История мировой культуры Капица Федор

В

ВАВИЛОН – греческое название семитского города Бабилу (буквально – «ворота бога»), древний город в Двуречье, на берегу реки Евфрат (близ современного иракского города Хилла), с XIX в. до н. э. столица Вавилонии. Несколько раз был разрушен.

Раскопками немецкого археолога Р. Кольдевея в 1898–1917 гг. был восстановлен план Вавилона. Архитектурный ансамбль города был создан в период наивысшего расцвета – при царе Навуходоносоре II (604–562 гг. до н. э. Вавилон представлял в плане вытянутый прямоугольник (длина около 10 км), разделенный Евфратом на 2 части (Старый и Новый город), окруженный кирпичными внешними и внутренними стенами с зубчатыми башнями и 8 воротами, названными именами богов. Главные – Ворота Иштар (двойные, облицованные глазурованным кирпичом с рельефными фигурами быков и драконов), через которые вела дорога процессий.

Главнейшие сооружения: храм богини Нинмах, центральный храмовый комплекс бога Мардука, семиярусный зиккурат бога Этеменанки («Вавилонская башня»; архитектор Арадаххешу, середина 7 века до н. э., разрушен Александром Македонским), царский дворец, одну из частей которого – расположенные уступами на сводах сады с искусственным орошением – можно идентифицировать с описанными Геродотом «висячими садами Семирамиды»; вне города расположен летний дворец Навуходоносора II. В 331 году до н. э. Вавилон был завоеван Александром Македонским, затем захвачен войсками полководца Александра Селевка и вошел в состав царства Селевкидов. В конце II века до н. э. Вавилон попал под власть парфянского царя, и с этого времени начался постепенный упадок города. Обнаруженные в Вавилоне находки в настоящее время находятся в Музее Передней Азии в Берлине.

Культуру Вавилона принято разделять на два периода – старый и новый. От старовавилонского периода (первая половина II тысячелетия до н. э.) сохранились памятники официального канонического искусства: рельефы, статуэтки домашних богов и гениев-хранителей, терракотовые рельефы с жанровыми изображениями («Мальчик на буйволе», «Танцовщица»).

Нововавилонский период (конец VII–VI век до н. э.) представлен градостроительными комплексами, храмовыми ансамблями, зиккуратами. Постройки отличаются соразмерностью пропорций, тщательностью оформления стен. Это разного рода уступы и пилястры, выполненные из глазурованной плитки. На стенах встречаются рельефные изображения животных из глазурованного кирпича. Обнаружены и более мелкие памятники искусства – произведения глиптики (резные камни, печати).

ВАЗОПИСЬ

Так называется декоративная роспись сосудов, орнаментальная или изобразительная, выполняемая по-разному, но почти исключительно керамическим способом, т. е. специальными красками, с последующим обжигом. Различают вазопись по глазури и подглазурную. При первом способе художник расписывает уже готовое изделие, а при втором узор наносится на предварительно обожженное изделие. После окончания работы художника изделие покрывают слоем прозрачной глазури и вновь обжигают при высокой температуре.

Многочисленные и блестящие образцы вазописи оставило древнегреческое искусство. Вазы – сосуды из обожженной глины – играли огромную роль в различных сторонах жизни древних греков. Первые такие сосуды были изготовлены еще в IX веке до н. э. Уже тогда они использовались в самых различных целях: и как бытовая посуда, и как украшение дома, и в различных ритуальных обрядах. Поэтому их форма и размеры сильно отличались. Греки делали и огромные стамносы, предназначенные для смешивания вина с водой, и небольшие алабастры для хранения благовоний. Из хозяйственных сосудов наиболее распространенными и разнообразными по форме были амфоры. В них хранили самые разные продукты: вино, масло, воду, зерно.

Практически все греческие вазы украшены орнаментом или росписью. На ранние вазы нанесены рельефы или геометрические рисунки, покрывавшие всю поверхность. С конца VII века н. э. появляется чернофигурная роспись. При этой технике вазы вначале покрывали красным фоном, на который наносили изображение специальной черной краской. Иногда тонкие линии даже слегка процарапывали. После обжига обе краски сливались, и поверхность вазы становилась ровной и блестящей.

Позже подобная техника была усовершенствована: на красную поверхность вначале накладывался черный лак, который при нанесении рисунка соскребали. После обжига получались так называемые краснофигурные вазы, поскольку изображение имело естественный цвет обожженной глины. Этот способ стал применяться с 530 г. до н. э.

Самой распространенной и красивой является так называемая белофонная роспись. Изготовление такой вазы включало три стадии обжига, после которых сосуды украшала тончайшая черная роспись на белом фоне. В этой технике чаще всего изготовляли ритуальные сосуды – например, высокие и узкие лутрофоры, а также кратеры. Они использовались для совершения торжественных возлияний во время погребального и свадебного обрядов.

Изготовление ваз было одним из самых уважаемых видов ремесла. Поэтому мастера нередко подписывали свои изделия. Одним из известнейших был мастер Пана, работавший во второй половине V века в Афинах.

Вазы являются важнейшим источником для изучения повседневной жизни древних греков. На росписях можно увидеть, как сражались древние греки, как они веселились, запрягали коней, переносили грузы, принимали пищу.

С III–II веков до н. э. греческая вазопись постепенно пришла в упадок и уступила место покрытым лаком сосудам с рельефным декором или накладным орнаментом. Только после начала производства фарфора в Европе вновь начала развиваться вазопись.

ВАЛЬС – один из популярнейших бальных танцев XIX–XX вв. Название происходит от немецкого слова walzen – раскатывать (ср. франц. valse).

Вальс возник на основе народных танцев Австрии, Чехии, Германии в конце XVIII века и уже в XIX веке из крестьянского танца превратился в городской, завоевав всю Европу. Одним из ближайших его предшественников был австрийский танец лендлер, отличавшийся разнообразными плясовыми фигурами и подвижной мелодикой. Переход от лендлера к вальсу выразился в упрощении танцевальных движений, которые свелись к непрерывному кружению, а мелодика танца превратилась в более плавную кантилену. Вальс танцуют плавно кружащиеся пары; темп его бывает различным – от медленного до очень быстрого.

Среди бальных танцев вальс выделяется лирической настроенностью и романтической полетностью. Он остается символом высокой романтической любви. Вместе с тем вальс обладает огромными возможностями воплощения различных образов и состояний.

Крупнейшие композиторы создавали вальсы как самостоятельные пьесы (Вебер, Шуберт, Штраус, Шопен, Брамс, Глазунов, Прокофьев) или отдельные номера в опере («Фауст» Гуно, «Евгений Онегин» Чайковского) и балете («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» Чайковского, «Золушка» Прокофьева). В ритме вальса написаны некоторые оперные арии (песенка Герцога в опере Верди «Риголетто»), романсы («Средь шумного бала» Чайковского), части циклических произведений (III часть Пятой симфонии Чайковского). Вальсами являются многие популярные песни: «Лунный вальс», «Школьный вальс» Дунаевского.

ВАРИАНТ

Понятие варианта чаще всего применяют по отношению к фольклорным произведениям. Ведь сказки, песни, былины одновременно существуют во многих вариантах. Иногда они сильно различаются между собой, но все совершенно равноправны: ведь творцом их является народ.

Иногда автор какого-либо художественного произведения по тем или иным причинам повторяет его, внося при этом какие-либо изменения. Тогда и принято говорить о вариантах одного и того же произведения. Например, М. В. Нестеров в 1907 году создал известный портрет Л. Н. Толстого, а несколько позже, в 1918 году, вновь вернулся к нему и на основе эскизов сделал еще один вариант того же портрета.

Варианты могут появиться и при инструментовке (переложении для оркестра) какого-либо музыкального сочинения. Например, известны два варианта инструментовки оперы М. Мусоргского «Хованщина» – первый был создан Н. А. Римским-Корсаковым, а второй – Д. Д. Шостаковичем.

ВАРИАЦИИ (лат. variatio – изменение)

Так называют произведение, представляющее собой изложение завершенной по форме темы и последующий ряд ее повторений, каждый раз в полном объеме, но в несколько измененном виде. Обычно так поступают с произведением, которое очень популярно и может быть исполнено не только в концертных условиях, но и в небольших семейных коллективах. Клавесинисты XVII–XVIII веков, например, любили так называемые «орнаментальные» мелодии, в которых основная тема видоизменялась, украшаясь различными фигурами.

Причиной повторного обращения может быть и восприятие той или иной музыки через некоторое время, своеобразное обновление ее в новых условиях. Ведь в каждой вариации тема предстает в новом освещении, раскрываются ее новые стороны, что позволяет дополнить те основные настроения, которые заложены в теме, и создать их широкий диапазон – от грустных до оптимистическо-мажорных (вариации Гайдна, Моцарта, Бетховена).

При варьировании музыкальная тема обогащается какими-то новыми приемами исполнения или звучания. Вариации также связаны с раскрытием каких-то новых граней в образе или конструированием новых образных рядов.

Полагают, что своим происхождением вариации обязаны исполнительской манере народных певцов, которые каждый раз исполняют свои напевы как-то по-новому. В XVII–XVIII веках тема вариаций уже могла представлять собой вполне законченное построение. Такие вариации иногда возникали в процессе импровизации и в концертах композиторов-виртуозов. Позже установился и другой тип вариации, когда наблюдалось стремление наполнить пьесу единым, непрерывно развивающимся содержанием. В итоге характер темы и ее объем стали меняться практически при каждом новом исполнении. Так появились вариации с темами большого объема и более сложного настроения (П. И. Чайковский «Вариации на темы рококо»).

В музыкальной литературе вариации появились в XV в. и получили развитие в XVI–XVIII вв., особенно в сочинениях для клавесина и органа (Ф. Куперен, И. С. Бах, Г. Ф. Гендель). До настоящего времени вариации – одна из самых распространенных форм. Она встречается в виде отдельных произведений и как часть циклических форм – сюит, сонатных циклов. Вариации пишутся на собственные темы (I часть Сонаты ля мажор для фортепиано В. А. Моцарта), на темы народных песен (6 старинных русских песен с вариациями для скрипки и альта И. Е. Хандошкина), на темы других композиторов (Вариации для фортепиано Л. Бетховена на тему из оперы «Мельничиха» Дж. Паизиелло). В форме вариаций написаны некоторые оперные арии: песня Марфы «Исходила младешенька» в опере «Хованщина» М. П. Мусоргского, баллада Финна в опере «Руслан и Людмила» М. И. Глинки и др. Особой популярностью (на уровне импровизации) пользуются вариации у джазовых композиторов. К этой форме обращаются многие композиторы XX века – Дж. Гершвин, Б. Бриттен, Э. Денисов – и музыканты.

ВЕЛИКАЯ КИТАЙСКАЯ СТЕНА – крепостная стена в Северном Китае. Грандиозный памятник крепостного зодчества Древнего Китая. Сооружалась начиная с рубежа III–IV вв. до н. э., когда в Китае возникло первое рабовладельческое государство – Циньская империя. Его правители объединили под своей властью всю страну. Властитель царства Цинь известен в истории под именем Цинь Ши хуанди. Он стал первым императором новой империи. Именно при нем началось строительство грандиозного ряда укреплений, простиравшихся вдоль северных границ империи. Они должны были защитить Китай от воинственных племен гуннов, которые совершали разбойничьи набеги на китайские поселения, угоняли людей и скот.

Стена проходит с востока на запад от города Шаньхай-гуань (на побережье Ляодунского залива) до пункта Цзяюй-гуань (провинция Ганьсу). При окончании строительства длина стены превышала 5000 километров. Высота равнялась восьми-десяти метрам, а ширина составляла более пяти метров. Четыре всадника могли ехать по ней в ряд, не мешая друг другу.

Над стеной возвышались зубцы и мощные сторожевые башни с бойницами, под которыми находились специальные помещения для караула. Башни строились на расстоянии 200 метров друг от друга. Во время нападений воины посылали гонцов и передавали предупреждающие сигналы дымом (в дневное время) или огнем (ночью).

Основной материал, использованный для строительства стены, – лесс – мягкая горная порода. Наружная поверхность была облицована толстым слоем кирпича и камней, скрепленных известью. Построенная таким способом стена оказалась настолько прочной, что большая часть укреплений сохранилась до наших дней.

Очевидно, что подобное строительство потребовало усилий огромного количества людей. Сохранившиеся документы показывают, что общее число строителей превышало 2 миллиона человек. Это были бывшие воины, пленные, превращенные в рабов, а также крестьяне-земледельцы, мобилизованные на строительство императорским указом. Многие из них погибли от непосильного труда и были похоронены близ возводимой ими стены.

Построенная их трудом стена служила оборонительным рубежом в течение многих столетий и даже в XV–XVI веках еще не утратила своего военного значения.

В наше время Великая стена стала культурным памятником и постепенно восстанавливается.

ВАТИКАН

Официальное название – Stato della Citta del Vaticano.

Уникальность этого города-государства, резиденции главы католической церкви, заключается не только в его местоположении внутри города (в западной части Рима, на холме Монте-Ватикано). Он представляет собой сложный комплекс культовых, дворцовых и крепостных сооружений, внутренних дворцов и парков.

Строительство Ватикана началось в IV–V веках. Практически каждый папа внес свой вклад в его возведение, приобретение произведений искусства, книг, рукописей. Для украшения внутреннего убранства дворцов приглашались лучшие художники, скульпторы, архитекторы. Поэтому, хотя каждое здание в Ватикане уникально, все вместе они представляют гигантский музей.

Входом в Ватикан служит овальная площадь святого Петра (1657–63, архитектор Л. Бернини). Торжественные колоннады ведут к собору святого Петра (1506–1614, архитекторы Браманте, Микеланджело, Дж. делла Порта, Виньола, К. Мадерна и др.). В интерьере собора находятся известнейшие памятники мирового искусства: «Оплакивание Христа» (около 1497–1498, Микеланджело), бронзовый балдахин (1624–1633), кафедра (1647–1666) и надгробия работы Бернини, «Врата смерти» (1947–1964, скульптор Дж. Манцу).

К северной части собора примыкает обширный дворцовый комплекс (основное строительство шло в XV–XVI веках): капелла Николая V (1440-е гг., фрески Фра Анджелико), апартаменты Борджиа (фрески Пинтуриккио, 1493–1494), Сикстинская капелла (фрески Микеланджело, Перуджино, Боттичелли, Гирландайо), капелла Паолина (1540, архитектор А. да Сангалло Старший, фрески Микеланджело, 1542–1550); Лоджии и Станцы (залы), расписанные Рафаэлем и его учениками; величественные дворы – Бельведер и Сан-Дамазо (между 1503–1545, проект Браманте); парадный вход во дворец – Королевская лестница (Скала Реджиа; 1663–1666, архитектор Бернини). Во дворцах расположена Ватиканская библиотека (собрания книг и рукописей), музеи античной скульптуры (Пио-Клементино, Кьярамонти и Новый корпус), Григорианский, египетский и этрусский музеи.

В садах Ватикана находится Казино Пия IV (1558, архитектор П. Лигорио), здание Ватиканской пинакотеки. Собственностью Ватикана являются раннехристианские базилики Сан-Джованни ин Латерано, Санта-Мария Маджоре и Сан-Паоло фуори ле Мура (все – IV в.), Латеранский дворец (XVI века) и другие здания в Риме.

Архитектурный ансамбль Ватикана не представляет собой однородного целого. Это собрание дворцов, зал, галерей, капелл, по стилю и времени постройки принадлежащих к разным эпохам и представляющих замечательное собрание сокровищ архитектуры, живописи и скульптуры.

ВЕНЕЦИАНОВСКАЯ ШКОЛА – группа русских художников второй четверти XIX века, учившихся у А. Г. Венецианова (1780–1847) в Петербурге, а затем (после 1819 г.) в деревне Сафонково Тверской губернии, где поселился художник.

Наиболее известны Н. С. Крылов, А. В. Тыранов, Е. Ф. Крендовский, С. К. Зарянко, Г. Ф. Сорока. Основные жанры, в которых работали художники, – бытовая картина, пейзаж и натюрморт. Их произведения (например, «Рыбаки» Г. Сороки) отмечены непосредственностью видения, поэтичностью восприятия. С середины 1830-х годов в творчестве некоторых учеников А. Г. Венецианова (Тыранова, Зарянко) начинает ощущаться влияние академизма. Это проявляется во внешней эффектности, натуралистической яркости изображаемого. Однако в целом творчество учеников А. Г. Венецианова представляет собой интересный этап в развитии русского реалистического искусства в плане поисков проблематики и новых цветовых решений.

ВЕНЕЦИАНСКОЕ СТЕКЛО

До XIII века Европа практически не знала стекла. Одно из первых стекольных производств было организовано в Венеции (в основном на острове Мурано). С конца XIII века там началось изготовление выдувных сосудов, украшенных налепными деталями. В Венеции был освоен опыт художественного стеклоделия Сирии и Византии. Производство было многопрофильным: изготавливались быстро вошедшие в моду зеркала и женские украшения (стеклянные бусы).

По венецианскому стеклу легко проследить историю развития стеклодувного искусства в Европе. Чаши и кубки XV века изготовлены из цветного стекла с росписью эмалями и имеют формы, идущие от готики. Венецианские мастера освоили производство изделий, сочетавших различные приемы – гранение, цветовые переходы, разнообразие форм.

С середины XVI века венецианские мастера выпускают стройные, изящные по формам бокалы и вазы, цветные и бесцветные, с филигранью (металлическими нитями, введенными в массу стекла) или с кракелажем (узором из трещинок). В XVII веке они предлагают изделия из бесцветного, агатового, коричневого с металлическими блёстками, мозаичного стекла; творения их становятся вычурными, а декор – пестрым.

С середины XIX века мастерские и заводы, расположенные на острове Мурано, выпускают изделия по образцам XVI–XVII веков, а с 1950-х годов – литые сосуды новых (в основном в виде простых, функционально обоснованных форм).

ВЕНСКИЕ КЛАССИКИ

Венскими классиками принято называть Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена. Главные периоды их творчества связаны с Веной и приходятся на одну эпоху, а именно: вторую половину XVIII – первую четверть XIX века.

Расцвет музыкального искусства в это время не случаен. К середине XVIII века усовершенствовались музыкальные инструменты и соответственно расширились возможности оркестра за счет введения новых инструментов, определились основные музыкальные формы. Одна из популярных у всех трех композиторов – форма сонатного аллегро, одинаково пригодная для беззаботной пасторали и страстного романтического взрыва чувств, нежной лирики и отважной героики. Но каждый из этих великих мастеров имел свою излюбленную сферу: Гайдн – жанрово-танцевальную, комическую, Моцарт – лирико-драматическую, Бетховен – героическую.

Все композиторы писали преимущественно инструментальную музыку, но отдали дань и оперному искусству. Больше всех опер (24) написал И. Гайдн, но они не вошли в общеевропейский репертуар. Моцарт создал 17 опер, но лишь «Дон Жуан», «Волшебная флейта», «Свадьба Фигаро» и «Похищение из сераля» остались в репертуаре современных театров. Бетховен написал лишь одну оперу – «Фиделио», но она является шедевром оперного искусства.

Несмотря на то что в музыке этих композиторов много общего, они совершенно различны по стилю. Можно сказать, что каждый из них остался неповторимой индивидуальностью внутри общей эпохи и даже места, где протекало их творчество.

ВЕРИЗМ (ит. vero – правдивый)

Веризмом называют реалистическое направление в итальянской литературе, музыке, искусстве последней трети XIX – начала XX века, основная ориентация которого – следовать беспристрастному изображению жизни, социальных конфликтов, обусловленных развитием капитализма. Оно во многом возникло под влиянием теории натурализма французского писателя Э. Золя. Среди живописцев можно назвать Ф. Микетти, Дж. Пеллицца да Вольпедо («Четвертое сословие», 1892–1900).

Наиболее полное выражение принципов веризма – в итальянской опере. Это произведения Р. Леонкавалло (1857–1919) «Паяцы» (1892), П. Масканьи (1863–1945) «Сельская честь» (1890), Дж. Пуччини (1858–1924) «Богема» (1895), «Тоска» (1900) и «Чио-Чио-сан» (1904). В этих операх убедительно изображаются жизненные ситуации, характеристики персонажей психологически убедительны и достоверны. Персонажи веристов – не вымышленные герои, а самые обыкновенные люди – крестьяне, бедные художники, артисты. Музыка опер отличается эмоциональностью, яркостью красок и четкостью акцентов. Воздействие веризма на европейскую культуру видно и во французской музыке, например в творчестве французского композитора Ж. Массне (1842–1912) – опера «Вертер» (1886).

ВЕРНИСАЖ (франц. vernissage – лакировка, покрытие лаком) – посещение выставки специально приглашенными лицами за день до открытия ее для публики. Происходит от некогда распространенного у французских художников обычая покрывать картины лаком накануне открытия выставки в Салоне.

В академических школах было распространено посещение выставки художниками до открытия залов для широкой публики. Выслушав их мнение, авторы могли внести последние исправления в свои работы. Отсюда и происходит второе значение данного понятия – доводить до совершенства уже сделанное. Как и следует ожидать, обычай иногда приводил к тому, что художники переписывали картины, чтобы превзойти достижения соседа. Так поступал, например, английский художник Дж. Тёрнер, который привозил наполовину законченные картины и дорисовывал их уже в стенах выставки.

Вернисаж также предполагает закрытый просмотр выставки, в котором участвуют лишь специально приглашенные лица (художники, критики, представители связанных с искусством учреждений и организаций, а также общественности и пр.) или же первый день открытия выставки для широких масс зрителей. Закрытый просмотр выставки обычно проводится в коммерческих художественных салонах с целью определения возможных картин для продажи.

ВИНЬЕТКА – небольшое композиционно завершенное изображение, которое помещают на внешних элементах книги или предназначенных для этого страницах (титульных, начальных, концевых). Виньетки бывают орнаментальными или сюжетными, связанными с содержанием книги или отдельной ее части. Иногда в качестве виньетки используют последние строки текста, которым придается какая-нибудь геометрическая форма – чаши, круга, квадрата.

Происхождение виньетки уходит корнями в рукописную книгу, где они выполнялись специальными художниками наравне с иллюстрациями. В наборных книгах одним из первых виньетку ввел итальянский издатель и типограф Альд Мануций-старший. В 1499 году он издал книгу «Война сна и любви» – стихи Франческо Колонны, в которой и поместил многочисленные виньетки, вырезанные на небольших деревянных досках.

ВИОЛОНЧЕЛЬ – струнный смычковый инструмент скрипичного семейства. По размерам значительно превосходит скрипку и альт, но несколько уступает контрабасу. Название этого инструмента возникло как уменьшительное от ит. violone – контрабас и означает «небольшой контрабас».

Предполагают, что виолончель появилась в XVI веке. Классические образцы виолончели созданы выдающимися итальянскими мастерами А. и Н. Амати, Дж. Гварнери, А. Страдивари.

Виолончель завоевала популярность благодаря широте диапазона и хорошо разработанной технике игры на струнных инструментах. Любопытно, что по диапазону виолончель совпадает с мужскими голосами от баса до тенора. Звук у виолончели сочный и необычайно выразительный. Мягкое, «грудное» звучание инструмента ассоциируется с певческим тембром низкого человеческого голоса.

На виолончели играют сидя, поставив ее перед собой на особой ножке с острием (шпиле). Принципы и приемы игры те же, что и на скрипке, однако вследствие больших размеров инструмента и иного положения играющего техника игры на виолончели несколько иная.

Виолончель считается как оркестровым, так и ансамблевым и сольным инструментом. Поэтому для нее существует огромный репертуар: концерты, сонаты, отдельные пьесы. Как аккомпанирующий инструмент виолончель используется для исполнения басовых партий.

Среди непревзойденных виолончелистов – П. Казальс, М. Ростропович, Д. Шафран, Н. Гутман.

ВИТРАЖ (лат. vitrum – стекло) – вставленный в оконный проем орнамент или картина, выполненная из цветных стекол.

Судя по фрагментам плоского цветного стекла, найденным в Бени-Хасане (АРЕ) и Риме, простейшие витражи существовали в Древнем Египте со II тысячелетия до н. э., а в Древнем Риме – с I в. н. э. В раннехристианских базиликах Рима (Сант-Сабина, около 430 г.) и Равенны (Сант-Аполлинаре ин Классе, 549 г.) для заполнения оконных рам служили алебастр и селенит, которые приглушали в интерьере яркий дневной свет и создавали своеобразный декоративный эффект благодаря игравшему в полумраке прихотливому узору естественных прожилок. Наибольшее распространение витражи получают в средние века, когда появляется готический свод с большими окнами.

Витражи считают произведением декоративного искусства изобразительного или орнаментального характера. Материалом для них служило особое цветное стекло – смальта. В X–XII веках в романских постройках Франции (собор Нотр-Дам в Шартре до перестройки в 1260; базилика аббатства Клюни, XI в.) и Германии (собор в Аугсбурге, I половина XII в.) появились сюжетные витражи. Изображение в них составлено из кусков красного и синего стекла, вырезанных по контуру и скрепленных свинцовыми полосками. Каждая из торжественно застывших фигур святых («Пророки» собора в Аугсбурге) располагалась в отдельном оконном проеме. Окрашенный свет создавал в интерьере атмосферу таинственности. Это впечатление стало особенно ощутимым в готических храмах с их огромной высотой, простором, колоссальными окнами.

Именно в период строительства готических соборов XIII–XV веков (см. Готика) витражи получают наибольшее распространение, становясь их своеобразным атрибутом, отличительным признаком. Техника изготовления витражей остается той же, что и в римскую эпоху: они состоят из сравнительно мелких и разнообразных по форме стекол, скрепленных свинцовыми обрамлениями. Сначала изображения наносились лишь непрозрачной коричневой краской (предназначенной для контуров и других линейных элементов) и просвечивающей серой.

Однако цветовая палитра витражных стекол постепенно обогащается, цветное стекло дополняется бесцветным, вставки которого создают эффект воображаемого пространственного фона. Отдельные детали иногда выполняются росписью. В это же время становятся более разнообразными и сюжеты: наряду с религиозными сценами появляются бытовые, в которых изображается труд ремесленников (собор Нотр-Дам в Шартре (после 1260), собор Парижской богоматери (XIII–XIV bb.).

В XIV–XV веках искусство витража получает развитие и в Англии (Вестминстерское аббатство в Лондоне, собор в Уэлсе и др.), где готические традиции удерживались вплоть до XVII века, а также в ряде других стран (Швейцарии, Италии, Польше).

Но постепенно в витражах все большую роль начинает играть роспись, они утрачивают специфическую для средневековых витражей плоскостность, формы дробятся, мельчают. В эпоху Возрождения эскизы и картоны для витражей выполняют выдающиеся художники (Л. Гиберти, Паоло Учелло, Донателло (в Италии), А. Дюрер (в Германии).

Витраж более позднего времени чаще всего представляет собой живопись на стекле. С XIV в. дополнительно применялась техника выскабливания по специально покрашенному разноцветному стеклу. В это же время появляются «кабинетные» витражи для украшения жилых интерьеров. Они обычно однотонные, со светскими сюжетами.

В эпоху барокко и классицизма витражи почти совсем исчезают из интерьера, вырождаясь в настенные картинки на стекле. Пробудившийся во 2-й половине XIX века интерес к готике вызвал попытки возродить искусство витражей, однако они свелись к декоративной стилизации, не имевшей большого художественного значения.

Стремление к подчеркнутой эмоциональной выразительности интерьера порождает витраж эпохи модерна («Рыцарь» М. Врубеля). Можно сказать, что развитие витражей шло по линии превращения их из элементов декора внутренних помещений соборов в часть интерьера. Они становятся органическим дополнением оформления жилых и общественных зданий. Так, в XX веке художники Ф. Леже, А. Матисс одними из первых включили свои витражи в единую систему декорировки интерьера, отводя им роль острых по ритму и насыщенных по цвету художественных акцентов.

С середины 1950-х гг. получили развитие витражи-перегородки, используемые для защиты от ветра перед входом в здание, а также витражи-панно с подсветкой, которые нередко становятся декоративной доминантой интерьера.

Современный витраж составляют из кусочков цветного и бесцветного стекла, обработанного пескоструйным аппаратом, травлением, гравировкой, что позволяет выявить богатые художественные возможности стекла, его материальность, способность быть не только прозрачным, но и сияющим, шероховатым, ноздреватым, искрящимся. Витражи приобретают перспективную глубину, пространственные планы.

Сегодня все чаще создают витраж из монолитных стекол с росписью, 3-слойные из органического стекла, а также из толстого колотого стекла и цветных зеркал, монтируемых на цементе или железобетоне.

ВОЗРОЖДЕНИЕ – эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода «возрождение» его влияния на культуру (отсюда происходит и название всего периода). Вместе с тем культура Возрождения – это переход от средневековья к новому времени. Поэтому в ней так тесно переплелось старое и новое.

Границы этого периода в разных странах различны. Так, в Италии Возрождением называют XIV–XVI века, а в других европейских странах – XV–XVI. Обычно принято выделять итальянское Предвозрождение (рубеж XIII–XIV веков), Раннее (XV век), Высокое (конец XV–I четв. XVI в.) и Позднее Возрождение (XVI век).

Периоды развития искусства в Италии и других странах Европы не совпадают по времени, но отличаются сходными особенностями. Одной из главных черт «северного Возрождения», как принято называть этот процесс в Германии, Нидерландах и Франции, является взаимодействие с местной готической культурой. Поэтому оно носило не столь яркий и воинствующий характер, как в Италии. В развитии культуры этих стран нет синхронности, как нет единства в эволюции разных видов искусства. Архитектура, скульптура и декоративно-прикладное искусство обычно отставали в своем развитии от живописи и миниатюры.

XV век был временем формирования национальных художественных школ, искусство которых также было обращено к окружающему миру. В Германии это было связано с Реформацией – антикатолическим движением, в котором принимали участие самые широкие слои общества. Поэтому для искусства немецкого Возрождения характерно широкое развитие графики – наиболее массового и доступного народу вида искусства (А. Дюрер, Г. Гольбейн-младший). Во Франции – развитие карандашного портрета (Клуэ). Общим является стремление изображать конкретных людей, современников, наблюдать за природой и воспевать ее красоту. Причем природа становится не только важным декоративным фоном («Джоконда» Леонардо да Винчи), но и создаются предпосылки выделения ее как самостоятельного целого (переход, например, к творчеству художников барбизонской школы).

Крупными центрами культуры в эпоху Возрождения были и страны Центральной и Юго-Восточной Европы – Хорватия, Венгрия, Польша, Чехия и Словакия. В XV – начале XVI века культура Возрождения переживала расцвет в богатых торговых городах Дубровницкой республики (Дубровник, Трогир, Шибеник), где было сильное влияние мастеров Флоренции и Венеции. Здесь развивается не только изобразительное, но и декоративно-прикладное искусство, а также градостроительство. В Венгрию стиль Возрождения проник несколько позже, в начале XVI века.

Особенности культуры Возрождения ярче всего проявились в архитектуре и изобразительном искусстве Италии. Аскетические идеалы и догматическая условность средневековья сменились стремлением к реалистическому познанию человека и мира, верой в творческие возможности и силу разума.

Раньше всего этот процесс начался в больших торговых городах, где люди хотели жить красиво. Одним из таких городов была Флоренция. Там начали строить удобные просторные дома, украшать их картинами, росписями и античными статуями. Античная ордерная система, творчески переосмысленная итальянскими архитекторами, внесла в облик зданий соразмерность, ясность композиции и удобство.

Героем античных мастеров являлся прекрасный человек, величие духа которого вызывало восхищение. И итальянские художники подхватили и развили это отношение. Их героем стал не средневековый аскет и не христианский мученик, а жизнелюбивый и мужественный человек, стремившийся не к райскому блаженству, а к земному счастью. И хотя художники продолжали создавать произведения на библейские и религиозные сюжеты, картины их теперь были скорее похожи на сцены из реальной жизни.

Знаменитый итальянский художник Рафаэль Санти (1483–1520) написал картину «Сикстинская мадонна». В образе пресвятой богородицы он изобразил совсем юную женщину с ребенком на руках. В ее глазах столько тревоги, она так бережно прижимает к груди сына, что традиционную для его предшественников библейскую сцену и образ богородицы мы воспринимаем как гимн, прославляющий прекрасное чувство материнской любви.

Другой крупнейший художник эпохи Возрождения – Микеланджело Буонаротти (1475–1564) в 1504 году создал статую Давида. Скульптор изобразил библейского персонажа как борца за свободу. Но его сильная, мужественная фигура лишь внешне напоминает греческих атлетов. В статуе Микеланджело есть то, что было недоступно античным художникам, – внутреннее напряжение. Давид не скрывает своих чувств, его лицо дышит гневом.

Мастера Возрождения умели передавать тончайшие нюансы переживаний своих героев. Не случайно, что многие художники пытались передать улыбку «Джоконды», модели Леонардо да Винчи. Отличающее мастеров Возрождения чувство гармонии и естественной простоты также стало образцом для мастеров более позднего времени.

ВОСКОВАЯ ЖИВОПИСЬ – вид живописной техники, при которой связующим веществом в красках служит воск. Благодаря малой химической активности и влагоустойчивости воска произведения, выполненные в этой технике, в течение многих веков сохраняют первоначальную свежесть колорита, плотность и фактуру красочного слоя.

Восковая живопись предварительно разогретыми красками применялась в Древнем Египте с XIV в. до н. э. для окраски фасадов храмов. Технология наиболее прочной восковой живописи – т. н. горячий способ (энкаустика, от греческого enkao – жгу, выжигаю) – была выработана в Древней Греции в V веке до н. э. По этой технике восковые краски наносились на участок основы сильно нагретой бронзовой лопаткой – энкаутером. Об этом способе детально сообщает Плиний Старший.

Энкаустика применялась главным образом в станковой живописи. В монументальных росписях она употреблялась лишь в тех случаях, когда из-за неблагоприятных внешних условий требовалась особая прочность красочного строя (стенописи в термах, наружные росписи). В фаюмских портретах (I в. до н. э. – IV в. н. э.) и византийских иконах (до XII в.) энкаустика постепенно вытеснялась восковыми красками на скипидаре (т. н. холодный способ) и восковой темперой (эмульсии с примесью летучих масел), менее прочными, но технологически менее сложными.

Ныне восковая живопись применяется главным образом при реставрации живописи, для заполнения утрат красочного строя и его укрепления. Правда, некоторые художники обращаются к этой редкой технике в поисках наибольшей выразительности. Так, в начале XX века В. И. Шухаев, пользуясь энкаустикой, создал несколько портретов.

ВЫСТАВКА ХУДОЖЕСТВЕННАЯ – временный (в отличие от музейной экспозиции) публичный показ художественных произведений.

История выставок восходит к публичному показу художественных произведений в Древней Греции (с VI в. н. э.). В Италии выставки проводятся с эпохи Возрождения (XV–XVI вв.), в Голландии и Франции – с XVII века. Во Франции первые выставки стала устраивать Королевская академия с 1653 г. С 1699 года они проводятся в Лувре. В XVIII в. художественные выставки стали проводиться и в других государствах.

С 1760 года они организовывались и в Петербурге. Во второй половине XIX века художественные выставки стали использоваться для выражения определенными группами художников своих взглядов – например, «Салон отверженных» (с 1863 года во Франции). В России с 1871 года ежегодно проводились выставки передвижников.

С конца XIX века проводится одна из крупнейших художественных выставок мира – Венецианское биеннале.

Выставки различаются по содержанию, времени и месту проведения, проблематике, количественному составу участников, отдельным видам искусств, жанрам и технике выставляемых произведений. Они разделяются на выставки современного искусства и ретроспективные, которые имеют большое научное значение. Так, проведенная в 1979–81 гг. выставка «Париж-Москва, Москва-Париж» позволила собрать огромный неизвестный ранее материал о художественной жизни первого тридцатилетия XX века.

Выставка может восприниматься на уровне манифеста той или иной художественной школы, группы или объединения. Такими событиями становились выставки импрессионистов, передвижников, в XX веке – выставки в России: в Манеже (1964) и «бульдозерная» выставка (1974).

ВЫШИВКА

Искусство украшения тканей цветным орнаментом широко применялось с древних времен задолго до появления ткачества. Образцы древнейших вышивок обнаружены в культурах древних цивилизаций Азии, Европы и Америки, что показывает независимое распространение этого вида прикладного искусства. Традиции узорной вышивки сохранялись и развивались на протяжении тысячелетий и дожили до нашего времени. В качестве материала использовались нити из различных волокон, а также куски кожи и окрашенной ткани.

Самые ранние из сохранившихся образцов вышивки – седельные покрышки V века до н. э. из Пазырыкских курганов в Монголии. К этому же времени относятся и древнейшие вышивки из Латинской Америки.

Древнерусская вышивка сохранилась начиная с XII века и отличается влиянием византийского искусства. Для европейской вышивки этого времени характерна плоскостность и подчеркнутая экспрессия контуров. Она также появилась под влиянием миниатюры и иконописи. Полихромная готическая вышивка возникла под влиянием ярких красок эмали и стрельчатых орнаментов. В средние века появляется еще одна разновидность вышивки – «белым по белому».

Расцвет европейской вышивки – венецианское кружево XV–XVI века. Оно выполнялось крючком из тончайших нитей. Картоны для вышивок выполняли ведущие мастера Возрождения – С. Боттичелли, Перуджино. С этого времени вышивка становится непременной деталью оформления парадных костюмов как мужчин, так и женщин.

Не менее широко распространена вышивка в народном костюме. Правда, там она отличается большей лаконичностью цветовой гаммы, ограниченной 1–2 цветами. Такая одежда становилась своеобразным опознавательным знаком жителей определенного района, отдельные предметы передавались по наследству, служили в качестве приданого. Орнаменты народных вышивок, как правило, имеют очень древнее происхождение, что и отразилось на интересе этнографов и историков к этому виду прикладного искусства. Только в начале XIX века, когда складываются основные народные промыслы европейской России, орнаменты вышивок становятся разнообразнее.

Технические приемы вышивки весьма разнообразны: существует вышивка гладью, петельным, стрельчатым, ажурным швом, крестом и т. п. Очень часто они комбинируются, дополняя друг друга. Не менее разнообразны ткани и нити: кроме традиционных шелковых, шерстяных и хлопчатобумажных нитей, в отдельных, особых случаях (например, для изготовления парадной одежды) могут использоваться золотые нитки, драгоценные камни, бисер, стеклярус.

Г

ГАЛАНТНЫЙ СТИЛЬ (франц. galant – учтивый, изысканный)

Очень часто в истории искусств появлялись школы, стили и направления как бы в противовес уже существовавшим. Так произошло и с новым стилем европейской музыки, получившим широкое распространение в начале и середине XVIII века. Его сторонники выступили прежде всего против строгой регламентированности классицизма и полагали, что музыка должна выражать деликатно-нежные, изысканные чувства, приятные эмоции. Подобные требования обусловили изменение проблематики музыкальных произведений. В них чаще затрагивались любовные сюжеты, а социальные темы проходили лишь намеками. Изменились и жанровые формы: возродилась античная пастораль, правда, уже не в виде пастушеской песни, а в форме буколической поэзии, где те же мотивы стали средством выражения изысканных и утонченных, а не реальных чувств. По аналогии с господствовавшим в то время направлением изобразительного искусства галантный стиль часто именуется стилем рококо.

Значение галантного стиля существенно, поскольку это был один из путей поиска средств для выражения психологии человека, перехода от классицизма к романтизму. Вот почему многие представители галантного стиля, отразив в своем творчестве существенные его признаки, были в действительности художниками широких взглядов и стихийно преодолели некоторую ограниченность и условность галантного стиля. В их числе – французские композиторы Ф. Куперен и Ж. Ф. Рамо, немцы Р. Кейзер и Г. Ф. Телеман, итальянцы Д. Скарлатти и Дж. Перголези.

ГАЛЕРЕЯ (итал. galleria, франц. galerie)

Так первоначально обозначалось длинное крытое светлое помещение, в котором одну из продольных стен заменяют колонны, столбы или балюстрада, длинный балкон. Подобный удлиненный зал со сплошным рядом больших окон в одной из продольных стен стал использоваться для хранения собраний произведений живописи, значительных по составу и количеству выставленных для обозрения памятников. Практически галерея стала синонимом музея, только функциональное назначение ее более широкое. Так, это прежде всего художественный музей, преимущественно собрание картин (национальные галереи). Кроме того, галереями назывались частные собрания. В России это прежде всего Третьяковская галерея, собрание известного мецената П. М. Третьякова (1832–1898). Подобные галереи являются не только собраниями, но и местом для организации хранения картин с целью их дальнейшей продажи. Особенно они распространены в Париже.

ГАЛЬВАНОПЛАСТИКА (от имени итальянского физика Гальвани в сочетании с греческим словом plastike – ваяние)

Для изготовления металлических копий с оригинальной гравированной доски требовалась особая техника. Первый способ заключался в воздействии электрического тока на водный раствор специальных солей. Второй заключался в нанесении способом электролиза тончайшего слоя стали, хрома, никеля на поверхность доски с гравированным изображением для предохранения ее от изнашивания при печатании.

ГАММА ЦВЕТОВАЯ

В художественном произведении все изобразительные элементы взаимосвязаны, и одним из таких средств является колорит, связь цветовых элементов, а его внешнее проявление – гамма, цветовое решение произведения. Как правило, этот термин сопровождается обычными для цвета определениями: так, гамму красочную (цветовую) называют теплой, горячей, холодной, яркой, блеклой, светлой и т. д. Существует определенная оптическая закономерность, согласно которой при создании произведения доминирует один цвет, а все остальные оттенки гармонически взаимосвязываются с ним.

ГАРМОНИЯ (греч. harmonia – стройность, соразмерность, связь) – одно из важнейших выразительных средств музыки, как и другие выразительные средства – мелодия, ритм, тембр и другие. Даже в бытовом употреблении мы встречаемся с этим понятием достаточно часто, когда говорим о согласованности, слаженности движений, например, спортсменов или актеров. В музыке этот прием основан на объединении звуков в созвучия и на взаимосвязи этих созвучий между собой в последовательном движении. Часто под гармонией подразумевают согласованное действие голоса и аккомпанирующего ему инструмента.

Однако понятие «гармония» гораздо шире: как средство выразительности она присутствует в многоголосной музыке любого склада. Даже если отдельные голоса не складываются в ясно очерченные аккордовые комплексы, законы гармонии непременно отражаются на движении и взаимосвязи голосов.

Истоки гармонии кроются в народной музыке. Именно пение без сопровождения требовало особой согласованности от поющих. Однако само понятие и его содержание менялись со временем. Поэтому часто говорят о различных гармонических стилях: классическая гармония, современная гармония, джазовая гармония.

Гармонией также называют учебную дисциплину, изучаемую в музыкальных училищах, консерваториях и рассматривающую законы построения, взаимосвязи аккордов, возможности переходов в другие тональности (модуляция). Учебники гармонии написаны П. И. Чайковским, Н. А. Римским-Корсаковым, А. С. Аренским; распространены также учебники Ю. Н. Тюлина и Н. Г. Привано, группы московских авторов (И. И. Дубовский, С. В. Евсеев, В. В. Соколов, И. В. Способин, В. О. Беркова и др.).

ГЕММА (лат. gemma – драгоценный камень, печать) – изображение, вырезанное на пластинке из драгоценного или полудрагоценного камня. Оно может быть как врезано внутрь (тогда оно называется инталией), так и быть выпуклым (это камея). Раньше геммы служили печатями, ставились на документах, письмах как удостоверение личности владельца. В дальнейшем использовались в основном для украшений как брошки, перстни.

Данное искусство возникло на рубеже IV–V вв. до н. э. в Древней Греции. Наряду с использованием одноцветных камней греческие мастера работали и с многоцветными материалами. Наиболее интересны произведения резчика по камню Дексамена. Именно он впервые использовал камни со слоистой структурой, благодаря чему смог получать изображение одного цвета, а фон – другого.

Геммы использовались в качестве элементов ювелирных украшений, например браслетов, серег и перстней, а также и печатей, которые были широко распространены в Древней Греции. Их популярность была обусловлена верой в магические свойства драгоценных камней. Греки хорошо знали камни, каждый наделялся своими способностями и отвечал характеру своего владельца. Чаще всего использовался халцедон, а с IV века и другие драгоценные камни – берилл, хризопраз. Римляне достигли наивысшего мастерства в изготовлении камей из горного хрусталя и агата.

Новым стимулом к развитию глиптики послужило изготовление христианских эмблем – голубя, рыбы, якоря, креста. С тех пор за геммами закрепилось их многофункциональное назначение – как для печатей, так и в качестве амулетов.

Собирание античных гемм является одним из древнейших видов коллекционирования. Оно началось еще в эпоху Возрождения и сразу же приобрело широкое распространение. Например, собрание гемм, принадлежавшее Лоренцо Медичи, насчитывало десятки тысяч экземпляров. Собирание гемм продолжалось и в последующие эпохи. Так, большими коллекциями резных камней обладали Жан-Жак Руссо и Иоганн Вольфганг Гёте. Примечательно, что коллекции Гёте даже использовались в качестве наглядных пособий по истории античного искусства.

В настоящее время собрания гемм имеются во всех крупнейших музеях мира. Одно из наиболее интересных находится в Государственном Эрмитаже. Вместе с коллекциями других музеев России оно образует уникальный комплекс памятников античного искусства.

ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ ОРНАМЕНТ (стиль)

Можно сказать, что с геометрическим стилем связана целая эпоха в истории развития искусства Древней Греции – период с XI по VIII век до н. э. По этому способу художественного украшения керамики, металлических изделий и статуэток узнавали изделия, изготовленные в это время. Наиболее ярко геометрический стиль проявился в вазописи, в мелкой пластике, а также в глиптике и декоративно-прикладном искусстве (посуде, оружии).

Геометрический орнамент представлял собою сочетание геометрических элементов, на вазах он располагался полосами и складывался из меандров, крестов, окружностей. Только на «дипилонских вазах» (названных по месту находки – Дипилонскому некрополю в Афинах) появляются геометризированные изображения человеческой фигуры. Именно в конце бытования геометрического стиля, в VIII веке до н. э., наряду с богатой орнаментацией появляются первые изображения животных и людей, а также бытовых сцен – похоронных процессий, картин битв, морских походов. Сюжетами становятся и мифы.

ГЕРАЛЬДИКА (средневек. лат. heraldus – глашатай) – в настоящее время это вспомогательная историческая наука, изучающая гербы. Разновидностью ее считается земельная геральдика.

Для понимания роли гербов в истории культуры следует заметить, что герб – исторически сложившийся символ, истоки которого связаны с тотемизмом. Уже в раннем средневековье в западноевропейской культуре складывается четкая система, по которой составляли различные гербы. Этим занимались специальные люди – герольды. Они разработали свод правил, составивших основы особой дисциплины – геральдики.

Особое значение гербы-символы получили во время крестовых походов XI–XII веков как индивидуальные определительные знаки. Позже такой герб удостоверял личность и происхождение рыцаря.

ГИМН (греч. hymnos – хвалебная песнь) – торжественная песнь. Роль гимнов в Древней Греции была достаточно велика: это было культовое пение или особая форма песни; известны эпические гимны Гомера, встречались гимны как составные части аттической драмы классического времени. Не все они сохранились до нашего времени, но назначение гимнов осталось. В средневековье они образовывали обширный, почти необозримый жанр религиозной лирики, только вместо славы богам теперь пели славу святым. В византийской церкви (как и в восточных национальных церквях) гимны считались отголоском небесного пения ангелов. Обычно гимны исполнялись без сопровождения.

В настоящее время гимны различаются в зависимости от их назначения: существуют гимны революционные, государственные, военные и другие. Государственные гимны начали появляться начиная с XVI века. Первой страной, учредившей государственный гимн, стала Голландия, освободившаяся от испанского владычества. Позже, в XVIII веке, гимны появились в Австро-Венгрии, Великобритании, Дании, Пруссии и других странах. Мелодиями гимнов обычно становились наиболее популярные песни маршевого характера. За основу гимна Австро-Венгрии была взята тема из струнного квартета Й. Гайдна.

Интересна судьба гимна в России. В начале XIX века им служил знаменитый полонез с хором О. Козловского на слова Г. Державина «Гром победы, раздавайся!» В 1833 году А. Львов написал новый русский национальный гимн «Боже, царя храни». До 1944 года Государственным гимном СССР был международный пролетарский гимн «Интернационал» (слова Э. Потье, музыка П. Дегейтера). 1 января 1944 года по радио впервые прозвучал новый гимн, музыка которого была написана А. Александровым, а слова – С. Михалковым и Г. Эль-Регистаном. В 1991 году был принят новый гимн России – «Патриотическая песня» М. И. Глинки в инструментовке Р. К. Щедрина.

Возвышенная торжественность гимна обусловила его широкую популярность и в настоящее время: гимном из Девятой симфонии Бетховена «Обнимитесь, миллионы!» сопровождаются телевизионные международные мосты, известны студенческие гимны (например, знаменитый «Гаудеамус»).

Музыка гимнового характера входит также в состав крупных произведений, обычно в виде торжественного заключения (финальный хор «Славься» из оперы «Иван Сусанин»).

ГИТАРА

Сохранившийся и сегодня интерес к гитаре как к сольному и особенно аккомпанирующему инструменту обусловлен рядом причин. Прежде всего отметим, что она прекрасно звучит и с голосом, и с органом, с хором и с духовыми инструментами, становясь органическим дополнением и к сюитам И. Баха, и к романсу, и к джазовой импровизации, и к рок-песням. На ней сравнительно легко научиться играть (по сравнению с другими струнными щипковыми инструментами), поэтому начинать музыкальную подготовку можно практически в любом возрасте. Многие известные композиторы – Л. Боккерини, Ф. Шуберт, К. М. Вебер, Н. Паганини – превосходно играя на гитаре, охотно сочиняли для нее.

Все эти свойства обусловили широкое распространение гитары в разных странах. Одними из первых (в XIII веке) ее освоили испанцы. Здесь получила распространение шестиструнная гитара. Стиль игры на ней и получил название испанского. Он необычайно эмоционален и вместе с тем лиричен, требует от исполнителя виртуозного мастерства и максимального самовыражения. Такова игра исполнителя в стиле фламенко Пако де Лусия.

Крупнейшим гитаристом современности был Андре Сеговия. Для него писали музыку многие композиторы Западной Европы и Латинской Америки. У истоков русской гитарной школы стояли А. Сихра (1773–1850) и М. Высоцкий (ок. 1791–1837). Их традиции продолжили А. Иванов-Крамской и Л. Андронов. Русская гитара-семиструнка появилась в XVIII в., а в XIX в. стала одним из самых распространенных инструментов городского музыкального быта, поскольку она наиболее удобна для вокального аккомпанемента.

Вообще существует несколько разновидностей гитары. Кроме названной выше русской семиструнной (большой), есть и южноевропейская шестиструнная гитара, получившая распространение главным образом в Испании и Италии. Сегодня появились модернизированные разновидности инструмента: гавайская (с шестью металлическими струнами), оркестровая (или джазовая) и электрогитара. Общая конструкция их, однако, одинакова: плоский деревянный корпус инструмента снабжен длинным грифом, над которым натянуты струны. Все эти типы гитары различаются прежде всего своим предназначением – для пения (солирования) или для аккомпанемента.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ

Одним из проявлений поиска новых форм в абстракционизме можно считать гиперреализм, или фотореализм, сформировавшийся как движение в США на рубеже 60–70-х годов и распространившийся на несколько лет и в других странах. Главным для художников стало изображение современной реальности, как можно более точное воспроизведение в картинах современного города – его улиц, витрин, рекламы, сверкающих лаком автомобилей (Р. Эстес, Р. Битчл). Подобным же образом с достоверностью физиономической макрофотографии запечатлеваются и обитатели этого мира (Ч. Клоуз «Портрет Р. Серра»).

Такая фиксация предметного мира не требовала подготовительных рисунков, практически творческая индивидуальность стиралась, все картины становились похожими одна на другую, и все были достаточно натуралистичны. Не случайно, что данный стиль стал средством выражения политического кредо отдельных художников как одно из средств фотодокументального искусства (к числу немецких сторонников гиперреализма относится, например, Ю. Валлер, композиция «Венсеремос»).

ГЛИНА

Глина сыграла огромную роль в истории развития цивилизации. Она встречается повсеместно как исходный материал для изготовления грубых керамических изделий, работа с нею не требует специальной подготовки. Поэтому человек с древнейших времен использовал глину для изготовления самых различных бытовых изделий. Однако наряду с практическим предназначением глины вскоре ее стали использовать и для изготовления изделий более высокого качества. Такие предметы уже служили предметом украшения жилищ.

Для изготовления керамических изделий повышенного качества глину предварительно размельчали, просеивали, а затем размачивали в специальных емкостях. Иногда смешивали глину разных сортов, добавляли песок, а в качестве красителей применяли, например, красный глинистый железняк.

Глиняные изделия были самой разной формы.

ГЛИПТИКА (франц. glyptique от греч. glypho – вырезаю) – известное с глубокой древности искусство резьбы на твердых и ценных породах камня. Важнейшие виды – геммы и камеи. Кроме того, к глиптике относится изготовление художественно украшенных металлических колец и печатей из слоновой кости и камня.

Первыми произведениями подобного рода стали преимущественно цилиндрические печати-инталии, изготовленные в Месопотамии примерно в четвертом тысячелетии до н. э. На небольшом пространстве изображались целые сценки, в основном на мифологические сюжеты.

Печати Египта обычно имели форму священного жука-скарабея, изготавливались из камня и фаянса, на нижней стороне печати вырезались иероглифические тексты или изображения мифологических персонажей.

Стилизованные изображения будут характерны и в дальнейшем, особенно с развитием геометрического стиля. Одновременно начинается процесс взаимовлияний: в частности, на изготовлении камней сказывается восточное влияние. Скарабеи нередко просверливали и носили как кулоны; вставленные в оправу, они становились кольцами или амулетами. Совершенствование формы продолжалось и в дальнейшем, прежде всего у этрусков.

Изящество и утонченность формы характерны для Древней Греции, тогда же научились с большей точностью использовать свойства камня, например, такое его качество, как прозрачность. Не случайно, что в эллинистический период одним из широко использовавшихся камней становится сардоникс. Искусство резчиков проявилось в расширении предметов изображения, что послужило основой для создания портретной глиптики (камея «Гонзага» с изображением царя Птоломея и его жены, III век до н. э.). Высшим достижением греческого искусства является творчество Дексамена Хиосского.

Римские мастера начали обрабатывать камни большей яркости и твердости (аметисты, гранаты, изумруды). Поражает богатство форм (выпуклые и плоские камни), разнообразие используемого материала, а также сюжетов (воссоздавались образцы прошлого, вырезались портретные геммы и многофигурные камеи с мифологическими и аллегорическими сюжетами). Мастерство древних мастеров поражает: ведь неизвестно, имелись ли тогда лупы.

Искусство глиптики сохранилось и в последующие века, прежде всего на востоке, где следовали античным традициям, создавая плоские изящные формы со схематическими рисунками и надписями. Таковы геммы-инталии. Резные надписи украшают печати и средневекового Китая.

В Европе новую жизнь в искусство глиптики вдохнули итальянские мастера периода Возрождения: они создают профильные и трехчертные портреты современников (мастера В. Белли, Дж. Бернарди, Якопо ди Треццо). Однако изящество и простота форм позднее уступают место декоративности и вычурности формы (мастера Маснаго). В период классицизма возвращаются античные традиции, со склонностью к четкости и непритязательности форм, регламентированности сюжетов (семейство Пихлеров, Л. Наттер, Жак Юэ). Известны и русские резчики – А. Есаков, И. Шилов, П. Доброхотов.

В XIX веке глиптика как вид искусства приходит в упадок.

ГОБЕЛЕН (франц. gobelin)

Первоначально гобеленами называли вытканные вручную ковры с различными изображениями. Их отличительной особенностью является плоскостное изображение и отсутствие линии горизонта. В отличие от шпалер, рисунки на гобелене вышивались, а не ткались.

Один из наиболее известных гобеленов был создан в 1066 г., после того, как Вильгельм Завоеватель покорил Англию. Чтобы увековечить эту победу, один из его родственников заказал вышивку на гобелене. Она вошла в историю как Ковер из Байе. Это был огромный, длиной в 70 метров, кусок специального льняного полотна. На нем размещены 72 искусно вытканные живописные сцены, рассказывающие историю победы Вильгельма. Подписи на латинском языке под каждой из картин поясняют происходящее и прославляют искусство полководца.

Однако в строгом смысле слова гобеленами назывались изделия, изготавливавшиеся на парижской мануфактуре, находившейся в предместье Сен-Марсель и учрежденной в 1662 году для обслуживания многочисленных королевских дворцов. Ведь гобелен являлся одной из главных деталей внутреннего убранства феодальных замков. Этому способствовала простота (по сравнению с долгим по времени ткачеством шпалер), а также и более низкая стоимость.

Парижская мастерская действует и сегодня. Она была создана на основе ряда частных шпалерных заведений, а ее ядром стала мастерская известных с XV в. красильщиков Гобеленов (Gobellins), имя которых утвердилось и за мануфактурой, и за ее изделиями.

Гобелены выполнялись цветными шерстяными и шелковыми (иногда серебряными и золотыми) нитками по рисункам (картонам) управлявшего мануфактурой Ш. Лебрена, а в XVIII в. – Ф. Буше, Ж. Б. Удри и других художников. На них воспроизводились сложнейшие многофигурные композиции.

Гобелены ткались на специальных ручных станках по отдельным участкам, а затем сшивались в единое целое тонкой шелковой нитью. Характерная особенность гобелена – рубчатая поверхность лицевой стороны, создаваемая нитями основы, и неровная поверхность оборотной стороны, образуемая швами и нитями утка. Число цветов и оттенков на одном гобелене могло достигать нескольких тысяч.

Эпоха барокко стала временем расцвета искусства гобелена. Высокие художественные достоинства гобеленов XVII–XVIII вв. сделали их настолько популярными, что гобеленами стали называть и подражавшие им шпалеры, а в XIX в. даже машинное обивочное полотно плотного плетения.

В конце 1930 – начале 40-х годов искусство гобелена возродилось на новой художественной основе в мастерских Обюссона. Однако теперь их стали ткать с использованием новых материалов и техники, напоминавшей изготовление стенного ковра, используя более толстые нити и сократив количество цветов до 40. Рисунки для гобеленов в это время делали многие крупные художники XX века: А. Матисс, Ф. Леже, Ле Корбюзье, Ж. Пикар-Леду.

Бурный расцвет это древнее искусство переживает и в наше время. Однако для современных гобеленов характерна более свободная композиция, система переплетения нитей, использование синтетических и металлических нитей, шнуров, кожи, вводится также ажур, аппликация, коллаж.

Сам термин гобелен сейчас понимается более широко – как любой тканый ковер или ковровая ткань сложного, преимущественно изобразительного рисунка и высокого художественного качества, безотносительно к характеру, месту или времени производства.

ГОЛОГРАФИЯ

Голография была изобретена русским физиком Ю. Денисюком в 1968 году. Она является одной из интереснейших областей использования излучения лазеров.

Исследователи установили, что при облучении светом лазера какого-либо предмета возникает отраженный от него фронт световых волн. Он несет гораздо больше информации о форме предмета, чем обычный световой луч. Вот почему с помощью голограммы можно передать не только форму, но и объем предмета. Если поставить на пути луча фотопластинку, то на ней получится изображение, состоящее из темных и светлых участков. При освещении проявленной пластинки лучом лазера перед глазами возникает объемное изображение запечатленного предмета.

Но голографическое изображение не только объемно, оно даже позволяет наблюдать предмет с разных сторон. Используя несколько лазеров с излучением разного цвета, можно получить и цветную голограмму. Однако для рассматривания голограммы необходимо, чтобы наблюдатель находился на небольшом расстоянии от пластинки. Только в этом случае он увидит объемное изображение предмета.

С помощью голографии можно не только запечатлевать предметы, но и записывать огромные объемы информации. Вот почему в настоящее время голография широко применяется в самых различных областях культуры и науки.

Голограммы широко используются для сохранения ценнейших памятников мировой культуры. Редкие экспонаты многих музеев заменяются на их голографические копии. Это позволяет улучшить условия их показа, поскольку не надо соблюдать жесткий режим температуры и влажности, а также и уберечь их от возможной кражи.

Произведения художественной голографии отличаются тем, что их можно рассматривать как при солнечном, так и при искусственном освещении (важно лишь, чтобы этот источник был точечным и достаточно ярким). Этот вид голографии также был изобретен в России.

Особенно эффектно на голограммах выглядят старинные изделия из металла, иконы в окладах. Изготовление голограмм с изображениями редких и ценных предметов – одно из направлений, приобретающих сейчас все большую популярность. Так, в последние годы проведена работа по созданию банка голографических изображений святынь Русской православной церкви.

ГОНЧАРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ – в прикладном искусстве: изделия из обожженной цветной глины, имеющие пористое строение и покрытые прозрачной глазурью или ангобом. К гончарным изделиям относится главным образом посуда простейшего типа, изготовленная на гончарном круге.

В широком значении термин гончарные изделия может обозначать майолику в целом и даже керамику.

ГОРИЗОНТ (греч. horizon)

Основой для правильного перспективного построения пространства в произведении живописи служит горизонт. В повседневном понимании этого термина горизонт – это условная прямая, служащая границей разделения земли и неба.

В живописи соотношение предметов по отношению к горизонту помогает их правильному размещению. Кроме того, он определяет своеобразие видения мира художника и даже его творческую манеру. На иконах, например, имеющие значение предметы изображались большими по размеру, чем менее важные.

Перспективный, или видимый, горизонт, расположенный художником (в связи с композиционным решением) поблизости от верхнего или нижнего края изображения, называется, соответственно, высоким или низким.