ART/WORK: Как стать успешным художником Бхандари Хизер
Когда вы только начинаете, люди хотят увидеть, что вы работаете активно и увлеченно. Скажем так: лучше иметь за плечами ряд выставок в местах с негромкими именами, чем одну в месте с именем погромче.
В последующем в название этого раздела можно добавить слово «избранные» – это будет лучше, чем составлять многотомную энциклопедию своих достижений. Укажите имена кураторов и все посвященные выставкам каталоги. Не стесняйтесь исключать из этого списка менее значимые пункты, заменяя их более значимыми: серьезные галереи в крупных городах вряд ли будут особо впечатлены выставками «со свободным участием» или ярмарками, проводимыми в магазинах и кафе. Нет, они совсем не так плохи, как могут показаться, и, возможно будут единственным доступным вариантом в начале творческого пути. В этом случае просто не пишите в резюме слова «кафе» или «ресторан», если только они не входят в официальное название, и поищите альтернативные возможности или некоммерческие площадки для пущего разнообразия (о том, как искать площадки, подробно написано в седьмой главе).
Год, наименование, местоположение.
Особое внимание орфографии!
Год, наименование, описание.
Если наименования недостаточно, чтобы полностью отразить суть, добавьте от себя краткое описание. Можете приложить образцы работ и отчеты о выездных выставках (не забудьте назвать раздел соответствующим образом).
Для печатных изданий – автор, название статьи, название издания, дата выпуска, раздел и/или номера страниц.
Для интернет-публикаций – автор, название публикации, название блога или сайта, дата размещения, полная ссылка.
Для теле– или радиосюжетов и интервью – имя корреспондента или ведущего, название передачи и рубрики, канал, дата выхода в эфир.
Критически подходите ко всему, что собираетесь написать в этом разделе. Интернет-публикации – тоже пресса. Популярный и уважаемый блог, посвященный искусству, или интернет-журнал – тоже пресса. А вот преисполненный восторга твит вашей двоюродной сестры – не пресса.
Конечно, далеко не каждый согласится с нашей идеей о значимости интернет-публикаций, так что не удивляйтесь, если вас попытаются отсоветовать от включения их в резюме. Например, Ли Коннер, директор галереи современного искусства Коннер в Вашингтоне, так отзывается о любительской интернет-журналистике: «Зачастую блогеры, пишущие об искусстве, не имеют ни соответствующего образования, ни сколь-нибудь объективного представления о мире искусства, ни даже опыта журналистской работы. Поэтому их суждения нередко бывают поверхностными, а выводы – надуманными». А еще она сказала: «Включать в свое резюме публикации в блогах – неосмотрительная глупость». И ведь не одна она так считает.
«Я смотрю на то, выставлялся ли художник в галереях, которые близки ему по духу. Потому что если да – значит он проделал хорошую работу по поиску того, что для него по-настоящему важно. Узнайте, какие выставки устраивает галерея и кто, кроме вас, в них принимает участие. Нет гарантий, что там не будет художников, которые галерее не симпатичны, но шансы на это не особенно велики».
Эдвард Уинклман, галерея Уинклмана (Нью-Йорк)
Имя коллекционера, город.
Впрочем, не беспокойтесь об этом, покуда ваши работы не попали в музей или руки известных коллекционеров. Без этого раздела резюме вполне имеет право на существование, особенно если вы только начали свою карьеру.
«Вы должны рассказать о своих выставках, образовании, откуда вы родом. Эти основные моменты могут стать темой для разговора с куратором или галеристом: “О, да вы родились в таком-то городе и начали учебу в таком-то году! Вы, случайно, не знакомы с тем-то и тем-то?” Кроме того, в начале карьеры очень важен тот факт, что вы регулярно выставляетесь. Если вы родились в 1986 году, никто и не рассчитывает, что у вас за плечами множество персональных выставок в известнейших галереях мира».
Эми Смит-Стюарт, куратор Музея современного искусства Олдрича (Риджфилд, Коннектикут), бывший куратор PS1 (Нью-Йорк)
«Недавно я заглянула в мастерскую к одной вполне уже опытной, но до сих пор не получившей широкое признание художнице. Я была потрясена: в каком количестве известных музеев, судя по ее резюме, она только не выставлялась! Причем она пробивалась сама, без поддержки галерей. Мне всегда нравилось ее творчество, но ее резюме поразило меня куда сильнее».
Лорен Молина, владелица и директор галереи Bank (Лос-Анджелес)
«Да, я читаю резюме. И если человек, имеющий в багаже семь лет выставок, не догадался исключить из списка какой-нибудь ресторан или кафе, это наталкивает меня на определенные мысли. Без разбору, как говорится».
Ли Коннер, галерея современного искусства Коннер (Вашингтон)
«Смежный» означает связанный с вашим творчеством. Обладаете таким? Очевидно, что работа официантом не имеет к этому никакого отношения, как и техническая работа в галерее или музее. Даже преподавание керамики не связано с ним, если вы творите в формате видео. Нет, то есть связано, конечно, если ваши видеоработы – о керамике, но, надеемся, идея понятна. А если вам приходилось курировать выставку? Это, пожалуй, подойдет. Повторимся: вы не ищете работу, вы просто рассказываете о себе, так что пишите только о том опыте, который на самом деле связан с вашим творчеством.
Как и в случае с «Коллекциями», включать ли этот раздел в резюме вообще, решать вам.
Если первые три раздела обязательны и должны идти именно в том порядке, в котором они здесь обозначены (просто потому, что содержат информацию, которая будет интересна всем без исключения и именно в первую очередь), остальные разделы вы вольны называть, располагать и комбинировать на свое усмотрение в зависимости от того, что именно представляет из себя ваше творчество и на каком этапе пути вы находитесь. И к черту правило одной страницы, если достойная чужих глаз информация занимает куда больше. Посмотрите несколько образцов резюме – возможно, они вам помогут.
Не отсылайте файл, созданный в Word: при открытии на другом компьютере может полететь форматирование, что сведет на нет все ваши усилия. Конвертируйте документ (или его отсканированное изображение) в PDF или иной устойчивый формат. Вот теперь можно отсылать.
Насколько творчески я должен подходить к своей заявке?Все сводится к тому, чтобы составить ясную, убедительную и, главное, честную заявку. Она должна быть как можно более полной, четко организованной, простой и понятной. В том, чтобы сделать ее при этом еще и красивой, ничего предосудительного нет. Это не значит, что вам нужно тратить непомерные суммы на красивую упаковку или орошать все парфюмом (парфюм, честно говоря, вообще плохая идея). Это значит, что вам стоит сделать так, чтобы изучение вашей заявки было как можно более приятным и интересным, но не отвлекающим при этом внимания от сути. Главное не перестараться, иначе комиссия может подумать, будто красивой формой вы пытаетесь компенсировать недостатки содержания.
«Всегда очень приятно смотреть на нечто, сделанное профессионально и изящно. А вызывающая и безвкусная подача напоминает мне бизнес по продаже подержанных автомобилей. Это лишь отвлекает от самих работ».
Келли Клаасмайер, критик газеты Houston Press и редактор портала glasstire.com (Хьюстон)
«Каракули карандашом на листочке из школьной тетрадки никак на нас не действуют. А мы ведь нечто подобное и получаем! Сделайте домашнюю работу – составьте приличную заявку!»
Сара Джо Ромеро, Schroeder Romero Editions (Нью-Йорк)
«Когда я сижу в комиссии или просматриваю студенческие заявки, первым делом я обращаю внимание на имена тех, кто писал статьи и заметки, прилагаемые к заявке».
Мишель Грабнер, художница, профессор, критик, куратор (Чикаго)
«Пресса есть пресса. Любой галерист пытается понять две вещи: пишут ли о вас вообще и, если пишут, то кто именно. И если о вас пишет очень талантливый автор, но делает это в Интернете, а не в газете или журнале, вряд ли это на что-то повлияет».
Эдвард Уинклман, галерея Уинклмана (Нью-Йорк)
«Не знаю, стоит ли приравнивать блоги к настоящим журналам и газетам. Тут ведь как посмотреть: если автор имеет небезынтересную точку зрения, умен и строит любопытные суждения, так это же просто здорово. Я к этому отношусь спокойно, но ведь правда, ничего же не стоит попросить своего приятеля написать заметку в блог. Поэтому не думаю, что люди когда-нибудь будут рассматривать блоги как нечто, равноценное профессиональной журналистике».
Келли Клаасмайер, критик газеты Houston Press и редактор портала glasstire.com (Хьюстон)
«Совру, если скажу, что нет ничего обидного, когда ваши работы разносят в пух и прах. Я стараюсь смотреть на такие вещи философски, утешая себя мыслью, что настоящее искусство никогда не было особо популярным. Умом можно понять, что не все так уж и плохо, но вот сердцем… Сердце считает, что тот, кто ругает ваше искусство, ругает прежде всего вас. И, естественно, вы отвечаете чем-то вроде: “Ой, ну конечно, простите меня, урода”. Вы принимаете это близко к сердцу.
Фред Томаселли, художник (Нью-Йорк)
«Я думаю, что негативные отзывы лучше, чем ничего. Если ваше творчество безразлично абсолютно всем, у меня для вас плохие новости. Чтобы быть уважаемым и обсуждаемым, художнику необходимо следить за всеми проявлениями внимания к его творчеству: отзывами кураторов, критиков, галеристов и коллекционеров. В том числе и за репортажами, опубликованными в специализированных журналах».
Найт Лэндсмен, издатель журнала Artforum International Magazine
Храните вырезки всех статей, где упоминается ваше имя, даже если это всего лишь одно предложение в обзоре групповой выставки. Лучший способ организовать свой архив – сохранить не только саму статью, но и полосы заголовка первой страницы публикации: там указаны дата и все нужные названия и заголовки. Потом вы можете склеить их вместе, при необходимости самостоятельно пронумеровав страницы. Сделайте это аккуратно, чтобы все выглядело красиво и профессионально. Можно отсканировать вырезку, чтобы иметь возможность послать ее по почте или распечатать. А можно сразу отсканировать все нужные вам элементы статьи и соединить их в Photoshop.
Интернет-версию статьи используйте в последнюю очередь – только если не удается найти печатную: пока все на свете не стало электронным, людям будет нравиться читать статьи в привычном формате. Но если вы все же используете интернет-версию или печатной версии не существует в природе, вам все равно придется поработать с ней, чтобы заставить ее выглядеть нужным образом. Выкиньте рекламные блоки и баннеры, а также всю лишнюю информацию.
Храните оригиналы и копии всех каталогов и брошюр, в которые попали ваши работы. Будьте разборчивы в том, кому посылать оригиналы, потому что, во-первых, сколько бы их у вас ни было, запас не бесконечен, а во-вторых, зачастую это просто необязательно. В большинстве случаев вполне достаточно копий хорошего качества.
Кстати, самое время определиться, будут ли записи в блогах публикациями или все-таки нет. Если вдруг вы не захотите показывать кому-нибудь статью лишь потому, что она скопирована из некоего блога, имеющего совсем уж далекое отношение к миру искусства, – не показывайте. И уберите ее из своего резюме.
Нужно ли включать статьи с негативными отзывами? Разные люди смотрят на это по-разному. Лично мы придерживаемся принципа, сформулированного в старой присказке: не существует такого понятия, как плохая пресса. Наше кредо – включать все отзывы, даже негативные. Конечно, если только это не тотальное непонимание вашего творчества или безжалостный разгром (вроде «Вся эта выставка – абсолютный провал» или «Да из него такой же художник, как из меня – балерина»).
Пытаясь определить, насколько критично настроен к вам автор той или иной статьи, учитывайте, как остро вы в принципе реагируете на критику, чтобы не принять смешанное впечатление за резко негативное. Тот факт, что критику не понравилась ваша любимая работа, – не повод не включать статью в резюме, особенно если общий ее тон вполне хвалебный. Не забывайте, что привлечь внимание прессы нелегко в принципе, особенно на начальном этапе, поэтому если вашей работой заинтересовался критик – это уже дорогого стоит, вне зависимости от его точки зрения.
Храните электронные копии всех статей в PDF (или любом другом устойчивом формате, чьи файлы не слишком велики), чтобы их можно было легко и быстро послать по почте. Но перед этим убедитесь, нормального ли качества получается документ, если его распечатать.
«Читаю ли творческое кредо? Никогда! Никак не пойму, кто мог до такого додуматься. Если вы собираетесь подробно расписать всю подноготную своего произведения, зачем тогда вообще его создавать?
Каждому нравятся хорошо выглядящие и ясные работы: они требуют от зрителя куда меньше усилий, чтобы их понять. Полагаю, большинство произведений содержат множество смыслов, и я не жду, что все они откроются мне сразу».
Шейн Кэмпбелл, галерея Шейна Кэмпбелла (Чикаго)
«В определенных обстоятельствах у вас могут попросить творческое кредо. Допустим, для заявки на грант или пресс-релиза предстоящей выставки. Начните с простых вещей. Пусть это будет лишь несколько предложений. После сможете дополнить в соответствии с конкретными требованиями. Ваша задача – сделать именно то, что от вас ждет организатор. Пишите простым и понятным языком. Если от вас требуется описание, использовать метафорический стиль – все равно что выстрелить себе в ногу. Подбирайте слова, которые в полной мере отразят основные идеи работ и ваши взгляды. Потом развивайте мысль, сокращайте, переписывайте. Если вам не вполне понятно, чего именно ждут от вашего творческого кредо, попросите объяснить поподробнее. И не стесняйтесь попросить образец».
Мишель Грабнер, художница, профессор, критик, куратор (Чикаго)
Творческое кредо
Почти всегда в набор документов, необходимых для подачи заявления на грант, образовательную или резидентскую программу входит творческое кредо. Если и есть в мире искусства то, что касается абсолютно всех, так это безудержная паника перед необходимостью сочинить подобный текст. Но задумай вы провести опрос среди галеристов, большинство из них скажет, что никогда их не читает. Так зачем же тогда вообще сочинять свое творческое кредо? Тем более заранее, когда еще никто об этом не просит?
Напишите-напишите: в мире искусства вращается множество людей, которые все-таки их читают, – кураторы, члены жюри и комиссий. И притом внимательно читают. И всерьез относятся к тому, что в них написано.
Сформулировать творческое кредо заранее стоит потому, что у большинства людей, даже и не подгоняемых страхом не успеть с этим в срок, процесс размышления над тем, что им нравится, а что нет, отнимает немало времени и сил. Начав работу над творческим кредо прямо сейчас, вы, никуда особо не торопясь, можете в любой момент сделать паузу и через несколько дней с новыми силами вернуться к его сочинению. Даже после того, как вы «закончите», перечитайте через месяц-другой написанное и исправьте то, что вам не нравится. Подойдите к этому вопросу с холодной головой. Лучше иметь крепкую, максимально обобщенную основу, которую вы сможете в любой момент адаптировать к конкретным требованиям, чем в последнюю минуту в панике что-то сочинять, формируя заявку.
В момент написания не забывайте об основной задаче творческого кредо – дать потенциальному читателю представление о том, что и зачем вы пытаетесь выразить в своем творчестве. Это поможет. Вы вовсе не должны во всех подробностях описывать свой вклад в мировое искусство или проводить детальный психологический анализ собственной мотивации – подобное может плохо сказаться на вашем здоровье (или того хуже – на творческом кредо). Ваша задача – максимально простым способом описать свои чаяния: что вы хотите сказать или показать своими работами, что вас заставляет хотеть этого. Если в вашем творческом процессе есть что-то особенное или очень важное, о чем стоит рассказать, сделайте это.
Художники иногда жалуются, что изображения работ не отражают сути их искусства. Творческое кредо – один из немногих способов прямо, от первого лица, рассказать об этом. С этой точки зрения хорошее творческое кредо представляет собой задокументированную версию того диалога, которой мог бы состояться, посети вашу мастерскую важный гость. Творческое кредо – отличная возможность рассказать такому человеку о себе и своих работах. Только не забывайте, что ваш потенциальный читатель вряд ли имеет диплом в области искусств и когда-нибудь занимался тем, чем занимаетесь вы. «Очевидное» вам не обязательно очевидно ему.
Помните про объем: от ста до трехсот слов. Это меньше, чем книжная страница. Ваша задача – не заставлять читателя переворачивать страницу.
«Вы хороши в том, что хорошо делаете. Никто не заставляет писателя создавать картины, точно так же никто не ждет, что в художнике, работающим над творческим кредо, вдруг проснется талант к изящной словесности. Цель творческого кредо – сформулировать и сообщить другим ваши устремления. Не перебарщивайте с витиеватым стилем и профессиональной лексикой. В большинстве случаев это может стать камнем преткновения в диалоге между читателем и художником, особенно начинающим».
Сара Льюис, ученый, писатель, куратор, критик, член государственного комитета по стратегии в области искусства при президенте США Бараке Обаме (Нью-Йорк)
«Никакие на свете притянутые за уши теоретические выкладки не расскажут о произведении больше и лучше, чем оно само. Поэтому в первую очередь я смотрю именно на работы и лишь потом – на описание проекта. И уж совсем в последнюю очередь я, может быть, взгляну на творческое кредо художника. Я жду простых слов и конструкций, вроде “Я делаю свое дело. И я продолжу делать свое дело”. Написанные витиеватым слогом, перегруженные теорией и философствованиями заявления я читать боюсь: это же смерти подобно!
Оставьте размышления и понимание нам, читателям. Вы уже обо всем подумали и все поняли, когда создавали свои работы. Так позвольте и другим получить это удовольствие».
Шеннон Стреттон, художница и директор галереи ThreeWalls (Чикаго)
«В прошлом году я подавал заявку на грант. Мне отказали, обосновав это тем, что мое творческое кредо “недостаточно серьезно”. Меня до крайности возмущало то, что я вообще должен был этим заниматься, так что писал я чертовски иронично, даже саркастично. Поэтому-то я и прошляпил грант. Так что, если хотите преуспеть, не делайте подобных глупостей. Не злите людей, в руках которых может быть ваша судьба».
Билл Дэвенпорт, художник и критик (Хьюстон)
Каким будет стиль творческого кредо – решать вам, но прислушайтесь и к нашим советам. Мы полагаем, что творческое кредо лучше всего формулировать следующим образом:
1. Мозговой штурм.
Для начала набросайте на лист бумаге все идеи, которые приходят в голову. Смысл этого шага заключается в том, чтобы иметь их все в одном месте, а потом размышлять о каждой в подробностях: насколько она важна, насколько соотносится с остальными. Избавляться от всего лишнего вы будете гораздо позже, сейчас же – пусть будут. Будьте собой и хорошенько подумайте над тем, почему вы творите.
2. Структура.
Посмотрите на все написанное и попробуйте расположить все идеи по порядку, придать им структуру. Если что-то выходит за рамки, вычеркивайте. Не все, что родилось во время мозгового штурма, должно обязательно войти в творческое кредо.
3. Черновик.
Возьмите оставшиеся идеи и постарайтесь превратить их в предложения, а предложения – связать в абзацы. Переживать, как все это звучит, пока рано – просто пишите, как получается, и как можно быстрее.
4. Редактирование.
А вот теперь пора позаботиться о том, как все это звучит. Для начала избавьтесь от любых терминов. Поверьте, даже самые сложные и глубокие идеи можно выразить простыми словами, не прибегая к профессиональной лексике. И три слога не всегда лучше двух. Ваша задача заключается не в том, чтобы поразить читателя своим лексическим запасом. Поражайте другим – прямым, честным повествованием, которое позволит ему узнать о вашем искусстве больше. Самый эффективный способ понять, что в вашем тексте не так, – прочитать его вслух кому-нибудь, кто знает вас достаточно хорошо, чтобы сказать, насколько творческое кредо похоже на вас.
5. Исправление ошибок.
К тому моменту, как вы доберетесь до этого шага, вам придется перечитать текст столько раз, что глаз «замылится» и вы легко пропустите самую очевидную ошибку. Попросите кого-нибудь прочитать ваше творческое кредо. Потом отложите, а через недельку перечитайте снова.
«Ну хватит уже!», или Пара слов о штампахВот вам несколько фраз, которые повторяются из одного творческого кредо в другое. Возможно, стоит оказать себе и будущим читателям услугу и не использовать эти штампы. В них все равно нет ни капли искренности, они лишь испортят текст и, следовательно, впечатление о вас.
«Я творю интуитивно».
«Мои работы – о значительном и незначительном».
«Мои работы – о подлинном и искусственном».
«Мое творчество – это внутреннее путешествие».
«Работы отражают мой личный опыт».
«В каждый штрих (деталь, движение – нужное подчеркнуть) я вкладываю частичку своей души».
«Впервые я взял в руки карандаши, когда мне было три».
6. И еще раз исправление ошибок.
Вы будете развиваться, и обновлять свое творческое кредо придется еще не раз. Только так оно будет отражать текущее положение дел, а не ситуацию пятилетней давности (да пусть даже и полугодовой!).
Мы не приводим примеры подобных текстов, потому что это только ваше творческое кредо. Оно описывает ваши работы и должно быть написано вашей рукой. Чтение чужих текстов тут никак не поможет. А вот изложенные выше инструкции – наоборот.
Вы всегда можете попросить кого-нибудь написать текст за вас. Очевидным выбором кажется друг, практикующий литературное творчество, однако собрат-художник, понимающий ваше искусство, может сформулировать ваше творческое кредо гораздо легче, чем свое собственное.
Даже когда вдохновение оставляет вас и текст ни в какую не пишется, размышления о нем заставляют вас думать о своем творчестве и его ориентирах, о работах коллег, о своем развитии и месте в искусстве. И все это хорошо повлияет на творческий процесс.
«Мне нужны существительные. Существительные и глаголы. Все остальное – сорняки. Руки так и чешутся прополоть эту грядку и уничтожить все лишнее».
Ли Коннер, галерея современного искусства Коннер (Вашингтон)
«Читая творческое кредо, я не жду от художников мастерства великих писателей. Честно говоря, писатели из них в большинстве своем никакие. И это замечательно, потому что мне не язык их нужен. Уж раз художник потратил свое время, написав этот текст, почему я не могу потратить свое, прочитав его? Он же может оказаться очень интересным! Хотя, конечно, художник не обязан корпеть над каждой буквой, стараясь создать еще одно произведение искусства.
Здорово, что в художественных школах уделяют столько времени обучению основам мастерства. Жаль только, что это оборачивается тем, что все творческие кредо написаны будто под копирку. Я бы предпочла сотни разных разговоров сотням одинаковых. Представьте, что ваш друг вдруг начинает давать вам подробные инструкции по выстраиванию с ним отношений. Так ведь не бывает: в разных ситуациях он просто ведет себя так, как привык, и вы узнаете его, знакомясь с его поведением».
Шамим Момин, директор и куратор некоммерческой организации LAND (Лос-Анджелес) и бывший куратор Музея американского искусства Уитни (Нью-Йорк)
«Работа в комиссиях по грантам или резидентским программам – одно из самых потрясающих ощущений. Бесценная возможность увидеть то, чего никогда до этого не видел. Мне всегда очень любопытно слушать, как художник рассказывает о своем творчестве, когда мы посещаем его мастерскую, или пробегать глазами сформулированное им творческое кредо в тусклом свете проектора, разглядывая на экране изображения работ».
Франклин Сирманс, куратор Музея искусств Лос-Анджелес Каунти (Лос-Анджелес) и бывший куратор музея Menil Collection (Хьюстон)
Сопроводительное письмо
Пишите сопроводительные письма для каждой новой заявки. (Про особенности составления сопроводительных писем для участия в грантах и резидентских программах мы расскажем в шестой главе.) Это неплохая возможность продемонстрировать, как много вы знаете о той программе, в которой хотите принять участие, и почему вы, собственно говоря, этого хотите. Чтобы написать сопроводительное письмо, следуйте тому же алгоритму (мозговой штурм, структура, черновик, редактирование) и тем же рекомендациям (честность и простота, отсутствие метафизической зауми и псевдоинтеллектуальной лексики), что и при формулировании творческого кредо.
При подаче заявок по электронной почте размещайте сопроводительный текст прямо в теле письма, не забудьте сделать так, чтобы он соответствовал формату сообщения, идущему выше (адреса не в счет). Никогда не делайте массовых рассылок заявок с одним и тем же сопроводительным текстом. Посылайте заявки по одной, обращайтесь к людям, используя их полные имена (никаких «сэр» или «мадам»). Если вы считаете, что массовая рассылка сэкономит вам время, подумайте вот о чем: может, вообще не стоит никому писать – так ведь еще больше сэкономите.
«Довольно часто случаются ситуации, в которых люди знакомятся с вами посредством ваших же слов. Все, что вы напишете о своем творчестве, рано или поздно окажется в пресс-релизах и обзорах. Так что если можете писать – делайте это, ведь чем больше вещей вы контролируете, тем лучше».
Эдвард Уинклман, галерея Уинклмана (Нью-Йорк)
Прилагаемые конверты
Вы можете приложить к заявке конверт с заполненным адресом и наклеенной маркой. Это очень легко сделать… и очень легко про это забыть. Но будет наивно ожидать, что кто-то вернет вам ваши материалы, если к ним не прилагается такой конверт.
Если вы рассылаете несколько заявок одновременно, заполните поле обратного адреса: укажите название организации и ее адрес. Так вы поймете, кто именно из адресатов возвращает вам материалы (если они вдруг забудут приложить письмо).
Рука на пульсе
Сохраняйте голову холодной, когда отправляете заявку. Изучите расписание галереи, чтобы быть абсолютно уверенным, что не посылаете письмо в день открытия новой выставки (или даже днем позже), когда всем будет явно не до вашей заявки и она быстро потонет в водовороте новой корреспонденции. То же относится и к художественным ярмаркам: выясните, в каких именно организация принимает участие и поостерегитесь писать им за пару дней до и через пару дней после начала события (разумеется, этот принцип не работает, если вас просят прислать материалы в определенный день или к определенному сроку).
Обычно галереи предпочитают проводить групповые выставки летом, а новые таланты искать в конце зимы – начале весны, на этот же период планируются и персональные выставки. Если вдруг до вас дойдут слухи о тематической выставке, и вы думаете, что одна из ваших работ может подойти, не мешкайте и шлите заявку организатору – галерее или куратору. Но сначала прочитайте седьмую главу.
Нужно ли платить за участие в выставке?Необходимость платить за то, чтобы люди увидели ваши произведения, может стать неприятным сюрпризом. В некоторых ситуациях, впрочем, такой подход вполне оправдан: например, когда некоммерческая организация, проводящая выставку, вынуждена изыскивать средства, чтобы покрыть все расходы. Но вы всегда должны понимать, на что именно идут ваши деньги. Если схема выглядит туманно и неопределенно, стоит задуматься.
«На вашем месте я бы постаралась узнать как можно больше об организаторе и членах комиссии. Интернет вам в помощь: так вы сможете достаточно быстро определиться, стоит ли участвовать в выставке. Почему бы не подать заявку, если мероприятие широко освещается, а вам в начале карьеры так нужна заветная строчка в резюме? Но участие в выставке может недешево обойтись, так что подготовьтесь как можно тщательнее. Убедитесь, что организация раньше выставляла произведения, подобные вашим, – это увеличит вероятность того, что кураторы вами заинтересуются».
Андреа Поллан, владелица галереи Curator’s Office (Вашингтон)
Нужно ли мне, чтобы стать успешным художником, жить в крупном городе?Говоря коротко, нет. Конечно, крупные города полны возможностей, и самые громкие имена рождаются именно здесь, но они – всего лишь часть современного мира искусства. Творить можно где угодно. В каком бы отдаленном уголке вы ни жили и куда бы ни завела вас творческая судьба, главное – следить за тем, что происходит за границами вашего мира, с уважением относиться к местной публике и уважать тех, кто вас поддерживает. Как сказал один галерист: “Если вы творите, у вас есть кусок хлеба и крыша над головой, не это ли повод для счастья?”»
Заявка: о чем нужно помнить
• Портфолио изображений
• Резюме
• Газетные и журнальные вырезки
• Творческое кредо
• Сопроводительное письмо
• Прилагаемые конверты
Глава 4
Сайт и визитные карточки
Сайт
Большинство профессионалов сходятся во мнении, что у художника обязательно должен быть свой сайт: так представители галерей, кураторы, коллекционеры и журналисты могут в любой момент получить доступ к самой точной и свежей информации о творчестве интересующего их автора и его личности.
В принципе, можно обойтись и самым простеньким сайтом: его несложно создать, им легко управлять, и ваши работы будут доступны самой широкой аудитории. И это единственное место (кроме мастерской, разумеется), где вы можете создать нужную вам атмосферу и тот контекст, который покажет ваши работы в наиболее выгодном свете.
Извлеките максимум из этой возможности и добавьте описание к каждому произведению. Полагаться в этом на сайты галерей не приходится: для всех своих авторов они в большинстве случаев используют один и тот же шаблон. Сделайте все по-своему!
Не знаете, как подступиться к созданию веб-страницы? Возьмите пару уроков или попросите о помощи того, кто знает. В конце концов, существует множество недорогих платформ, на основе которых можно создать несложный сайт.
«Обожаю добротно сделанные сайты о творчестве: они значительно облегчают работу кураторов и критиков. Судить о работах художника куда легче по загруженным им самим видеороликам, чем по изображениям. Даже если длительность этих роликов не превышает нескольких минут, значимость их невозможно переоценить.
Сайт галереи – все равно что витрина магазина. Но даже самая крупная витрина не способна вместить в себя весь ассортимент, да еще и представить его так, чтобы покупатель всегда видел лучшие и самые свежие товары. А вот на сайте художника контента куда больше: тут и критические отзывы, и подробная биография».
Микаэла Джованнотти, критик и куратор (Нью-Йорк)
«Допустим, я встречаюсь в Техасе с пятью разными кураторами. Они рассказывают мне о неких художниках, мне совершенно неизвестных. Я с ними не знакома, а значит, мне понадобится информация. Идеальным решением было бы попросить их прислать мне заявки, но на практике, когда часто приходится работать в условиях острой нехватки времени, это вряд ли возможно. Именно поэтому сайты были, есть и будут полезны».
Шамим Момин, директор и куратор некоммерческой организации LAND (Лос-Анджелес) и бывший куратор Музея американского искусства Уитни (Нью-Йорк)
«Я не особо рвусь тратить время на внимательное изучение портфолио каждого встречного. Оставьте документы в машине – мне нужен ваш сайт. И десять минут, чтобы его изучить. Если у вас нет сайта – создайте, а потом пришлите мне ссылку».
Элинор Уильямс, консультант по вопросам искусства и независимый куратор (Хьюстон)
Что должно быть на сайте
Редактировать изображение для заявки – одно, но делать это для собственного сайта – совсем другое: вы не способны предугадать, как оно будет выглядеть в окне браузера. Поэтому выбирайте только те изображения, которые готовы безо всяких «но» показать кому и где угодно.
Внимательно рассмотрите свои произведения перед тем, как браться за дизайн. Какие цвета, фоны будут хорошо с ними гармонировать? Как лучше организовать навигацию сайта? К примеру, для искусства в духе минимализма вполне уместно минималистическое же оформление. А если понимание вашего творчества требует немалой теоретической подготовки и представления о культурной среде эпохи, разместите всю необходимую информацию. Посмотрите на веб-страницы интересных вам художников, галерей и некоммерческих организаций – попробуйте оценить, что удобно, а что – не очень.
Навигация сайта должна быть простой и понятной: наверняка вы хотите, чтобы путь зрителя к вашему творчеству был похож на прямую и ровную дорогу, а не на извилистую лесную тропку.
«Не иметь сайта – все равно что не иметь телефона. Хотите вы того или нет, но вам придется завести как минимум блог и выложить в нем изображения своих работ. У каждого художника должен быть собственный сайт».
Дэвид Гибсон, куратор и критик (Нью-Йорк)
Регулярно обновляйте контент – не только резюме, но вообще все: изображения, подборку публикаций, афишу выставок, биографические данные. Поставьте себя на место посетителя, который открывает раздел «Новости» и видит приглашение на выставку, которая уже два года как прошла. Что бы вы подумали? Скорее всего, что художник вообще забросил искусство.
Сайт о творчестве должен быть посвящен исключительно творчеству – никакой коммерческой деятельности. Многие художники работают фотографами или иллюстраторами. Если вы один из них, заведите для этих целей отдельный сайт, причем такой, который никто не спутает с вашим основным. У нас есть одна знакомая нью-йоркская художница, которая за деньги пишет портреты. На сайте со своим творчеством она использует девичью фамилию, а на сайте с коммерческими услугами – фамилию по мужу. Для этих целей, кстати, можно придумать и название компании.
«Всегда без колебаний готова заплатить тому, кто может сделать что-нибудь лучше меня. Иногда от меня требуется то, что выходит за пределы моего творчества. Создание сайта тому пример. Значит, я плачу веб-дизайнеру. К тому же, так я могу больше времени уделять своим работам – их созданию и продаже. Чем больше у меня времени, тем выше мой доход, и, значит, я смогу нанять того, кто поможет мне в моей работе».
Стефани Даймонд, художница (Нью-Йорк)
«Худшее, что галерея или художник может сделать со своим сайтом, – не обновлять его. Хуже некуда. “Ты только взгляни! 2006 год!”»
Келли Клаасмайер, критик газеты Houston Press и редактор портала glasstire.com (Хьюстон)
Именно она формирует первое впечатление о вас и вашем творчестве. Так что, хотите вы того или нет, придется уделить ей особое внимание. На главной странице должны быть ваше имя, изображение одной из работ и элементы навигации – ссылки, ведущие на другие страницы сайта. Здесь же можно разместить афишу выставок, свежие публикации, ссылки на ваши аккаунты в социальных сетях, блоги, мобильные приложения и другие важные сайты. Только знайте меру и не замусорите ее информационным шумом. Если же новостей у вас великое множество, а календарь трещит по швам от грядущих выставок, лучше спрятать их в выпадающем меню или создать для этого отдельные страницы, разместив на главной соответствующие ссылки.
Дайте ссылку на сайт галереи, с которой сотрудничаете, и попросите ее сделать то же самое. Если же вы не работаете с галереями, укажите собственные контактные данные, чтобы с вами легко было связаться. Здесь же можно разместить и ссылки на аккаунты в соцсетях, блоги и прочие ресурсы.
Что такое водяной знак?Водяной знак – это прозрачный символ или слово, которое добавляется на электронное изображение, показывая, что оно защищено законом об авторском праве. Водяной знак лишает посторонних возможности использовать вашу работу в корыстных целях: даже если посетитель и сохранит изображение, оно будет с водяным знаком. Его можно сделать с помощью специальной онлайн-программы или Photoshop.
Основа контента – конечно же, ваше искусство, поэтому пускай на сайте будут только лучшие изображения. Подойдите к этому, как к официальному просмотру работ в своей мастерской. Поразмыслите над концепцией первого общения с посетителем: будете показывать по одной работе или сразу несколько? Новые вперемешку со старыми или в хронологическом порядке?
Обязательно предоставьте посетителю возможность посмотреть изображения в полном размере: так он сможет изучить все детали работ. Для обзорной страницы сгодятся изображения с небольшим разрешением (72 точки на дюйм) в формате JPEG: так они будут быстро загружаться. Многие галереи размещают и файлы с большим разрешением (а есть те, которые показывают их пользователю после регистрации). Здесь, однако, возникает проблема неправомерного копирования и незаконного использования: ничто не мешает сохранить изображение и использовать его в своих целях (хотя бы и продать) без вашего ведома. Чтобы этого избежать – а многие, кстати, об этом даже и не задумываются, – используйте водяной знак (конечно же, на электронных копиях работ, а не на оригиналах).
Не забудьте указать на сайте ту же информацию, которую прилагаете к портфолио: название, год создания, материалы или носители, размеры или длительность, количество экземпляров (если их больше одного). Не помешает и краткое описание каждого изображения, если, по вашему мнению, в этом есть необходимость. Фотографии инсталляций принято размещать на отдельной странице сайта: так они воспринимаются гораздо лучше. Не важно, сделаны снимки в мастерской или в выставочном зале, – используйте только лучшие из них.
Видеоработы и съемки перформансов необязательно выкладывать полностью – достаточно коротких роликов. На случай, если кто-то захочет ознакомиться с полными версиями, оставьте ссылку на страницу с контактными данными: так вы сможете контролировать, кто и как часто смотрит ваши видеоролики, а заодно и расширите список контактов. Если разместить ролики на сайте по какой-то причине не получается, воспользуйтесь видеохостингами.
«С появлением Интернета людям стало значительно легче делать выбор или выносить суждения о чьем-либо творчестве. Он показывает все: умеренно ли ваше искусство или выходит за рамки, забавно ли оно, интересно или причудливо. И то, что он показывает, формирует мнение. О вас и вашем творчестве».
Келли Клаасмайер, критик газеты Houston Press и редактор портала glasstire.com (Хьюстон)
«Собственный сайт – абсолютно потрясающая вещь. Самый простой способ рассказать о себе больше. Даже известным художникам это бывает нужно. Сколько раз, организуя выставку, я заглядывал к художнику на сайт и просто находил там работу, которая мне подходила. Разве не восхитительно?»
Джеймс Харрис, галерея Джеймса Харриса (Сиэтл)
Все, что мы говорили о резюме в третьей главе, относится и к сайту. Единственное исключение – CV: здесь оно может быть сколь угодно длинным, так что смело рассказывайте о себе все, что хотите, без оглядки на предпочтения галереи. Но это не отменяет необходимости редактировать все написанное. Про работу, не связанную напрямую с искусством, рассказывать нежелательно – если, конечно, вы не преподаете искусствоведение или одну из художественных дисциплин. В этом случае опишите свой опыт в разделе «Опыт работы».
Формат сайта хорош тем, что вы легко можете давать ссылки на другие страницы вашего ресурса прямо в тексте резюме. Например, заполняя раздел групповых выставок, вы можете проверить, активна ли соответствующая страница на сайте галереи, и добавить на нее ссылку. Запись в разделе с публикациями будет вести на страницу, содержащую полный текст. Только не забывайте время от времени проверять, работают ли эти ссылки.
Убедитесь, что ваше резюме корректно отображается в окне браузера. Загрузите на сайт не только текст резюме, но и сам документ (PDF-формат будет оптимальным решением), чтобы посетитель мог легко скачать его и распечатать.
Многие художники для названия раздела с публикациями предпочитают слово с более широким значением – «Тексты» вместо «Пресса». Ведь «Тексты» – это и описания из каталогов, и цитаты из пресс-релизов, и даже заметки в блогах. Так что о глупых спорах о статусе и значимости интернет-публикаций можно забыть.
Конечно, вам захочется разместить любое, даже самое незначительное, упоминание о себе. Если оно действительно незначительное, процитируйте только те строки, в которых фигурирует ваше имя (не забыв, конечно, дать сслку на полный текст статьи). Укажите имена авторов и название материала так же, как вы делали это в резюме и указывая публикации.
Если же о вас написано очень много, размещать на сайте все не обязательно – упомяните только самые важные и интересные публикации. Организуйте их простым и понятным образом.
И, повторимся, не забудьте проверить, удовлетворительным ли будет качество, если кто-то вдруг захочет распечатать эти материалы.
Это укороченная и упрощенная версия CV (от 100 до 250 слов), рассказывающая только самое главное: биографические данные, главные этапы учебной и профессиональной деятельности. Если подобных этапов немного, добавьте пару предложений, описывающих ваше творчество.
Биографии обычно пишутся от третьего лица, потому что их довольно часто включают в пресс-релизы и различные анонсы.
Несмотря на то, что огромное количество художников размещают на сайте свое творческое кредо, мы бы не советовали этого делать, если только оно не нужна, чтобы понять ваше искусство (например, концептуальность работы или уникальность творческого процесса – всего, что требует дополнительных объяснений). Хорошее творческое кредо можно написать, только если вы знаете, для чего и для кого его пишете, будь то заявка на грант или что-нибудь подобное. Нет, конечно, можно написать что-то более-менее универсальное, без расчета на конкретного читателя, но подумайте, будет ли результат по-настоящему эффектен и эффективен? Ведь в основном люди приходят на сайт познакомиться с вашими работами и резюме, а творческое кредо нужно тем, кто станет рассматривать вашу заявку, а значит, и все материалы.
Другим неплохим способом показать себя посетителю и добавить вашему творчеству необходимый контекст может стать раздел со ссылками. Подобный список способен сказать о человеке столько же, сколько, например, перечень любимых книг. Дайте ссылки на страницы художников, творчество которых любите, галереи, работу которых считаете образцовой, организации, с которыми когда-либо сотрудничали, журналы и блоги, которые читаете. А еще старайтесь договариваться с их владельцами, чтобы они в ответ размещали у себя ссылку на ваш сайт.
Вместо того чтобы указывать цену каждой работы, лучше написать что-нибудь вроде: «Пожалуйста, по поводу стоимости размещенных на сайте работ свяжитесь со мной (или с галереей) любым удобным для вас способом». На то есть несколько причин.
Во-первых, галереи обычно рассчитывают, что при ценообразовании вы учтете и их интересы. Во-вторых, вам будет легче повышать (или понижать) цены, если сумма, которую вы рассчитываете получить, еще не выставлена на всеобщее обозрение. В-третьих, у галереи, с которой вы сотрудничаете, может создаться впечатление, что вы торгуете у нее за спиной.
И еще кое-что. Главная задача сайта – знакомство посетителей с вашим творчеством. Вы хотите, чтобы человек понял то, что вы создаете, узнал о вас больше, пришел на вашу выставку. Лишние цифры от этого отвлекают. Они уводят от чистого восприятия искусства, заставляют посетителя задуматься о том, хочет ли он им владеть.
Впрочем, если вы зарабатываете творчеством, продавая сами работы или сопутствующие товары (вроде футболок, открыток или сумок), и не связаны обязательствами ни с одной галереей, смело размещайте цены. Хотя продажей сопутствующих товаров лучше все же заниматься на специально созданных для этого сайтах, а главный стоит посвятить исключительно искусству.
Блог
Блоги художников в последнее время становятся все более популярными – почти столь же популярными, как и их сайты. При этом создать блог куда легче: существует великое множество ресурсов, предоставляющих бесплатно (или за совсем небольшие деньги) возможность вести свой блог.
Блог это вовсе не необходимость. К примеру, более традиционное, статическое искусство нуждается в подобном формате куда меньше, чем динамическое, основанное на процессуальной или временной составляющей. Блоги хороши и для коллективного творчества. И для чего угодно, что подразумевает восприятие концепта целиком и о чем невозможно рассказать посредством одних лишь изображений. Блог в таких случаях – отличное вспомогательное средство.
Вот о чем стоит в первую очередь помнить, заводя блог:
• Его будут читать люди (кто бы мог подумать, правда?). Не пишите ничего такого, что впоследствии может обернуться против вас. И не говорите ни о ком плохо: в мире искусства сплетни распространяются с ультразвуковой скоростью, так что перемывать косточки какому-нибудь бедолаге, чье творчество вам кажется недостойным, уместнее на кухне с друзьями. Не вещайте об этом с трибуны, где вас услышит каждый.
• Перепроверяйте тексты перед публикацией. Да, блоги неформальны, но это не означает, что люди будут сквозь пальцы смотреть на ошибки и опечатки, причем не только в собственных именах, но и во всем тексте.
• Делать записи каждый день необязательно, но вы все же должны как-то подогревать интерес постоянных читателей и давать им знать, когда ждать продолжения.
• Вы не обязаны писать. Изображений вполне… впрочем, вы и так это знаете.
Многие считают, что небольших размеров визитки выглядят более стильно. На самом деле это не так. Их легко потерять, а значит, с ними больше мороки.
Визитные карточки
Галеристы и кураторы единодушны во мнении, что визитки просто необходимы. «Зачем они нужны?» – спросите вы. Во-первых, одного взгляда на карточку достаточно, чтобы без особых усилий вспомнить, как вас зовут, когда именно состоится ваша ближайшая выставка и где вас найти в Интернете. Во-вторых, вы выглядите куда более профессионально, когда отточенным жестом достаете из внутреннего кармана бумажный прямоугольник, чем когда второпях царапает адрес своего сайта на салфетке.
Размер, дизайн и содержание визитки зависят целиком от вас: 9 5 см (стандартная) или 9 14 см (размером примерно с почтовую открытку), с именем и адресом сайта на белом фоне или с парой изображений ваших работ. И если вы действительно хотите произвести впечатление, не оставляйте пустой обратную сторону визитки.
Нет визитки – воспользуйтесь пригласительным на выставку. Ну или салфеткой, и гори оно все огнем. Только заранее напечатайте на ней свои контактные данные.
«Я без ума от визиток. Когда я в следующий раз загляну к вам в открытую мастерскую, просто дайте мне карточку со своим именем на одной стороне и изображением одной из ваших работ на другой: тем самым вы облегчите жизнь нам обоим».
Мелисса Левин, директор резиденции для художников Совета по культуре Нижнего Манхэттена (Нью-Йорк)
Глава 5
Откройте двери своей мастерской
Почти каждый важный шаг в карьере будет предваряться визитами в вашу мастерскую (кроме разве что резидентских программ и грантов). Гостем может стать куратор, организующий выставку и присматривающийся к вашим работам, коллекционер, желающий их приобрести, представитель галереи, заинтересованной в постоянном сотрудничестве с вами, или другой художник, имеющий что сказать о вашем творчестве.
Все они хотят посмотреть на оригиналы работ. Все они ждут от вас комментариев относительно вашего искусства. Они хотят знать, как вы творите, чем вдохновляетесь и чего ищете. Кураторы стремятся понять, насколько их понимание ваших произведений соответствует изначальному замыслу. Коллекционеры желают видеть контекст. Галеристам важно знать, достойны ли вы того, чтобы представлять вас коллекционерам, и способны ли вы лично объяснить им смысл своих работ.
Мы рассказываемоб этом для того, чтобы вы поняли: чем скорее вы свыкнетесь с мыслью, что вам частенько придется принимать гостей, тем лучше. Показывать свои произведения незнакомым людям – всегда стресс, хотя бы потому, что на карту поставлено слишком многое. Поэтому настоятельно советуем вам потренироваться. Обсудите свое творчество с коллегами. Пригласите в мастерскую друзей, не имеющих никакого отношения к искусству, и позвольте им осмотреться. Чем чаще вы будете это делать, тем более непосредственно будете себя чувствовать и тем меньше нервничать во время официальных визитов.
«Чтобы впустить кого-нибудь в свою мастерскую, требуется недюжинная смелость. Но раз уж вы позволили посетителю переступить порог, будьте готовы дать ему что-то еще. Не думайте, что отделаетесь одним лишь открытием дверей».
Джаспер Шарп, куратор Музея истории искусств (Вена, Австрия)
«Когда вы чувствуете, что в вашей работе близок некий решающий, поворотный момент, когда вы создали нечто, чем бесконечно довольны и на что хотите получить отзыв, позовите в мастерскую друзей. Начните объяснять им, о чем ваше произведение, и следите за их реакцией. Полезным будет пригласить и просто знакомых – людей, которых вы знаете не так хорошо, но которым доверяете и которые, возможно, ранее уже интересовались вашим творчеством. Так вы постепенно приучите себя находиться в центре внимания и, не смущаясь, рассказывать о своих работах и собственном отношении к ним.
Гости расскажут о вас своим друзьям. Когда незнакомец услышит о вас, заинтересуется, позвонит или даже придет в вашу мастерскую, вы осознаете всю значимость и ценность подобных встреч. К тому моменту вы уже наверняка будете чувствовать себя куда увереннее и знать куда больше о том, как себя вести, когда к вам приходят гости».
Питер Эли, куратор центра современного искусства PS1 (Нью-Йорк) и бывший куратор центра Walker Art (Миннеаполис)
«Я бы посоветовал взять себе за правило регулярно взаимодействовать с коллегами, посещать их мастерские и приглашать к себе в гости – это позволит вам не зацикливаться на себе. Зовите их в мастерскую, путь смотрят на то, что вы делаете, и разговаривайте, разговаривайте, разговаривайте…»
Джеймс Харрис, галерея Джеймса Харриса (Сиэтл)
Группы художников
Честное мнение – большая редкость, особенно за пределами стен художественной школы. Критические отзывы редки и по большей части случайны, вам не приходится ежедневно отчитываться перед преподавателями, а галеристы и кураторы, заглядывающие к вам в мастерскую, заинтересованы в том, чтобы как можно больше узнать о вашем творчестве, а не чтобы критиковать его. Поэтому вам придется напрашиваться на отзывы коллег.
Лучший способ получать их регулярно – организовать группу: собрать вместе друзей-художников и составить график хождения друг к другу в гости (необязательно ограничиваться художниками, кстати: предложите поиграть в эту игру и другим профессионалам в области искусства – так вы услышите больше мнений). Такая группа может стать отличным источником вдохновения, поможет найти нужное направление. К тому же с помощью друзей вы познакомитесь с другими художниками и кураторами, которые оценят ваше искусство и захотят с вами сотрудничать.
«Первыми гостями, пришедшими ко мне в мастерскую в Нью-Йорке, были художники, с которыми я познакомился в баре за бильярдным столом. Нечто подобное происходит до сих пор, и я не думаю, что тенденция когда-нибудь изменится: это же основа основ любого сообщества внутри огромного мира искусства. Задача проста: затащить кого-нибудь в свою пещеру и показать наскальные рисунки.
В первую очередь – своих коллег и тех, кто подает хоть какие-то признаки интереса к вашим работам. Пусть эти люди никак не связаны с искусством, пусть они не подкованы теоретически, но это именно то, с чего нужно начинать. Так вы создадите сообщество, которое станет следующим поколением».
Майкл Джу, художник (Нью-Йорк)
«Любая общественная организация (я вот, например, вхожу в “Группу критиков”) – отличный способ создать атмосферу творческого единства и взаимопомощи в весьма и весьма специфической богемной среде. Мы действительно нужны друг другу. И нам стоит знать друг друга».
Дэвид Гибсон, куратор и критик (Нью-Йорк)
«Однажды летом пару лет назад мы взяли себе за правило раз в неделю обязательно ходить друг к другу в гости. Каждую среду мы собирались – вдевятером или вдесятером – и шли в мастерскую. Я увидел столько всего нового! Один из таких визитов состоялся в период, когда я испытывал определенные сомнения относительно своей работы. Удивительно, но именно разговор, состоявшийся тем вечером, сильно помог мне – и уже ночью я осознал, в каком направлении буду двигаться».
Майкл Йодер, художник (Филадельфия)
Открытые мастерские
Каждый год в разных городах по всей стране проводятся мероприятия, называемые открытыми мастерскими. Первое из них состоялось более тридцати лет назад в Сан-Франциско под эгидой некоммерческой организации ArtSpan. Чуть позже другая некоммерческая организация, Artspace, провела такое же мероприятие в Нью-Хейвене. В Миннеаполисе есть Art-a-Whirl, в Бруклине – Dumbo Open Studios. С большой долей вероятности такие есть и в вашем городе.
Проведение открытых мастерских позволит привыкнуть к официальным визитам и расширить свою аудиторию. Вы даже представить себе не можете, с какими неожиданными и вопросами и разнообразными реакциями на ваше творчество вы столкнетесь, когда двери вашей мастерской будут открыты.
Поспрашивайте друзей или поищите в Интернете, какие организации проводят открытые мастерские в вашем городе. Убедитесь, что успеваете вовремя зарегистрироваться (мероприятие должно носить официальный характер).
Впрочем, вы всегда можете провести открытую мастерскую самостоятельно: самые известные из них были организованы именно художниками, работающими в одном помещении. Начните с малого – небольшой вечеринки с друзьями или соседями. Пригласите гостей. Или замахнитесь сразу на общегородское мероприятие, которое продлится несколько дней (лучше всего в выходные). Так вы расширите круг общения, познакомитесь с другими художниками и вытащите свои работы на свет божий.
С чего начать
Подготовка открытой мастерской проста и не требует больших усилий. Вы просто превращаете мастерскую в мини-галерею так, чтобы завлечь посетителей внутрь и задержать их как можно дальше возле ваших работ. Уберите все оборудование, материалы и прочее барахло в кладовку или просто дальний угол, как следует вымойте пол и стены, организуйте пространство соответствующим образом.
«У меня есть очень близкая подруга, которая работает куратором в отделе фотоискусства в МоМА[13]. Ее муж – магистр изящных искусств и великолепный художник. Вместе они занимаются тем, что позволяет им чувствовать себя единым целым, – возрождают традицию салонов XVIII века (этим, кстати, сейчас занимается еще несколько человек). Они регулярно собирают вместе художников и их друзей – человек пятьдесят. Гости сидят на диванах и смотрят фильмы о людях, о которых вы и слыхом не слыхивали. Мне это кажется очень перспективным».
Йоахим Писсарро, куратор, профессор, историк искусства, бывший куратор Музея современного искусства (Нью-Йорк)
«Когда я училась в магистратуре, мою подружку и соседку бросил парень. Он забрал с собой всю мебель. Помню, как стояла посреди голой комнаты, и у меня возникло ощущение, что я нахожусь в пустой белой коробке. И мы организовали художественный салон. Что плохого в том, чтобы делать то, что понравится людям и привлечет их к тебе?»
Криста Блетчфорд, художница, директор по поддержке художников фонда Джоан Митчелл, бывший куратор учебных программ для художников Нью-Йоркского фонда искусств (Нью-Йорк)
Подготовка работ
Вы не знаете, кто именно придет к вам в мастерскую, поэтому лучше всего показать по несколько работ, созданных в разных техниках, разных жанрах и с разным сюжетом. По три примера будет вполне достаточно. Спрячьте остальные работы, только не очень далеко, чтобы легко можно было показать их тому, кто всерьез ими заинтересуется. Разместите произведения так, чтобы люди смогли составить мнение о вашем творчестве, сполна насладиться им, увидеть взаимосвязь между примерами самых различных жанров, техник и сюжетов. Части единого произведения разместите рядом друг с другом. Не смешивайте в кучу работы разных жанров. И не перестарайтесь с их количеством! Если только в основе вашего творчества не лежит концепция насыщения смыслами и ощущениями, посетители оценят вашу заботу о создании пространства, в котором легко дышится. Чересчур большое количество произведений может перегрузить и запутать аудиторию.
Незаконченные работы тоже лучше спрятать от посторонних глаз (если, конечно, в ваши задачи не входит познакомить посетителей с процессом творения): случись вдруг, что у вас не найдется времени объяснить их суть и описать результат, люди поймут ваше искусство превратно.
Выбрав работы, которые вы покажете на своей импровизированной выставке, расположите их на полу, чтобы получить представление, как они будут выглядеть на стенах. Положите под них картон или пенопласт, чтобы ничего случайно не повредить. А потом просто меняйте их местами, раз за разом, до тех пор, пока не найдете нужную комбинацию. Теперь можно располагать работы для показа.
Не забудьте, что освещение влияет на восприятие, так что устанавливайте источники света наилучшим, с вашей точки зрения, образом, даже если для этого придется одолжить или купить дополнительные светильники.
Как только закончите, попросите друга оценить результаты ваших трудов и высказать свое мнение. Другие люди – и в частности, художники – могут заметить то, чего вы в силу своего, как это ни парадоксально прозвучит, слишком близкого знакомства со своим творчеством просто не видите. Не забудьте поместить рядом с произведениями описание или составьте общие списки, как это делают в галереях, – это самый простой способ донести до посетителей всю нужную информацию о каждой работе и привлечь к ним внимание.
Проведите в мастерскую Интернет и обеспечьте доступ публики к вашему сайту: возможно, они захотят узнать о вас больше. Если же гости будут искренне заинтересованы, немедленно доставайте из загашника все свои работы.
«Мне нравится, когда художник демонстрирует объем работ, который выглядит цельным. За один визит я понимаю суть. Не нужно показывать мне все свои работы. Находитесь в настоящем моменте. Нет ни будущего, ни прошлого».
Стивен Серджованни, директор галереи Mixed Greens (Нью-Йорк)
Не можете решить, что именно показать? Попробуйте ответить на следующие вопросы:• Какие работы нравятся вам больше всего?
• О каких работах вам легче всего говорить?
• Создание каких работ стало для вас настоящим откровением?
• Какие работы связаны друг с другом и рассказывают одну и ту же историю?
• Какие работы удостоились наилучших отзывов и почему?
• Сочетаются ли друг с другом отобранные вами работы в плане размеров и материалов? Аккуратно ли выглядят вместе?
• Можете ли вы показать произведение, над которым работаете в данный момент (и под рукой ли у вас прошлые работы)?
• Можете ли вы объяснить, почему выбрали то, что выбрали?
Для картин, фотографий и прочих работ, которые вешаются на стены, существует стандарт – 145 см от пола до геометрического центра произведения. Некоторые кураторы предпочитают чуть большее или чуть меньшее расстояние (в среднем от 140 до 158 см), но каждый сантиметр неизбежно играет свою роль в том, как смотрится и воспринимается работа. Безусловно, замысел произведения может потребовать от вас разместить его на совсем другой высоте.
Так или иначе, все работы должны располагаться на одной и той же высоте от пола (относительно их центра, разумеется). Последовательность в этом вопросе организует пространство мастерской.
Обращайте внимание и на расстояние между произведениями. Две работы, расположенные близко друг к другу, будут неизбежно восприниматься как части одного целого.