 января, когда я с парой друзей упоролся по Dr. Pepper и мультфильмам. И вот ещё раз теперь: итого я посмотрел его 8 раз, хоть с момента премьеры фильма и трех лет не прошло.

Благодаря массовой популярности не мог не приобрести всяческий мерчендайз по мультфильму, особенно когда он соприкасался со сферами моих интересов, будь то конфетные дозаторы PEZ, альбомы для наклеек, фигурки Disney Infinity и прочее. Разве что проигнорировал набор LEGO – даже не считая, что он и так довольно дорогой, так еще эти дистрофички, что компания по производству датских конструкторов продвигает как минифигурки для девочек, мало прельщали.

Итак, теперь мне все же стоит рассказать, почему именно я так схожу с ума по мультфильму. В первую очередь из-за главной героини – принцессы Эренделла Анны, рыжей экстравертки–социопатки, озвученной неподражаемой Кристен Белл. Настолько неподражаемой, что я потом всячески искал, что ещё с Кристен Белл стоит глянуть. И в результате отсмотрел все три сезона «Вероники Марс». Что большое достижение, так как я крайне редко берусь за сериалы, где хронометраж эпизода в среднем выше полчаса.

Из-за всеобщей шумихи вы могли и не заметить, что главная героиня именно младшая сестра, а не старшая. Я вам даже больше скажу – Эльзина Let It Go вовсе не моя любимая песня фильма. Да, она очень хороша, как почти все песни в ленте, но больше всего мне нравится For The First Time In Forever (Reprise), где сестры выясняют отношения уже в ледяном замке. То, каким оглушающим под конец становится голос Идины Мензел, поражает. Это самая мощная по эмоциональному заряду песня фильма.

Раньше мне был безразличен жанр мюзиклов, но когда я думаю о сюжете «Холодного Сердца», то не могу перестать восхищаться, как мастерски песни вплетены в него – настолько, что я не могу представить историю без них. Разве что пение троллей можно выкинуть, но всё же это довольно забавный эпизод. Полагаю, не в последнюю очередь тут сыграло грамотное распределение ролей – пока супруги Кристина Андерсон-Лопез и Роберт Лопез занимались чисто песнями, над саундтреком корпел Кристоф Бек, словно решивший доказать мне, что способен работать во всех жанрах, а не только в комедиях. И доказал ведь!

А вот где фильм оказался хорош неожиданней всего – так это в своем главном комедийно-разгрузочном персонаже. Как грамотно заметил в своем «Диснейбре» Даг Уолкер, если какой-нибудь Осёл из «Шрека» свои шутки кричит, то снеговик Олаф их чаще шепчет. Это действительно что-то необычное. Притом он крайне грамотно введен в сюжет и играет важную роль в происходящем. За подобное я не могу не отвесить мысленный поклон указанной как единственной сценаристке и также со-режиссеру фильма Дженнифер Ли, которую я ещё заприметил на «Ральфе», где также был отличный сценарий с преинтереснейшими персонажами.

Даже дубляж на удивление хорош. Больше всех впечатлил Дима Билан – он справился с ролью Принца Ганса превосходно. Перевод тоже вполне хорош: конечно, в некоторых местах потеряна игра слов, но когда Олафа протыкает льдинка и он говорит то, что говорит – получается даже лучше, чем в оригинале. И окончание песни Do You Want To Build A Snowman? получилось более тонким и проникновенным благодаря тому, что в русской версии в первой строчке повторяющегося куплета есть лишь «А за окном уже сугробы», без упоминания снеговика.

Думаю, на этом можно закругляться. Конечно, я упомянул вовсе не все достоинства или даже недостатки. «Холодное Сердце» такое красивое, неглупое, с прекрасными персонажами, шутками, песнями, что просто берёт и завораживает тебя полностью на весь свой хронометраж. А ещё я не могу вспомнить фильма, в котором с такой же мощью раскрывалась тема сестринской/братской любви. В результате мы получаем пиршество как для глаз, так и для души.

10 из 10

#9 – Хроника (2012)

Опубликовано 11 мая 2016 года

Смотрю на свою PlayStation Portable и понимаю – я был ей не лучшим хозяином. Потертая, с достаточно поцарапанным экраном, чтобы было не слишком приятно смотреть видео при дневном освящении, полуработающим дисковым приводом, постоянно отваливающейся крышкой от батареи, почти не работающим для передачи звука в левый канал гнездом для наушников… красавица, одним словом. Я и до сих пор ей пользуюсь, но теперь её время приходит довольно редко. И то ради коротких игровых сессий. А просмотренные за последние месяцы ролики на ней не превышали 30 минут. Не могу вспомнить, когда я в последний раз смотрел на ней полнометражное кино. Давно, наверное.

А ведь когда-то я почти что только на ней кино и смотрел. Причем регулярно. В маршрутке, в гостях, перед сном – короче, когда только можно и нельзя. Через неё же я и познакомился и с «Хроникой» – режиссерским дебютом Джоша Транка о подростках, получивших сверхспособности.

Здесь есть одна особенность, которая заставляет сразу насторожиться: буквально каждый кадр киноленты снят какой-либо камерой, существующей в мире фильма. Зная это, сложно избавится от мысли, что на этой фишке вся картина и будет строиться. Но, к превеликому счастью, это оказалось не совсем так. Мне тогда фильм понравился, хотя претензии были, по большей части именно что к выбранному стилю. И ещё к откровенно слабым спецэффектах в некоторых сценах.

Причин пересмотреть фильм было несколько. Прежде всего – видео на Ютубе «Гибель и возвращение Супермена» (Осторожно, 18+), где автором и рассказчиком был Макс Лэндис, сценарист «Хроники». Это очень крутой ролик, там засветились даже Элайджа Вуд и Саймон Пегг. В одном кадре на футболке Лэндиса было написано: «идите смотреть "Хронику"». И я подумал – а почему бы и нет? Прошло уже несколько лет, я получше познакомился и даже восхищался двумя из трех актеров на главных ролях. Да и второй фильм Джоша Транка – «Фантастическая Четверка» – мне, вопреки мнению абсолютного большинства, понравился. В совокупности всех этих факторов пересмотр казался очень хорошей идеей.

Могу с полной ответственностью заявить, что это было действительно отличной идеей. Теперь мне фильм понравился даже несколько больше, чем раньше. Прежде всего он вызвал такую симпатию своим крепким сюжетом и персонажами. С самого начала вас погружают в повседневный мир героев, их мыслей и проблем, через которые уже проглядывается основная идея фильма и то, что будет дальше. И преподнесена она очень даже грамотно. К примеру: когда заходит речь о том, что все время снимать окружающее на камеру может быть не очень хорошей идеей, поскольку снимающий будто бы создает преграду между собой и окружающим миром, то оно не просто так. Увы, не все темы и подтексты введены достаточно органично, но в большинстве своем всё работает как надо, ружья Чехова стреляют в нужное время.

Что ещё в фильме здорово, так это актерские работы. Дейн ДеХаан в роли забитой овечки, решившей записывать на камеру свою не слишком лицеприятную жизнь, смотрится очень органично. Отчасти его роль напоминает мужскую версию «Кэрри». Благо, в обоих случаях речь идет о старшеклассниках, использующих свои сверхсилы не ради спасения человечества. Но эта схожесть достаточно слаба, чтоб излишне не бросаться в глаза. Майкл Б. Джордан – просто милашка, в своем образе держится идеально, за такого трудно не переживать. Неудивительно, что после этого фильма у обоих карьеры резко взлетели вверх. Разве что Алексу Расселу не так повезло. Лично мне показалось, что он играет как-то более средне и слегка теряется на фоне этих двоих.

Конечно, когда смотришь на их приколы с применением сверхсилы в кафе или ещё где, не можешь не думать, что подобное нельзя назвать хорошим времяпрепровождением. Но, по крайней мере, это по сути мешает другим людям даже меньше, чем какие-нибудь телефонные пранки. Да и, вероятно, на их месте я делал бы тоже самое, если не хуже. В целом моментов, когда фильм претендует на звание художественной версии «Чудаков», не так уж много, но именно они запоминаются лучше всего. Впрочем, ничего удивительного.

Трудно сказать, было бы фильму лучше без манеры «каждый кадр – съемка какой-либо камеры» или нет. Сложно поверить в такое удобное совпадение, что подруга героя Алекса Рассела тоже всё снимает на камеру. Но оно того стоило – в итоге мы получили хороший фильм. И не важно, под что он стилизуется.

8 из 10

#10 – Облачный Атлас (2012)

Предисловие. Этот текст был написан почти за два года до появления «Пересмотра!». А именно после второго просмотра фильма в порыве чистого вдохновения, после чего я просто оставил его в своем блоге в Тамблре 5 мая 2014 года.

Раньше сайт «Перетрение» был более ориентированным на рубрики. Потому изначально «Пересмотр! #10» написал не я, а Дмитрий Родимов в рамках недели, когда мы все поменялись рубриками. Теперь же, когда «Пересмотр!» стал ещё более авторским, я решил убрать текст о «Черном Динамите» из основной нумерации и заменить его на пост об «Облачном атласе». А сам текст о «Динамите» пусть останется эксклюзивом сайта peretrenie.ru.

Моё первое знакомство с «Облачным атласом» произошло относительно случайно. В начале сентября появилось объявление о том, что из-за 45-летия кинотеатра «Юбилейный» в один из дней осенних каникул все билеты на любые сеансы там будут стоить 45 рублей. Спустя некоторое время я заинтересовался, какие фильмы будут идти в этот день и узнал, что между Диснеевским мультфильмом и новом фильме о Джеймсе Бонде затерялся «Облачный атлас» – экранизация романа некоего Дэвида Митчелла, за которую взялись Том Тыквер и брат с сестрой Вачовски. (Да, тогда ещё брат с сестрой – прим. годы спустя)

Опять же, не сразу, посмотрел трейлер фильма. И ещё ни один рекламный ролик меня так в жизни не впечатлял. Идёт он больше пяти минут, но так меня заворожил, что по телу побежали мурашки удовольствия. Хоть так и не понял, о чём ролик хотел сказать. Куча красивых картинок, отличная музыка и закадровый голос, рассуждающий на заезженные вечные темы – как ни странно, но это действительно взяло за душу. Хоть и кажется, что подобное мы уже видели в сотне другой трейлеров.

Просмотр фильма в кинотеатре был непередаваемым опытом. Один из самых больших кинозалов в городе, заполненный до отказа – в подобных обстоятельствах можно оказаться далеко не каждый день. Разумеется, гейский поцелуй где-то в начале вызвал несколько бурную реакцию среди некоторых зрителей. Но после полчаса просмотра никто никакого громкого звука не издавал – а это особое достижение для трёхчасового фильма. Шесть историй из прошлого и будущего смешивались в единую картину, иногда слишком незаметно перекликаясь между собой. Сцены бурно меняли друг друга, сами при этом особо не торопясь рассказывать свои истории. С первого раза уследить за всем этим трудно, но я был уверен, что это мне удалось. Сейчас уже и не скажу, правда ли это.

Но кое в чем я как и тогда, так и сейчас уверен – 45 рублей окупились. Настолько, что я чуть ли не пожалел о настолько дешёвой цене билета.

После подобного опыта было только вопросом времени, когда я возьмусь за первоисточник. Тут разобраться в истории было значительно проще. Сначала идут первые половины историй от самой ранней вплоть до предпоследней в хронологическом порядке. Потом полностью рассказывается самая поздняя, а за ней следуют продолжения уже начатых, но в обратном порядке.

Первая история происходит в 1849 году на неких тихоокеанских островах. В оригинале повествование ведется отрывками из дневника главного героя – Адама Юинга, адвоката из Калифорнии. Он прибыл ради подписания бумаг насчёт рабов, в суть которых нас не погружают. У него обнаруживается некий экзотический паразит, которого вызывается вылечить эксцентричный доктор Генри Гуз. Перед тем, как отправится на корабле домой, он замечает раба, которого бьют плетью. А тот замечает его.

По сравнению со всеми остальными экранизация этого сегмента мне показалась наиболее верной первоисточнику. Её режиссурой, как и последующих двух историй, занимался непосредственно Том Тыквер, в то время как с четвертой по шестую снимали Лана и Энди Вачовски.

Вторая история начинается в Англии 1937 года и в книге является сборником писем, которые юный композитор Роберт Фробишер писал своему любовнику Руфусу Сиксмиту. В них он рассказывает о своем хождении в ученики потерявшему форму старому композитору Вивиану Эйрсу, с которым они постепенно срабатываются. Параллельно Роберт пишет произведение всей своей жизни – секстет «Облачный атлас». В силу последующих обстоятельств он кончает жизнь самоубийством, как и обещал в своем последнем письме, с которого начинается сюжет.

Эта история как и в книге, так и в фильме является моей любимой. В первую очередь из-за главного героя. Письма Роберта написаны ярким стилем и имеют свой особенный шарм. Да и сам персонаж мне показался жутко обаятельным. При переносе на экран пара сюжетных элементов было полностью вырезана. В частности, на экране так и не оказалась история влюбленности Роберта в дочь старого композитора Еву с трогательнейшей развязкой. Впрочем, это фильму не мешает и скорее хорошо, что его не загрузили ещё больше.

Третья история начинается в Буэнос-Айресе 1973 года и рассказывает о малоуспешной журналистке Луизе Рей, которой, по воле случая, пришлось просидеть некоторое время в сломанном лифте с ученым Руфусом Сиксмитом. Благодаря этому она попадает в хитросплетенный триллер, где главной целью станет донесение секретных материалов нужным людям с целью предотвращения взрыва атомной станции.

В книге эта часть предоставлена как рукопись начинающей писательницы, отправленная в издательство. В плане стилизации Митчелл молодец. Что никак не отменяет хоть и умышленно, но скучное и неровное повествование. Здорово, что при экранизации сюжет явно переработали, оставив лишь основные моменты. В итоге у Тыквера получилась вполне себе интересная, хоть и уступающая другим, история, заметно выигрывающая в сравнении с исходником.

У четвертой истории в книге нет точной даты. Единственной подсказкой можно назвать то, что в связи с победой на выборах Джорджа Буша-младшего главный герой разбил телевизор. Нетрудно догадаться, почему так – эта история должна происходить в настоящем. Отчего в фильме дата совпадает с годом выходом картины на экраны – 2012 год.

На вручении книжной премии в Лондоне издатель Тимоти Кавендиш находился вместе с одним из своих авторов, написавшем автобиографию на основе собственного криминального прошлого. Тот, после перепалки с критиком, швыряет обидчика с крыши, где и происходила церемония. Разумеется, книга автора-убийцы мгновенно стала бестселлером, что дало мистеру Кавендишу возможность заплатить все долги. Так как автор подписал бумаги о передаче прав издательству, тот решает попросить друзей, чтобы они забрали у Тимоти 50 тысяч долларов в течение двух дней. Для издателя это решительно невозможно, и потому он после долгих поисков решает попросить деньги у своего старшего брата. Тот же, по старой обиде, обманом отправляет брата в дом престарелых. Недолго думая, Тимоти решает совершить дерзкий побег.

Данная часть фильма выглядит в портфолио Ланы и Энди Вачовски как «Доктор Стрейнджлав, или Как я перестал волноваться и полюбил атомную бомбу» среди фильмов Стэнли Кубрика. Уж чего-чего, а комедии от них ждёшь меньше всего. В книге эта часть представлена как вероятная основа для сценария, описанная самим Тимоти. Не сказать, что это что-то выдающееся, но вполне любопытно. И, опять же, экранизация смотрится заметно выигрышней.

Пятая история происходит в городе Нью-Сеул 2144 года. Её рассказывает клон-официантка Сонми-451 архивариусу перед тем, как она предстанет перед судом Единодушия, который в любом случае приговорит её к смерти. Собственно, в книге история представлена как запись допроса.

Читая эту часть, меня просто убивало, что в захваченном корпорациями будущем некоторые вещи потеряли старые наименования и заменились названиями фирм. Любые хитроумные электронные устройства называются Сони, Мальборо стало синонимом сигарет и так далее. Особенно впадаешь в ступор, когда пару раз видишь термин «порнодисней». Лишь потом выясняется, что дисней стал синонимом фильма. Сильнее всего же притянуто за уши, что кодак стал синонимом фотографии – с нынешней-то смертью пленки как носителя. Хорошо, что при перенесении на экран от этой идеи отказались.

К сожалению, в фильме эту историю, которая была самой длинной в книге, серьезно обрезали, заметно сократив путь Сонми от рабыни до надежды человечества. Зато добавили крайне эффектную экшн-сцену, а все повествование сопровождают роскошные спецэффекты от самих Industrial Light & Magic Джорджа Лукаса. Что, мягко говоря, необычно для авторского кино. Не сказать, что вышел равноценный обмен, но всяко лучше, чем ничего.

И, наконец, шестая история. Происходит она спустя 100 с чем-то лет после какой-то катастрофы, произошедшей из-за истории Сонми-451. Пастух Закри связывается с некой женщиной из футуристической лодки. По договору он должен проводить её на главную вершину острова. Делать этого он не хочет, ведь там, как думают все в племени, находятся владения злобного духа Старого Джорджи.

Читая эту часть, мои глаза кровоточили. Дэвид Митчелл, посчитав себя самым умным, написал её как рассказ Закри у костра. Оно хоть и логично, что спустя больше четверти тысячелетия вместе с отрешенностью племени от плодов цивилизации речь может значительно поменяться, но читать от этого проще не становится. Я убил кучу времени, чтобы расшифровать написанное. В итоге у меня его не осталось для понимания самой истории. Слава богу, в фильме с языком сильно не заморачивались, лишь добавляя ненужные слова по типу «правда-истина».

Так что объединяет эти шесть историй? Во-первых, в каждой последующей истории есть прямая отсылка к предыдущей. Роберт Фробишер читает дневник Адама Юинга. Луиза Рей читает письма Роберта к Сиксмиту. Тимоти Кавендиш читает рукопись о приключениях Луизы. Сонми-451 смотрит фильм о похождениях Кавендиша. Племя Закри почитает Сонми как богиню.

Правда, при экранизации связь между третьей и четвертой историей едва заметна. Есть буквально пара кадров, в которой можно увидеть Тимоти, читающего рукопись под названием «Период полураспада: первое расследование Луизы Рей». Оно и, наверное, к лучшему. Связь историй, какая она была в книге, сомнительна, и заставляет думать, что как минимум половина истории была придумана автором рукописи. Ибо узнать в подробностях о тех событиях, которые там есть, она никак не могла.

Во-вторых, все шесть истории имеют общий мотив «главный герой показывает системе кукиш». Пусть некоторые из них не сразу понимают, что хотят этого. Адам Юинг не хочет быть пособником работорговцев. Роберт Фробишер не хочет быть слыть изгоем общества из-за своей сексуальной ориентации. Луиза Рей не хочет, чтобы из-за халатности владельцев атомной станции произошел взрыв. Тимоти Кавендиш, ясное дело, не хочет быть в доме престарелых. Сонми-451 не хочет подчиняться Единодушию. Закри не хочет, чтобы он и его родные умирали по воле соседних безумствующих и куда более сильных племен или от опасных желаний продвинутых иноземцев. Все эти персонажи идут наперекор устоявшейся системе, лишь бы добиться того, что сами считают правильным.

В-третьих, сюжетные основы второй половины сборника историй являются зеркальным отражением первой. Например, первая и шестая история. В них главный герой выполняет скорее пассивную роль, действуя в силу обстоятельств. Рядом с ним есть два персонажа. Один поддерживает его, другой мешает. При этом сам герой не уверен, кто из них какую роль выполняет. В конце он всё же выбирает неочевидного союзника и выруливает ситуацию.

Вторая и пятая история. Центральный персонаж больше не может делать то, чем он занимался раньше. При этом он не теряет надежды и пытается реализовать себя изо всех сил. В конце его ждет незавидная участь, но не обходится без положительных последствий.

Третья и четвертая история. Главный герой или героиня, казалось, хватает удачу за хвост, но в итоге всё складывается настолько плохо, насколько он или она и представить не могли. Но, находя поддержку в лице нескольких человек, выходит из неприятных обстоятельств.

И последнее, самое важное. Как самостоятельное произведение ни одна из историй не работает. Мораль этого сборника нам говорится напрямую: все истории будут повторяться вновь и вновь, и люди обречены совершать одни и те же ошибки. Вдобавок нам поясняют, что души после смерти не уходят, а возвращаются вновь и вновь. Но тут хотите верьте, хотите нет. Что фильм, что книга на этом не настаивают.

Как кинопроизведение, «Облачный атлас» одно из немногих, что взяло всё лучшее из первоисточника и мало того что не испортило материал, но и всячески старалось улучшить, что в большинстве случаев ему даже удалось.

Если искать минусы, то один всё же себя выдаёт – грим. Порой он просто великолепен, но иногда без него было бы лучше. Киту Дэвиду, сыгравшему предводителя группы сопротивления против Единодушия, не повезло больше всех – его лицо пугает неестественным видом. Забавно, что загримированных под мужчин женщин узнать крайне сложно, в то время как загримированных под женщин мужчин найти не составляет никакого труда.

Самым главным достоинством фильма являются его актёры. Каждый из них, кто играл главного героя, имеет ещё минимум четыре появления. Джим Стёрджесс, сыгравший Адама Юинга, также появляется в роли Хеджу Ченга, неоднократно спасавшего жизнь главной героини пятой истории. В свою очередь Пэ Ду На, сыгравшая Сонми-451, также появляется в роли Тильды, жены Юинга.

Бен Уишоу, появившийся в образе Роберта Фробишера, также исполнил роль продавца грампластинок, продавшего Луизе Рей секстет «Облачный атлас».

Холли Берри, сыгравшая Луизу Рей, также появилась в шестой истории как Мероним – девушка с футуристического корабля. А её появление в пятой истории узнать без подсказки, наверное, невозможно.

Единственный актер, все появления которого мне удалось разгадать – Том Хэнкс. Он был эксцентричным врачом в первой истории, работником отеля во второй, влюбившимся в главную героиню ученым в третьей, писателя-убийцу в четвертой и исполнителя роли Тимоти Кавендиша в пятой. А в шестой истории ему достался главный герой, где у него также были чувства к персонажу Холли Берри.

Также шесть не особенно больших появлений у Хью Гранта и Хьюго Уивинга, причем у обоих преобладают отрицательные персонажи.

Бюджет «Облачного атласа» составляет 102 миллиона долларов, что делает его одним из самым дорогих в мире независимых фильмом. То, как три режиссера взялись за такой полномасштабный проект, оставив его при этом скорее философской притчей, как это было с книгой, не может не поражать. Целью их, как и у всех других хороших фильмов, было показать историю как можно большему количеству людей – едва ли они надеялись на окупаемость в прокате. При этом фильм собрал 130, что вполне приличная сумма для независимого проекта, гарантирующая отсутствие огромных долгов. Как, например, это было у Френсиса Форда Копполы с «От всего сердца», из-за чего он очень долго испытывал проблемы с тем, чтобы снимать то, что он хочет. И на том спасибо.

10 из 10

#11 – Книга мастеров (2009)

Опубликовано 25 мая 2016 года

Русский фильм от Disney. Звучит как хорошая идея? Видимо, моя мама решила, что да, раз захотела пойти в кино на «Книгу Мастеров». В то время я ещё только начинал осознавать себя как киномана, и русским кинематографом пуган не был. Потому, наверное, и не видел проблем с тем, что б сходить с родителями в кинотеатр. А вот мой старший брат отказался. Скорее всего, потому что в то время он вообще не хотел куда-либо ходить с предками – переходный возраст, все дела. Но вполне могли быть и другие причины. Хотя бы то, что это русский фильм якобы от Disney.

А я сходил, и мне фильм тогда… понравился. Попридержите тухлые помидоры, сейчас всё объясню. Хоть я и сам могу только предполагать причины подобного аномального поведения семилетней давности. Пожалуй, больше всего мне понравился актер в главной роли. Нет, играет так себе, но не могу не признать, что он очень симпатичный. Словно вылез из аниме, по которому юные художницы уже успели создать множество яой-картинок. Ещё в фильме иногда красивая картинка. Леса, там, полянки, приятно глядеть. Учтите, что это я сейчас все плюсы фильма перечислил. Остальное в нём либо на нормальном, удовлетворительном уровне, или, что чаще, на плохом.

И нет, я не думал все эти годы, что он хороший. Примерно тогда же я открыл целый новый мир, который до сих пор пожирает моё время – YouTube. Первым русским видеоблогером, которого я там встретил, был Руслан Усачев. У него была всего одна передача – «Вредное Кино», и она выходила каждую неделю, а не раз в год. Первый выпуск был именно что о «Книге Мастеров». Посмотрев, я по большей части согласился, думая как-то вроде: «Раз он говорит, что кино плохое, то ок, я же не мазохист, чтоб проверять и пересматривать». Не то чтобы я сейчас не рекомендовал смотреть этот ролик. Но при просмотре стоит помнить, что у автора тогда не было никакого опыта создания видео, отчего и качество соответствующее.

Если вы сколь-нибудь изучали, как работает кино, то наверняка слышали, что для лучшего восприятия зрителем монтаж между сценами должен быть переходным. Например, иметь общую деталь или работать на контрасте. Как вы догадались, создатели «Книги Мастеров» этот совет яро игнорируют, ведь у них есть книга (да, как в «Белоснежке…» и прочих, Disney же) с кучей уродливых двухмерных изображений, трансформирующихся в кадры. Поначалу этой книгой для перехода от сцены к сцене яро злоупотребляют. Потом о ней забывают. Ближе к концу – вспоминают и снова используют.

А знаете, какой у фильма последний кадр? Именно, переход с нормального снятого с живыми актерами изображения в жуткое подобие ротоскопии. Чтобы у вас под конец остались максимально негативное впечатление от фильма, надо полагать. Хотя потом ещё появляется бабка, работавшая закадровым рассказчиком, но это даже не считается.

Что еще меня в фильме выбесило – звукорежиссура. Вроде делали фильм по русским сказкам, но при этом тут неприлично много звуков из западных мультфильмов прошлого века. Зачем это надо непонятно. Тем более, что советская анимация таким никогда не страдала и потому подобное чувствуется исключительно инородно. Тут даже один раз используется эффект мгновенного ухода. Удивительно, что они там не сделали так, что бы сначала убежало тело, и только потом голова. Это же так в духе Тэкса Эвери! И, судя по всему, создатели вдохновлялись именно им, а не родными сказками и их экранизациями. До кучи всего здесь есть звук включения светового меча, даже клинок на экране голубым подсветили, чтоб до всех дошла эта бестолковая отсылка к Звездным войнам.

Что ещё говорит о том, что кинематографистам не было никакого дела до русского наследия – это абсолютно новый сюжет с Каменной княжной и прочей отсебятиной. Ничего интересного собой он не представляет, а логика там хромает на все конечности. Хотя во второй половине фильм вдруг вспоминает, что надо отработать звание экранизации русских сказок чем-то кроме присутствия бабы-яги в сюжете, даже вставляет мета-юмор. Но он выглядит так неуместно и сами шутки настолько слабы, что становится неловко за происходящее на экране (в смысле больше, чем обычно). Если что-то тут и не расстраивает окончательно, так это гопник-Кощей в исполнении Гоши Куценко. Но и его от силы пару минут показывают.

Картина семейная, но шутят про бухло. Сказочная – но с бесконечными топорными отсылками к современности. Про приключения – но преимущественно о проблемах женитьбы и социальном неравенстве. Всё не так, всё не так… Ничего лучше, чем бездна забвения, «Книга Мастеров» не заслуживает. Нетрудно догадаться, почему только сейчас в Disney решились на новый фильм, теперь – про богатыря. Будем надеяться на лучшее, так как горького опыта не занимать.

3 из 10

P.S. Оказалось, что этот новый фильм – «Последний Богатырь», ставший одним из самых кассовых картин в истории российского проката и просто куда более смотрибельным, чем предшественник. Ура, наверное.

#12 – Час пик (1998)

Опубликовано 1 июня 2016 года

Одним из самых первых боевиков, что я видел в жизни, был «Час пик». Его часто показывали по телевизору, и потому мы с братом неоднократно натыкались на него в эфире. Именно благодаря ему я узнал о том, кто такой Джеки Чан и чем он крут. Не хотелось бы разбрасываться громкими словами, но скажу – отчасти «Час пик» сформировал некоторые мои вкусы в кино. Во времена первого знакомства с лентой я видел не так уж много фильмов в своей жизни. Вполне возможно, это было моё первое кино, по идее не предназначавшееся для детского просмотра.

Какие же именно вкусы он у меня сформировал? Да гляньте хоть на начальные титры – они прекрасны. Этот полумрак, эффектная музыка Лало Шифрина, яхта на пристани, в которой герой Чана инспектор Ли решительно проворачивает свою операцию… Такие элементы создают отличный настрой на восприятие всей картины и малопонятные мне тогда всплывающие латинские буквы никак не мешали. Теперь, когда современные блокбастеры активно отказываются от подобных вступлений, эта сцена воспринимается ещё лучше.

Я вообще люблю начальные титры, если только в них не перечисляют полностью всех создателей, как в старом кино. Это отличный способ погрузить в атмосферу, подготовить к тому, что только предстоит увидеть. Настроить на нужный лад, заодно познакомив с ключевым составом создателей. Поэтому, если приводить примеры из недавних картин, я жутко радовался, наблюдая за разгуливающим в начале Крисом Праттом в «Стражах Галактики». И плевался, когда увидел, во что превратили эту славную традицию в «Дэдпуле». А вот в «Часе пике» всё как надо. Его вступление стало неким эталоном, с которым я подсознательно сравниваю прочие начала других фильмов.

В конце сегмента Ли приходится сразиться с одним из главных плохих парней ленты – блондином-азиатом Соном. Я был поражен, когда узнал, что его играет Кен Люн, которого я запомнил по роли в «Остаться в живых» из четвертого сезона и далее. Но вообще ему удалось много где появляться, совсем недавно вот засветился в «Звёздных войнах: Пробуждение Силы». Долгое время я думал, что Сона играл кто-то ещё. Рад узнать, что одного из моих самых любимых приспешников злодея в истории кино сыграл именно он. Всё-таки Люн здесь чертовки хорош и эффектен. Я бы даже сказал, что он любимый герой в фильме.

Не беспокойтесь, я помню, что тут ещё есть Крис Такер. Мне он вполне нравится, даже со своей неостановимой болтовнёй и кривляньями. Пусть в детстве я не понимал часть его шуток, в том числе про травку. Его герой отлично срабатывает сначала как антипод Ли, а по мере развития событий ты веришь в дружбу этих двоих. Не в последнюю очередь благодаря слегка неловкому, но тем и очаровывающему их взаимодействию.

Я всегда был плох в понимании детективных историй. Никогда особо не получалось разгадать загадку до того, как нам её объяснят на пальцах. Речь, конечно, про хорошие истории, но мне даже в фильмах и сериалах про Скуби-Ду не получается заранее разгадать, кто человек в костюме. Настолько я профан. Так что и в этом «Час пик» порадовал – создатели даже не запариваются сделать вокруг главного злодея загадку, но при этом и не выпячивают его. Акцент тут не на самом разгадывании злодейский план, а на том, как двое главных героев вопреки ФБР, друг другу и прочим обстоятельствам доходят до истины. Сам план вполне логичный и понятный, в него несложно поверить. К тому же он не перегружен ничем лишним.

Говорят, в гонконгских фильмах у Джеки Чана трюков больше и они интереснее, но мне их хватило и здесь. Будь то драка с прикрепленным наручниками рулём или падение с огромной высоты на растяжку – любая сцена выглядит если и не эффектно, то как минимум интересно.

Фильм легкий и динамичный, ни на что не претендующий и всего с парочкой провисающих сцен. «Час пик» важен для меня с исторической точки зрения как картина, повлиявшая на вкусы. Но подобное не значит, что из-за этого я завышаю ему оценку. Он ведь и сам прекрасно справляется со своей ролью незатейливого комедийного боевика, который вполне неплохо смотрится и сейчас. Удивительно, что это всего лишь вторая полнометражная работа Бретта Рэтнера.

8 из 10