Как понять акварель. Руководство для тех, кто хочет стать мастером Хоффманн Том

ТОМ ХОФФМАНН. ПИНО СУАРЕ, ОАХАКА. 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

56 76 СМ

Эта картина начиналась как акварельный этюд, но процесс растянулся на полдня. Я уже много лет не писал настолько сосредоточенно, и результат оказался на удивление хорош.

Я стараюсь оценивать свои работы беспристрастно, но часто не замечаю слабых мест новой картины. Должно пройти время, прежде чем я увижу ее по-настоящему. Случается, что в конце дня я иду домой, совершенно убежденный, что написал несколько шедевров, но на следующее утро обнаруживаю, что создал монстров.

Художники всегда настроены на положительный результат и проецируют гармоничный рисунок, который хотят видеть, на реальную работу. И хотя это разочаровывает, но польза тоже есть. Если нам кажется, что рисунок вышел таким, каким задумывался, значит, мы с самого начала знали, каким он должен быть. Главное – научиться удерживать это понимание достаточно долго, чтобы сравнить с ним свою работу. В идеале, продвигаясь от наброска к эскизу и далее, создавая необходимое количество вариантов, художник все четче фокусируется на желаемом результате. В этой главе вы найдете советы, как сократить свой путь от замысла до готовой картины.

Качества хорошего учителя

Чтобы приобрести беспристрастность стороннего наблюдателя, надо много тренироваться, но со временем вы сможете стать собственным учителем. Начать можно с составления перечня качеств хорошего учителя. Посмотрите на мой список. Что бывы в него добавили?

Терпеливый

На развитие требуется время. Мы все хотим продвигаться вперед большими шагами, но нужно отдавать себе отчет, что некоторые из них будут шагами назад, а не вперед.

Добрый

Уделяйте своим сильным сторонам столько же внимания, сколько и слабым, – если не больше.

Честный

Кто-то должен без колебаний говорить вам, когда настал момент взять другой лист бумаги и начать работу заново.

Вдохновляющий

Не сдавайтесь! (По крайней мере до тех пор, пока есть хоть какие-то силы.)

Требовательный

Стремитесь к совершенству. Если вы действительно хотите достичь внушительных результатов, это необходимое условие.

Беззаботный

Относитесь к своему занятию серьезно – но не слишком серьезно. Ведь, по сути, разрисовывать бумагу кляксами – это довольно веселое занятие.

Кто здесь главный?

Сложно переоценить пользу от общения с хорошим учителем и обмена опытом с другими художниками. Однако, чтобы продвигаться вперед, в процессе работы нам ежедневно приходится самостоятельно принимать решения, намечать цели и полагаться только на себя. Так кто за это в ответе? Думаю, что вы уже догадались.

Что вы делаете, если с картиной явно что-то не так? Умеете ли вы мысленно отстраниться от работы? Обычно я анализирую свою картину, как если бы ее написал кто-то другой. Я не спеша спрашиваю себя, что в ней хорошего и что плохого. Однако если мне не терпится получить результат, то проще сразу начать все сначала, надеясь, что в следующий раз выйдет лучше. Подобное нетерпение часто приводит к тому, что в новой версии я упускаю очевидные недочеты и делаю те же самые ошибки или работаю над рисунком до тех пор, пока он не оказывается перегруженным информацией. В этом случае я толком не понимаю, какие из примененных приемов стоит взять на вооружение.

Иногда на картину, которая кажется вам провальной, не хочется даже смотреть, не то что анализировать, но при этом она может оказаться не так уж плоха. Стараясь поскорее забыть о неудачах, вы многое теряете. Как только вы научитесь справляться с чувствами и смотреть на то, что у вас получилось, вы, скорее всего, довольно часто будете приходить к выводу, что нужны лишь минимальные изменения. Иногда проблемой может стать лишь отсутствие акцента в определенном месте картины, и это решается одним мазком кисти.

САЛЛИ КАТАЛЬДО. БЫСТРЫЙ ПЕЙЗАЖ. 2009

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ

41 30 СМ

На этой картине художник передал скорее свое видение пейзажа, ощущение от него, чем четкое изображение реальности. Возможно, здесь следовало прорисовать отдельные листочки, но они в картине – не главное.

ТОМ ХОФФМАНН. ПРИЛИВ НА РЕКЕ, ОБЛАКА (В РАБОТЕ). 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

38 28 СМ

Ради этого облака я остановился и начал рисовать, но картина все равно не передает моих ощущений. Облако не нависает так, как это было в реальности. Тогда мне не удалось взглянуть на рисунок беспристрастно и решить, как можно его исправить. К счастью, я не сделал ничего.

ТОМ ХОФФМАНН. ПРИЛИВ НА РЕКЕ, ОБЛАКА. 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

38 28 СМ

Через месяц я понял, что темное небо может сделать облако более весомым. Чтобы не перестараться, я затемнил только верх неба, поскольку знал, что, если потребуется, я всегда смогу добавить краски. Но этого хватило.

Объективность, которая позволяет мне взглянуть на свою работу беспристрастно, напрямую зависит от того, готов ли я взять на себя ответственность за картину. Если я перекладываю вину за собственные неудачи на погоду или на кисть, то фактически говорю: «Что я могу поделать? Это не моя вина». Такое отношение к проблеме затруднит поиски ее решения. Другое дело, если я решаю, что только я в ответе за свою работу. Тогда я заглядываю себе-художнику через плечо, вижу свои сильные и слабые стороны и могу подсказать, как использовать первые для развития вторых.

Когда я сталкиваюсь с конкретной проблемой, например не могу сделать темные цвета достаточно темными с первой попытки, то предполагаю, что я чего-то избегаю. Возможно, я боюсь сделать темные цвета слишком темными. В таком случае лучшее решение – поступить наоборот, то есть намеренно сделать темные цвета очень темными. В процессе я обычно понимаю, насколько широко я могу использовать это средство, и тогда мне становится комфортнее с ним работать.

Живопись ради живописи

Если вы часто задумываетесь о том, какое место акварель занимает в вашей жизни, вполне естественно однажды спросить себя: «Я пишу ради процесса или создаю произведения искусства?» Этот вопрос заставляет меня почувствовать себя мультяшным персонажем, у которого на одном плече сидит ангел, а на другом – демон. Их диалог звучит примерно так.

Ангел: «Настоящие художники пишут потому, что это само по себе приносит им радость. Они не пытаются произвести впечатление своими картинами. Стремление создать Шедевр слишком ориентировано на результат».

Демон: «Ой, да брось! С каких это пор желание писать хорошие картины стало преступлением? Я же все-таки художник. Это мое занятие. И чем раньше у меня это начнет получаться, тем лучше. Вообще неплохо было бы, если бы оно началось уже сегодня. Я же пытаюсь этим зарабатывать. Кроме того, по сути, ты же стремишься не стремиться!»

Ангел: «Ты делаешь только то, что может впечатлить людей!»

Демон: «А ты притворяешься, что тебя не волнует, что скажут о твоей работе!»

Ангел: «Карьерист!»

Демон: «Лицемер!»

И так далее. К счастью, необязательно выбирать, к какому голосу прислушиваться. Это две стороны одной и той же медали. Живопись всегда требует внимания – как к процессу, так и к результату. Разница лишь в том, что если уделять больше внимания процессу, то это пойдет на пользу результату. Но обратное не всегда справедливо.

Чтобы сделать свой рисунок понятным и легким для восприятия, нужно представлять себе, каким он должен быть в итоге, то есть в некотором роде стремиться к результату. Рисование без какого-либо направления может показаться хорошей идеей, но без нотки вызова самому себе оно бессмысленно. Ведь в идеале мы стремимся совершенствоваться как художники, а не написать картину, которая завоюет кучу наград.

ТОМ ХОФФМАНН. ЛОДКА. 2010

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ

23 30 СМ

Меня привлек неожиданный тон отражения плоскодонки. Подумав, я постарался превратить рисунок в картину, уменьшив фон и оставив очень мало пространства для воды позади лодки. Я просто провел там широкой кистью, надеясь, что мне повезет и в итоге получится нечто схожее с игрой света на воде. Чтобы получить более удачный рисунок, мне следовало внимательно изучить эту часть пейзажа и попробовать заново его написать. Я бы хоть чему-нибудь научился.

Когда мы чувствуем вдохновение или просто интерес, мы берем кисть и пишем. Если мы теряем внутреннюю мотивацию, то начинаем искать какую-либо внешнюю меру ценности нашей работы. Вскоре мы уже думаем только о том, как превратить каждый лист бумаги во впечатляющее произведение, но на самом деле это замедляет наше развитие. Мы пользуемся теми приемами, которые наверняка будут эффективны, и как можно скорее прячем ошибки, не успевая на них учиться.

Чтобы быстро расти, нужно допускать, что картина, над которой вы сейчас работаете, выйдет неудачной. Как ни смешно, большинство своих лучших картин я написал, когда просто потакал желанию писать.

В те неизбежные дни, когда нет вдохновения, я рекомендую просто отрабатывать навык работы с акварелью. Я часто фокусируюсь на одном предмете, например луковице или чайнике, и пишу его несколько раз. Некоторое время спустя вариации становятся более выразительными, и я начинаю видть возможности для рисования. Иногда я просто работаю над точной передачей фотографии – так, например, появилась картина «Пино Суаре, Оахака».

Поиск альтернативных решений

Если вы сомневаетесь относительно предмета изображения или что-то в вашем рисунке кажется неправильным, вы можете либо попрактиковаться на другом листе бумаги, либо попытаться исправить это на самой картине. Если после экспериментов вы по-прежнему не уверены, остановитесь и подумайте, верно ли вы определили проблему. Пройдитесь по списку: тон, влажность, цвет, композиция. Спросите себя: какова ваша стратегия? После этого у вас должен появиться план дальнейших действий. Сначала ограничьтесь незначительными изменениями, чтобы понять, насколько они полезны. Внося сразу множество изменений, вы рискуете замедлить прогресс и запутаться в собственной картине.

Когда я закончил картину, расположенную ниже, то почувствовал, что в ней что-то не так. Хотя я продумал все заранее, пейзаж не передавал того ощущения спокойствия, которое я хотел запечатлеть. Тогда я решил пройтись по списку и вначале изучил цвета. Может, их слишком много? Нет, проблема не в этом. Возможно, дело в цветовой температуре? Вероятно… Голубой и синий цвета горы слишком близки к тем же цветам домов. Поэтому гора кажется ближе, чем должна быть. А большое оранжевое здание справа слишком бросается в глаза. Наверное, стоит попробовать смягчить дополнительные цвета – они чересчур яркие.

ТОМ ХОФФМАНН. ЭСКИЗ КАРТИНЫ «УЛИЦА В ОАХАКЕ». 2010

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ

В конце каждой улицы в Оахаке можно увидеть горы. Я хотел передать и расстояние, и дневной свет. Четкий силуэт горы и мягкие линии теней меня устраивали, как и сине-оранжевая палитра. Однако, когда рисунок был закончен, что-то в нем показалось мне неправильным. Пейзаж не передавал того чувства умиротворенности, которое я хотел запечатлеть.

Затем я рассмотрел влажность. Большое здание затенено, может быть, смягчить контур дверного проема? Тогда все здание будет выглядеть менее навязчиво. Мне нравились мягкие голубые тени на горе, но следовало смягчить ее контур, чтобы она не перетягивала на себя внимание. Решив остановиться на этом, я сделал второй вариант рисунка.

ТОМ ХОФФМАНН. УЛИЦА В ОАХАКЕ. 2010

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ

Смягчение контура синего дверного проема оказалось правильным решением. Будучи изолированной, оранжевая гора выглядела лучше, чем зеленая, но в пейзаже эффект был другим. В целом я доволен результатом и не стану делать новую версию. Хотя, может быть, надо было прорисовать телеграфные провода?

Обязательно решите, как будете анализировать картину, прежде чем начинать новую версию. На каком-то этапе я считал, что надо полностью полагаться на интуицию, а не на анализ, поэтому часто торопился с оценкой. В некоторой степени это правильно, поскольку в большинстве случаев картина пишется на вдохновении, но опираться исключительно на доводы разума не выйдет, даже если стараться. Если вначале обдумать сомнительные моменты, то следующий вариант от этого не станет бездушным и механическим. Стоит лишь попробовать, и дальше процесс пойдет сам собой.

К счастью, первую версию этой картины я написал так быстро, что даже не сомневался перед тем, как приступить ко второй. Если бы на это требовалось больше времени, я бы попытался исправить первый вариант. Сейчас я даже рад, что не сделал этого: через некоторое время я понял, что мне нравятся оба варианта.

Определяем удачные приемы

Этап после создания картины или эскиза включает в себя куда больше, нежели решение ряда проблем. Требуется не только исправить недочеты, но и учесть выигрышные ходы. В конце концов, удавшиеся фрагменты вдохновляют нас, так что нужно себя за них похвалить. Если наша цель была передать чувство гармонии, то имеет смысл определить удачные приемы и использовать их в дальнейшем. Поэтому обязательно спросите себя: «Что получилось хорошо?» Во время работы на пленэре на этот вопрос приходится отвечать быстро, и зачастую для этого требуется несколько вариантов изображения предмета. Каждый из них помогает вам сделать шаг к успеху.

Когда заканчивается теплое время года, я просматриваю свои работы с пленэров, выбирая из них наиболее подходящие для дальнейшей студийной работы. Я ищу иллюстрации хороших решений. Не слишком удачные наброски, эскизы и рисунки все еще могут послужить для работы в студии. Очень познавательно бывает отмечать, что именно объединяет отобранные картины. Бывает, что среди неудавшихся работ вы найдете что-то действительно стоящее.

Поскольку я стремлюсь к экономии изобразительных средств, то обычно предпочитаю картины, в которых ощущение пространства передано лишь несколькими мазками краски. Я стремлюсь добиться того же эффекта в студии, но работа с вторичным источником, например наброском, очень отличается от пленэрной живописи. Всегда существует вероятность, что я увлекусь копированием и потеряю тот образ, который я видел в действительности.

ТОМ ХОФФМАНН. ЭСКИЗ КАРТИНЫ «ТРАВА НА БЕРЕГУ». 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ

Этот эскиз травы, растущей около самой воды, показался мне довольно многообещающим. Особенно мне понравилась определенная абстрактность рисунка: серые мазки поверх зеленой и голубой заливки, вытянутый прямоугольник желто-зеленого цвета. Мне стало интересно, что получится, если усилить эти особенности и сместить баланс формы и содержания в сторону формы.

ТОМ ХОФФМАНН. ТРАВА НА БЕРЕГУ. 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ

Чувство уединенности, переданное в предыдущей работе, здесь только усилилось. Простота исполнения позволяет зрителю воспринимать мазки одновременно как предмет изображения и как краску.

ТОМ ХОФФМАНН. ТЕЧЕНИЕ. 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ

На пленэрном эскизе берег и лесистый склон следовало передать всего несколькими мазками кисти. В этом пейзаже мне нравится именно простота, поэтому студийный вариант должен быть менее усложненным.

ТОМ ХОФФМАНН. НЕУДАЧНОЕ ОПРАВДАНИЕ № 5. 2011

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ГОРЯЧЕГО ПРЕССОВАНИЯ

38 56 СМ

Это пятая попытка сделать большую версию моего пленэрного наброска. Пока – ни одной победы, сплошные поражения. Я копирую стиль Тома Хоффманна, но дух передать не могу. Мне надо взять паузу и определить, какие аспекты картины требуют проработки. Возможно, ваш беспристрастный взгляд видит как раз то, что от меня ускользает.

Как следует из рисунка выше, я стремлюсь к тому, чтобы мои пленэрные работы не превращались в масштабную живопись. Я все еще не сумел точно сформулировать проблему, но, сверяясь с внутренним списком, пришел к таким выводам.

ЦВЕТ. Теплее, особенно зеленые тона. И тени должны быть более лиловыми. Тогда солнечный свет будет выглядеть натуральнее.

ТОН. Высветлить тени в затененной части.

КОМПОЗИЦИЯ. Картина большого формата будет выглядеть слишком выверенной. Вертикали в отражении и зеленые мазки на склоне расположены чересчур равномерно.

ВЛАЖНОСТЬ. Первый слой отражений лучше сделать сухой и влажной акварелью, а не только влажной.

Обычно я умею убеждать себя в том, что результат моей работы неплох. И сам удивляюсь тому, как здорово я перевел предмет изображения в живопись. Но, взглянув на картину какое-то время спустя, я понимаю, что до успешной передачи предмета мне еще далеко.

Иногда даже небольшой шажок в верном направлении может показаться утомительным путешествием. Я могу разглядывать картину с другого конца комнаты, перевернуть ее вверх ногами или поставить перед зеркалом, но первое время я все равн склонен к чрезмерно положительной оценке. Это случается довольно часто, и я скептично отношусь к первому впечатлению, которое производит на меня собственная картина. Чтобы четче увидеть ее сильные и слабые стороны, придется подождать. Еще один вариант – принести рисунок на занятие. Когда я понимаю, что на мою картину будут смотреть другие художники, пелена спадает с моих глаз, и я могу оценивать ее объективно. Согласитесь, это интересно.

Почему так сложно отстраненно воспринять свою работу? В идеале нам хочется этой объективности уже в тот момент, когда мы делаем мазок. Такое ясное восприятие, несомненно, пошло бы на пользу нашей работе.

А может, и нет. Может быть, куда лучше писать, будучи ослепленным собственными иллюзиями и противоречивыми чувствами. Может быть, нам необходимо в равной степени ощущать энтузиазм и разочарование, чтобы не переставать любить живопись, снова и снова писать, несмотря на то что «воздержание» дает больше времени на другие дела. Так или иначе, было бы здорово не изводить столько бумаги.

Расширение горизонтов

В моей живописной практике всегда были темы, в которые я старался не погружаться. Например, я все обещаю себе выделить время и поработать над использованием прозрачного и матового пигментов, но все как-то не находилось случая. Или, например, «человеческий фактор»: мир моих картин практически необитаем. Такое впечатление, что, когда я собираюсь рисовать, даже животные прячутся подальше.

Вас вполне может устраивать содержание ваших картин. В конце концов, нет закона, предписывающего нам изображать все существующее. Но наверняка есть предметы и сцены, которых вы сторонитесь, хоть они вам и нравятся, потому что кажутся сложными. Спросите себя прямо: «Я чего-то избегаю?» Если действительно есть что-то пугающее и вам хочется с этим поработать, я советую вам этим заняться как можно скорее.

Я живу недалеко от заливов Пьюджет-Саунд и летом много времени провожу на острове. Однако за первые 20 лет своей жизни здесь я умудрился ни разу не нарисовать воду. Я боялся ее изображать и обычно сдвигал горизонт вниз до упора, выписывая его в паре сантиметров от края листа. Когда я начал преподавать, было все труднее оправдать тот факт, что я избегаю чего-то, чему учу других. И мне пришлось начать писать воду.

Работать с водой было настолько сложно, насколько я себе это представлял. Впрочем, оказалось, что это еще и интересно. После пары лет, которые я проторчал на берегу залива, и бессчетного количества переведенной бумаги я начал с нетерпением ждать каждой возможности писать пейзажи с водой. Расширить число предметов изображения, с которыми вы работаете, – все равно что завести нового друга. Мир сразу становится больше и интереснее.

Важной частью данного процесса стало изучение картин художников, чья работа с водой мне особенно нравилась. Определив предмет или средство изображения, которое вас отпугивает, исследуйте работы других художников и не стесняйтесь заимствовать их приемы. Я изучал картины Уинслоу Хомера, Джона Сингера Сарджента, Андерса Цорна и Элиота О’Хара и понял, какая последовательность слоев позволяет создать убедительное изображение воды. Копирование их работ помогло мне понять, почему они пользовались именно этими приемами.

Слои часто размещаются в следующем порядке: наложение слоя, изображающего отражение неба; горизонтальные мазки более темным тоном, часто растушеванные, изображающие край волны или ряби со стороны берега; затем отражения объектов на расстоянии от берега (лодок, прибрежного рельефа, облаков и т. п.). Теперь, когда я задумываю рисунок, включающий воду, я изучаю слои. Зачастую требуется какая-либо вариация приведенной выше последовательности.

ТОМ ХОФФМАНН. НА ВЕСЛАХ. 2008

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ГОРЯЧЕГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

36 51 СМ

Вода – коварный и сложный предмет изображения, потому что она никогда не бывает спокойной и неподвижной. Но как только вы научитесь воспринимать ее как серию слоев, вы сможете предугадать, как они все будут располагаться.

ТОМ ХОФФМАНН. ОТЛИВ. 2007

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

18 33 СМ

Не так давно подобная узенькая полоса вдоль нижнего края листа была настоящим вызовом себе, потому что я опасался рисовать воду.

ТОМ ХОФФМАНН. НАБРОСОК ВОДЫ. 2009

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

25 46 СМ

Еще одна попытка. Это то же самое место, что и на картинах «Берег» и «Знакомый утес». День ото дня вода выглядит иначе, поэтому и картины вышли, на мой взгляд, совершенно разные.

Задаем вопросы

В каждой главе этой книги есть список вопросов, которые могут вам помочь в обобщении полученных знаний. Я не жду, что вы выучите их наизусть или запишете и будете носить с собой. Вместо длинного списка вопросов я советую вам обзавестись привычкой принимать осознанные решения в процессе живописи. А пока что будет нелишним обозначить основные вопросы, которые, надеюсь, породят у вас новые вопросы. Например, когда я спрашиваю себя: «Где на картине самая светлая деталь?» – я автоматически начинаю думать и о тенях. Ниже приведены семь самых важных вопросов, которых мы касались в предыдущих семи главах книги.

Что именно меня привлекает в предмете изображения?

Определите, что непременно должно быть отражено на картине, не ограничивая себя собственным стилем работы.

Каковы основные формы?

Если картина не удалась в плане форм, никакие детали или эффекты ее не спасут.

Как разложить на слои мой предмет изображения?

Понимание предмета как последовательности слоев – половина дела в его «переводе» на язык акварели.

Какой участок картины самый светлый?

Ответ на этот вопрос повлияет на всю работу. Тон каждого элемента картины будет зависеть от самой светлой части.

Насколько влажной должна быть кисть по сравнению с бумагой?

Понимание этого соотношения – ключ к желаемой четкости линий и отсутствию чрезмерной влажности.

Какие цвета лучше всего послужат моим целям?

Изучите цвета той детали, что привлекает вас в предмете изображения, проверьте, насколько совпадают с ними цвета, выбранные для работы.

Понятно ли, что здесь изображено?

Когда форма и содержание в гармонии, картина обязательно передаст вашу идею.

Последние штрихи

К этому моменту вы уже наверняка поняли, что решили работать с крайне требовательным, но очень выразительным художественным средством. В этой книге я сравнивал акварельную живопись со смертельным номером, с лабиринтом и с жонглированием. Очень легко потеряться среди многочисленных нюансов работы с материалом, забыв уделить внимание какому-то важному аспекту изза того, что вы отвлеклись на другой.

Исследовательский подход, который использовался в этой книге, предлагает рассматривать все сложные вопросы в такой последовательности, чтобы вы могли сконцентрироваться лишь на одном из них в единицу времени. В работе с краской, которая течет, куда ей вздумается, есть элемент неожиданности – и он необходим. Без риска и незапланированных сюрпризов картины были бы безжизненны. Таким образом, наша задача – поиск баланса между продуманностью и спонтанностью.

Дайте себе время понять, когда и чем вам следует озаботиться, чтобы в остальном вы были беззаботны. Результат зависит от вас. Двигайтесь вперед, развивайтесь, экспериментируйте. И наслаждайтесь процессом.

ТОМ ХОФФМАНН. ПРИБЛИЖЕНИЕ. 2010

АКВАРЕЛЬ НА БУМАГЕ ХОЛОДНОГО ПРЕССОВАНИЯ ARCHES

28 38 СМ